Prace artysty Rembrandta van Rijna. Rembrandt: biografia, twórczość, fakty i filmy. Trudna sytuacja finansowa

Rembrandta Harmenszoona van Rijna

Największy przedstawiciel Złotego Wieku, artysta, rytownik, wielki mistrz światłocienia – a wszystko to w jednym imieniu: Rembrandt.

Rembrandt urodził się 15 lipca 1606 roku w Lejdzie. Ten wielki holenderski artysta zdołał ucieleśnić w swoich pracach całe spektrum ludzkich doświadczeń z takim bogactwem emocjonalnym, jakiego sztuka piękna nigdy wcześniej nie znała.

Życie

Dorastał w dużej rodzinie bogatego właściciela młyna Harmena Gerritszoona van Rijna. Do majątku Rheina należały między innymi jeszcze dwa domy, znaczny posag otrzymał także od swojej żony Kornelii Neltje. Matka przyszłej artystki była córką piekarza i znała się na gotowaniu.Nawet po rewolucji holenderskiej rodzina jej matki pozostała wierna wierze katolickiej.

W Lejdzie Rembrandt uczęszczał do szkoły łacińskiej na uniwersytecie, ale nie lubił nauk ścisłych i najbardziej interesował się malarstwem. Zdając sobie z tego sprawę, jego rodzice w wieku 13 lat wysłali Rembrandta na studia sztuk pięknych pod kierunkiem malarza historycznego z Lejdy Jacoba van Swanenburcha, który był katolikiem. Dzieła Rembrandta, zróżnicowane gatunkowo i tematycznie, przesiąknięte są ideami moralności, duchowego piękna i godności zwyczajna osoba, rozumiejąc niepojętą złożoność jego wewnętrznego świata, wszechstronność jego bogactwa intelektualnego, głębię jego przeżyć emocjonalnych. O Jakubie dotarło bardzo niewiele informacji, dlatego historycy i krytycy sztuki nie mogą z całą pewnością stwierdzić wpływu Swanenberga na styl twórczy Rembrandta.

Następnie w 1623 roku studiował w Amsterdamie u modnego wówczas malarza Pietera Lastmana, po czym wracając do Lejdy, w 1625 roku wraz ze swoim rodakiem Janem Lievensem otworzył własną pracownię.

Pitera Lastman kształciła się we Włoszech i specjalizowała się w tematyce historycznej, mitologicznej i biblijnej. Kiedy Rembrandt otworzył warsztat i zaczął przyjmować studentów, w krótkim czasie zyskał znaczną sławę. Jeśli spojrzeć na pierwsze prace artysty, od razu można zrozumieć, że styl Lastmana – zamiłowanie do różnorodności i drobnostki wykonania, wywarł wpływ ogromny wpływ do młodego artysty. Na przykład jego dzieło „Ukamienowanie św. Szczepana” (1629), „Scena z historii starożytnej” (1626) i „Chrzest Eunucha” (1626), bardzo jasne, niezwykle kolorowe, Rembrandt stara się dokładnie opisać każdy szczegół świata materialnego. Niemal wszyscy bohaterowie pojawiają się przed widzem ubrani w fantazyjne, orientalne stroje, lśniące biżuterią, co stwarza atmosferę przepychu, przepychu i święta.

W 1628 roku dwudziestodwuletni artysta został uznany za „bardzo znanego” mistrza, słynnego portrecistę.

Obraz „Judasz zwraca srebrniki” (1629) wywołał entuzjastyczną recenzję słynnego konesera sztuki Constantina Huygensa, sekretarza namiestnika Fredericka Hendrika z Oranii: „...to ciało drżące z żałosnego drżenia jest tym, co wolę od dobrego smaku wszechczasów.”

Dzięki koneksjom Konstantyna Rembrandt szybko zyskał zamożnych wielbicieli sztuki: za pośrednictwem Hagensa książę Orański zamówił u artysty kilka dzieł o tematyce religijnej, m.in. „Chrystus przed Piłatem” (1636).

Prawdziwy sukces artysty przychodzi w Amsterdamie. 8 czerwca 1633 roku Rembrandt poznał córkę zamożnego mieszczanina, Saskię van Uylenburch, i zyskał silną pozycję w społeczeństwie. Większość swoich obrazów artysta namalował podczas pobytu w stolicy Holandii.

Amsterdam – tętniące życiem miasto portowe i przemysłowe, do którego napływały towary i ciekawostki z całego świata, gdzie ludzie bogacili się dzięki transakcjom handlowym i bankowym, gdzie wygnańcy feudalnej Europy gromadzili się w poszukiwaniu schronienia i gdzie dobrobyt bogatych mieszczanie współistnieli z przygnębiającą biedą, ma silne więzi z artystą.

Okres amsterdamski Rembrandta rozpoczął się od oszałamiającego sukcesu, jaki przyniosła mu Lekcja anatomii doktora Tulpa (1632, Haga, Mauritshuis), która zmieniła tradycję holenderskich portretów grupowych. Rembrandt skontrastował zwyczajowy pokaz przedstawicieli zawodów ogólnych pozujących artyście z dramaturgią dowolnie ustalonej sceny, której uczestników – członków cechu chirurgów, słuchając kolegi, łączy aktywne intelektualnie i duchowo włączenie się w proces badań naukowych.

Rembrandt inspiruje się pięknem swojej ukochanej, dlatego często maluje jej portrety. Trzy dni po ślubie van Rijn przedstawił kobietę w srebrnym ołówku, w kapeluszu z szerokim rondem. Saskia pojawiała się na obrazach Holendra w przytulnym, domowym otoczeniu. Wizerunek tej kobiety o pulchnych policzkach pojawia się na wielu płótnach, na przykład tajemnicza dziewczyna z obrazu „Nocna straż” bardzo przypomina ukochaną artysty.

Lata trzydzieste w życiu Rembrandta były okresem sławy, bogactwa i szczęścia rodzinnego. Otrzymał wiele zamówień, był otoczony przez studentów, z pasją kolekcjonował dzieła malarzy włoskich, flamandzkich i holenderskich, rzeźbę starożytną, minerały, rośliny morskie, starożytną broń i przedmioty sztuki orientalnej; Podczas pracy nad obrazami eksponaty z kolekcji często służyły artyście jako rekwizyty.

Dzieła Rembrandta z tego okresu są niezwykle różnorodne; świadczą o niestrudzonym, czasem bolesnym poszukiwaniu artystycznego zrozumienia duchowej i społecznej istoty człowieka i natury oraz ukazują tendencje, które nieubłaganie krok po kroku wprowadzają artystę w konflikt ze społeczeństwem.

W portretach „dla siebie” i autoportretach artysta swobodnie eksperymentuje z kompozycją i efektami światłocieniowymi, zmienia tonację kolorystyczną, ubiera swoich modeli w fantastyczne lub egzotyczne stroje, zmienia pozy, gesty, dodatki („Flora”, 1634 , Petersburg, Państwowe Muzeum Ermitażu).

W 1635 roku namalowano słynny obraz oparty na biblijnej historii „Ofiara Abrahama”, który cieszył się dużym uznaniem w świeckim społeczeństwie.

W 1642 roku van Rijn otrzymał od Towarzystwa Strzeleckiego zamówienie na portret zbiorowy, który miał ozdobić płótnem nowy budynek. Obraz został błędnie nazwany „Nocną strażą”. Było zabrudzone sadzą i dopiero w XVII wieku badacze doszli do wniosku, że akcja rozgrywająca się na płótnie rozgrywała się w ciągu dnia.

Rembrandt szczegółowo przedstawił każdy szczegół muszkieterów w ruchu: jakby w pewnym momencie zatrzymali się w miejscu, gdy z ciemnego dziedzińca wyszła milicja, tak że van Rijn uchwycił ich na płótnie.

Klientom nie podobało się to, że holenderski malarz odstąpił od kanonów, które ukształtowały się w XVII wieku. Następnie portrety grupowe miały charakter ceremonialny, a uczestnicy byli przedstawiani całą twarzą, bez żadnych zakłóceń.

Według naukowców obraz ten był przyczyną bankructwa artysty w 1653 roku, gdyż odstraszył potencjalnych klientów.

Tragiczne zmiany w osobistych losach Rembrandta (śmierć nowo narodzonych dzieci, jego matki, w 1642 r. – choroba i śmierć Saskii, która pozostawiła mu dziewięciomiesięcznego syna Tytusa), pogorszenie jego sytuacji materialnej na skutek upartej niechęci poświęcanie wolności ducha i kreatywności na rzecz zmieniających się gustów mieszczan, zaostrzało i obnażało stopniowo dojrzewający konflikt między artystą a społeczeństwem.

Informacje o życiu prywatnym Rembrandta w latach czterdziestych XVII wieku. Niewiele pozostało w dokumentach. Z uczniów tego okresu znany jest jedynie Nicholas Mas z Dordrechtu. Najwyraźniej artysta nadal żył w wielkim stylu, jak poprzednio. Rodzina zmarłej Saskii wyraziła zaniepokojenie sposobem, w jaki pozbył się jej posagu. Niania Tytusa, Geertje Dirks, pozwała go za złamanie obietnicy zawarcia małżeństwa; Aby rozwiązać ten incydent, artysta musiał wydać pieniądze.

Pod koniec lat czterdziestych XVII wieku Rembrandt zaprzyjaźnił się ze swoją młodą panną Hendrickje Stoffels, której wizerunek pojawia się w wielu pracach portretowych z tego okresu: („Flora” (1654), „Kobieta w kąpieli” (1654), „Hendrickje przy oknie” (1655)). Rada parafialna potępiła Hendrickje za „grzeszne współżycie”, gdy w 1654 r. artystce urodziła się jej córka Kornelia. W tych latach Rembrandt odszedł od tematów, które miały ogromny oddźwięk narodowy lub uniwersalny.

Artysta długo pracował nad rytowanymi portretami burmistrza Jana Szóstego (1647) i innych wpływowych mieszczan. Wszystkie znane mu techniki i techniki grawerowania zostały wykorzystane do wykonania misternej ryciny „Chrystus uzdrawiający chorych”, lepiej znanej jako „Stu Liść Guldenów”, która kiedyś została sprzedana za tak ogromną cenę na 17. wiek. Nad tą akwafortą, uderzającą subtelnością światła i cienia, pracował przez siedem lat, od 1643 do 1649 roku.

W 1653 roku przeżywający trudności finansowe artysta przekazał niemal cały swój majątek swojemu synowi Tytusowi, po czym w 1656 roku ogłosił upadłość. Po sprzedaży w latach 1657-58. dom i majątek (zachował się ciekawy katalog kolekcji dzieł sztuki Rembrandta) artysta przeniósł się na obrzeża Amsterdamu, do dzielnicy żydowskiej, gdzie spędził resztę życia.

Śmierć Tytusa w 1668 roku była dla artysty jednym z ostatnich ciosów losu; on sam zmarł rok później.

Rembrandt Harmens van Rijn zmarł w październiku 1669 r. Miał 63 lata. Był stary, chory i biedny. Notariusz nie musiał poświęcać dużo czasu na sporządzenie inwentarza majątku artysty. Inwentarz był krótki: „trzy znoszone bluzy, osiem chusteczek, dziesięć beretów, przybory malarskie, jedna Biblia”.

Obrazy

Powrót syna marnotrawnego

Słynny obraz „Powrót syna marnotrawnego”, jedno z ostatnich dzieł Rembrandta. Został napisany w roku jego śmierci i stał się szczytem jego talentu.

To największy obraz Rembrandta o tematyce religijnej. Obraz Rembrandta na podstawie nowotestamentowej przypowieści o synu marnotrawnym.

Przypowieść o synu marnotrawnym znajdujemy w Ewangelii Łukasza. Opowiada o młodzieńcu, który opuścił dom ojca i roztrwonił swój spadek. Spędzał dni na bezczynności, rozpuście i pijaństwie, aż znalazł się na podwórzu, gdzie jadł z tego samego koryta co świnie. Znajdując się w rozpaczliwej sytuacji i całkowitym ubóstwie, młody człowiek wraca do ojca, gotowy zostać jego ostatnim niewolnikiem. Ale zamiast pogardy znajduje królewskie powitanie, zamiast gniewu - przebaczającą, głęboką i czułą ojcowską miłość.

1669 Rembrandt rozgrywa na oczach widza ludzki dramat. Farby nakładają się na płótno grubymi pociągnięciami. Są ciemne. Artysta nie przejmuje się postaciami drugoplanowymi, nawet jeśli jest ich całkiem sporo. Uwaga ponownie skupia się na ojcu i synu. Stary ojciec, zgarbiony w żalu, zwraca się twarzą do widza. Na tej twarzy jest ból i oczy zmęczone płaczem i szczęście długo oczekiwanego spotkania. Syn jest do nas odwrócony tyłem. Zakopał się jak dziecko w królewskiej szacie swego ojca. Nie wiemy, co wyraża jego twarz. Ale popękane pięty, goła czaszka włóczęgi i biedne ubranie mówią wystarczająco dużo. Jak dłonie ojca ściskające ramiona młodego mężczyzny. Poprzez spokój tych przebaczających i wspierających rąk Rembrandt po raz ostatni opowiada światu uniwersalną przypowieść o bogactwie, namiętnościach i występkach, pokucie i przebaczeniu. „...Wstanę, pójdę do mojego ojca i powiem mu: Ojcze! Zgrzeszyłem przeciwko niebu i wobec ciebie, i nie jestem już godzien nazywać się twoim synem; przyjmij mnie jako jednego ze swoich najemników. Wstał i poszedł do ojca. A gdy był jeszcze daleko, ujrzał go jego ojciec i zlitował się nad nim; i biegnąc, rzucił mu się na szyję i pocałował go”.

Oprócz ojca i syna zdjęcie przedstawia jeszcze 4 postacie. To ciemne sylwetki, które trudno odróżnić na ciemnym tle, ale kim są, pozostaje tajemnicą. Niektórzy nazywali ich „braćmi i siostrami głównego bohatera”. Charakterystyczne jest, że Rembrandt unika konfliktów: przypowieść mówi o zazdrości posłusznego syna, a harmonia obrazu nie zostaje w żaden sposób zakłócona.

Van Gogh bardzo trafnie powiedział o Rembrandcie: „Aby tak malować, trzeba kilka razy umrzeć... Rembrandt wnika w tajemnicę tak głęboko, że mówi o przedmiotach, na które nie ma słów w żadnym języku. Dlatego Rembrandt nazywany jest: czarodziejem. A to nie jest proste rzemiosło.”

Nocna Straż

Tradycyjnie znana jest nazwa portretu zbiorowego Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga”, namalowanego w 1642 roku.

Płótno holenderskiego mistrza jest pełne wielu „niespodzianek”. Zacznijmy od tego, że tytuł obrazu, do którego jesteśmy przyzwyczajeni, nie odpowiada rzeczywistości: przedstawiony na nim patrol tak naprawdę nie jest przez całą noc, ale bardzo dużo w ciągu dnia. Tyle, że dzieło Rembrandta było kilkukrotnie werniksowane, przez co mocno przyciemniło. Ponadto przez prawie 100 lat (od początku XVIII do początków XIX wieku) płótno zdobiło jedną z sal amsterdamskiego ratusza, gdzie wisiało bezpośrednio naprzeciw kominka, rok później pokrywając się sadzą rok. Nic dziwnego, że na początku XIX wieku za obrazem ugruntowała się nazwa „Nocna straż”: do tego czasu historia jego powstania została całkowicie zapomniana i wszyscy byli pewni, że mistrz przedstawił ciemną porę dnia . Dopiero w 1947 roku podczas renowacji w Rijksmuseum w Amsterdamie, gdzie obraz znajduje się do dziś, okazało się, że jego kolorystyka była nieporównywalnie jaśniejsza, niż się powszechnie uważa. Co więcej, krótkie cienie rzucane przez bohaterów wskazują, że dzieje się to pomiędzy południem a drugą po południu. Konserwatorzy nie usunęli jednak wszystkich warstw ciemnego lakieru w obawie przed uszkodzeniem farby, dlatego w „Nocnej Straży” panuje jeszcze zupełny półmrok.

Prawdziwy tytuł obrazu to „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Wilhema van Ruytenburga”. To zbiorowy portret muszkieterów-milicjantów jednej z dzielnic Amsterdamu. W latach 1618-1648 w Europie szalała wojna trzydziestoletnia, a mieszkańcy holenderskich miast chwycili za broń, aby bronić swoich domów. Dzieło Rembrandta, wraz z portretami innych kompanii strzeleckich, miało ozdobić główną salę w Kloveniersdolen – siedzibę miejskich strzelców. Ale klienci byli rozczarowani: Rembrandt nie stworzył monumentalnego portretu ceremonialnego, ale obraz rodzajowy, w którym z trudem odnalazł własne twarze, często w połowie zakryte przez inne postacie. Nadal by! Przecież artysta oprócz 18 klientów (z których każdy zapłacił za swój portret około 100 złotych guldenów – jak na tamte czasy kwota bardzo imponująca), wycisnął na płótno jeszcze 16 osób! Kim oni są, nie wiadomo.

Muzeum – Muzeum Historii Amsterdamu?

Trzy krzyże

Jedna z najsłynniejszych rycin Rembrandta, ma pięć stanów. Tylko trzecia jest sygnowana i datowana, dlatego Rembrandt uznał resztę za pośrednią. Piąty stan jest bardzo rzadki, znanych jest tylko pięć okazów.

Rycina przedstawia dramatyczny moment śmierci Chrystusa na krzyżu Kalwarii, opisany w Ewangeliach. W rycinie tej Rembrandt na niespotykaną dotąd skalę zastosował technikę dłuta i suchej igły, co zwiększyło kontrast obrazu.

2 grudnia 2008 roku w Christie's ta akwaforta (stan IV) została sprzedana za 421 250 funtów.

Zejście z krzyża

W 1814 roku Aleksander I kupił od cesarzowej Józefiny należącą do niej Galerię Malmaison. Część obrazów pochodziła ze słynnej Galerii Kassel, m.in. Zejście z Krzyża. Wcześniej obrazy te były własnością Madame de Roover w Delft i wraz z innymi obrazami z jej kolekcji zostały zakupione przez landgrafa Hesji-Kassel Ludwiga VII. W 1806 roku jego galerię przejął Napoleon i podarował Józefinie.

Następca landgrafa Hesji-Kassel, Ludwik VII, dawny sojusznik Aleksandra I, przedstawił w 1815 roku cesarzowi żądanie zwrotu obrazów zdobytych przez Napoleona. Żądanie to zostało zdecydowanie odrzucone przez Aleksandra I, który zapłacił za obrazy i na wszelkie możliwe sposoby okazywał uwagę Józefiny swojej córce Hortensii. W 1829 roku Hortense, która nosiła wówczas tytuł księżnej Saint-Leu, zakupiła trzydzieści obrazów z Galerii Malmaison.
Temat „Zejście z krzyża” miał w sztuce europejskiej bogatą tradycję ikonograficzną. Jej najwyższe osiągnięcie Brano pod uwagę obraz ołtarzowy Rubensa w katedrze w Antwerpii, powszechnie znany z ryciny Worstermanna.

Myśl twórcza Rembrandta wędruje gdzieś blisko tej tradycji, korzystając z niej, a jednocześnie stale wybierając inne ścieżki. Niezwykłe dla wcześniejszego rozwoju sztuki europejskiej, są wysoce charakterystyczne dla osobistego stylu twórczego Rembrandta; nie bez powodu „Zejście z krzyża” przypomina „Niewiarę apostoła Tomasza”.
Rubens przedstawił wzniosły smutek grupy majestatycznych i pięknych ludzi z powodu majestatycznego i pięknego bohatera; Niespokojna scena nocnej mszy Rembrandta. Liczne postacie albo wycofują się w ciemność, albo wpadają w promień światła i wydaje się, że tłum porusza się, żyje, opłakując ukrzyżowanego i litując się nad jego matką. Nie ma nic idealnego w wyglądzie ludzi, wielu z nich jest niegrzecznych i brzydkich. Ich uczucia są bardzo silne, ale są to uczucia zwykłych ludzi, nieoświeconych tym wzniosłym katharsis, jakie ma obraz Rubensa.

Zmarły Chrystus jest człowiekiem takim jak oni; Właśnie ze względu na intensywność ich żałoby Jego cierpienie i śmierć nabierają szczególnego znaczenia. Kluczem do treści obrazu jest być może nie tyle Chrystus, co mężczyzna podtrzymujący go i przyciskający policzek do niego.
Z artystycznego punktu widzenia fragmentaryczna, niespokojna kompozycja ustępuje zarówno słynnemu obrazowi Rubensa, jak i niektórym dziełom samego Rembrandta, powstałym w tych samych latach. Na przykład „Niewiara apostoła Tomasza”, która jest mniej znacząca w swojej treści, na zewnątrz wydaje się bardziej harmonijna jako całość. Jednak w „Zstąpieniu z krzyża” wrodzone rozumienie przez Rembrandta tematów biblijnych i ewangelicznych staje się wyraźniejsze.

Dzieło młodego Rembrandta różni się od swojego pierwowzoru w najbardziej podstawowych cechach. Przede wszystkim nie powstał on ani formalnie, ani merytorycznie jako obraz ołtarza modlitewnego. Rozmiar obudowy jest adresowany nie do percepcji tłumu, ale do indywidualnego doświadczenia. To odwołanie się do uczuć i świadomości jednej osoby, nawiązanie bliskiego duchowego kontaktu z widzem, zmusiło artystę do stworzenia całkowicie nowy systemśrodki i techniki artystyczne. Rembrandt postrzegał scenę legendy ewangelii jako tragiczne prawdziwe wydarzenie, zasadniczo pozbawiając ją mistycznego i heroicznego patosu.

Dążąc do jak największej szczerości i prawdziwości obrazu, Rembrandt ukazał zwarty tłum ludzi pod krzyżem, zszokowany żalem, szukający ze sobą jedności rodziny w obliczu straszliwej śmierci. Brązowo-oliwkowa kolorystyka połączyła całą kompozycję, a strumień światła dramatycznie podkreślił jej główne centrum semantyczne. Największą głębię cierpienia ucieleśnia obraz Matki Bożej, która straciła przytomność, z jej wychudłą, wychudzoną twarzą robotnika. Druga grupa żałobników zlokalizowana jest na lewym końcu przekątnej przestrzennej – kobiety z czcią rozkładają całun, spełniając swój bezpośredni obowiązek wobec zmarłego. Opadające ciało Chrystusa podtrzymywane przez starca – ucieleśnienie udręczonego ciała ludzkiego – wywołuje przede wszystkim uczucie głębokiego współczucia.

Żydowska panna młoda

Jeden z ostatnich i najbardziej tajemniczych obrazów Rembrandta. Nazwę nadał mu w 1825 roku amsterdamski kolekcjoner Van der Hop. Błędnie sądził, że przedstawia ona ojca dającego naszyjnik swojej żydowskiej córce z okazji jej ślubu. Być może jest to portret zamówiony, ale stroje bohaterów są wyraźnie podobne do starożytnych, biblijnych, dlatego zaproponowano jako „Artakserkses i Estera”, „Jakub i Rachela”, „Abram i Sara”, „Boaz i Rut”. tytuł.

Saskia jako Flora

Obraz Rembrandta namalowany w 1634 roku, przedstawiający prawdopodobnie żonę artysty Saskię van Uylenbuch jako starożytną włoską boginię kwiatów, kwiatów, wiosennych i polnych owoców, Florę.

W 1633 roku Saskia van Uylenburch została żoną Rembrandta van Rijna. Uroczy portret młodej Saskii w stroju Flory jest cichym, ale wymownym świadkiem tego „czasu wiosny i miłości” genialnego malarza.

Zamyślona, ​​ale niewątpliwie szczęśliwa twarz dziewczyny jest w pełni zgodna z uczuciami panny młodej. Nie jest już wesołym dzieckiem, na które można patrzeć beztrosko Boży pokój. Stoi przed poważnym zadaniem: wybrała nowy sposób i musi zmienić zdanie i wiele, wiele doświadczyć, zanim w to wejdzie dorosłe życie. Nakrycie głowy i laska opleciona kwiatami z pewnością wskazują na Florę, starożytną rzymską boginię wiosny. Strój bogini został namalowany z niesamowitą kunsztem, ale prawdziwa wielkość talentu Rembrandta objawia się w wyrazie czułości, jaką artysta nadał jej twarzy.

Jego ukochana żona wniosła światło szczęścia i serdecznego zadowolenia do samotnego domu skromnego artysty. Rembrandt uwielbiał ubierać Saskię w aksamit, jedwab i brokat, zgodnie z ówczesnym zwyczajem, obsypywał go diamentami i perłami, z miłością obserwując, jak jej śliczna, młoda twarz korzystała z genialnego stroju

Muzeum – Państwowy Ermitaż

Styl

Głęboko humanistyczne w swej istocie i doskonałe w swojej wyjątkowej formie artystycznej, dzieło Rembrandta stało się jednym z szczytów rozwoju cywilizacji ludzkiej. Dzieła Rembrandta, zróżnicowane gatunkowo i tematycznie, przepojone są ideami moralności, duchowego piękna i godności zwykłego człowieka, zrozumieniem niezrozumiałej złożoności jego wewnętrznego świata, wszechstronności jego bogactwa intelektualnego i głębią jego przeżyć emocjonalnych . Skrywające wiele nierozwiązanych tajemnic obrazy, rysunki i ryciny tego niezwykłego artysty urzekają wnikliwą charakterystyką psychologiczną bohaterów, filozoficzną akceptacją rzeczywistości i przekonującym uzasadnieniem nieoczekiwanych decyzji artystycznych. Jego interpretacja opowieści biblijnych, starożytnych mitów, starożytnych legend i przeszłości ojczyzny jako naprawdę znaczących wydarzeń w historii człowieka i społeczeństwa, głęboko odczuwanych zderzeń życiowych specyficzni ludzie otworzyło drogę do swobodnej i wielowartościowej interpretacji tradycyjnych obrazów i tematów.

Miłość według Rembrandta

Słynna muza Rembrandta, Saskia, była najmłodszą córką burmistrza miasta Leeuwarden. Ta białoskóra rudowłosa piękność dorastała w dużej i bardzo zamożnej rodzinie. Kiedy dziewczynka miała 12 lat, zmarła matka rodziny. Ale dziewczyna wciąż nie wiedziała, czego odmówić, a kiedy nadszedł czas, stała się godną pozazdroszczenia panną młodą.

Do znaczącego spotkania artysty z młodą damą doszło w domu kuzyna dziewczynki, artysty Hendrika van Uylenburga, który był także handlarzem antykami. Rembrandt jest dosłownie oczarowany dziewczyną: świetlistą gładka skóra, złote włosy... Dodaj do tego umiejętność prowadzenia swobodnej rozmowy. Żartobliwie zaprosiła słynnego malarza do namalowania jej portretu. I to wszystko, czego potrzeba: Saskia jest idealnym modelem dla bohaterów Rembrandta w ciemnych i stonowanych kolorach.

Rembrandt zaczyna malować portret. Saskię spotyka nie tylko na sesjach. Zaprzeczając swoim zasadom, stara się chodzić na spacery i imprezy dla przyjemności. Kiedy praca nad portretem dobiegła końca i częste spotkania ustały, Rembrandt zdał sobie sprawę: to jest ten, którego chce poślubić. W 1633 roku Saskia van Uylenburgh została narzeczoną artysty, a 22 lipca 1634 roku odbył się długo oczekiwany ślub.

Małżeństwo z Saskią otwiera artystce drogę do wyższych sfer. Ojciec burmistrza pozostawił swojemu ulubieńcowi kolosalny spadek: 40 000 florenów. Nawet za niewielką część tej kwoty można było żyć wygodnie przez wiele, wiele lat.

Szczęśliwa i kochająca się para zaczęła urządzać wspólny dom. Wkrótce zaczęło przypominać muzeum. Ściany zdobiły ryciny Michała Anioła i obrazy Rafaela. Saskia zgodziła się na wszystko, bardzo kochała męża. A on z kolei obsypywał ją biżuterią i płacił za najbardziej wykwintne toalety. I oczywiście starałem się uchwycić moje ulubione zdjęcie. Rembrandt, można powiedzieć, stał się kronikarzem swojego życia rodzinnego. W pierwszych dniach miesiąca miodowego pary powstał słynny „Autoportret z Saskią na kolanach”.

W 1635 r. urodził się pierwszy syn rodziny, ale nie żył on długo, co było strasznym ciosem dla młodej matki.

Przez długi czas nie chciała rozstać się z ciałem syna, odpędzała wszystkich od siebie, nie puszczając martwego dziecka. Nieszczęsna matka chodziła z nim po domu, kołysała go i obrzucała wszystkimi czułymi imionami, którymi ona i jej mąż w pierwszych szczęśliwych dniach nazywali Rembrantus.

Rembrandt zdał sobie sprawę, że poza godzinami spędzonymi przy sztalugach może mieszkać tylko w pobliżu Saskii. Tylko przy niej czuje się człowiekiem: miłość jest źródłem życia i kocha tylko Saskię, nikogo innego.

Po śmierci Rembrantusa Saskia jeszcze dwukrotnie straciła dzieci przy urodzeniu. Dopiero czwarte dziecko, Tytus, urodzony w 1641 r., zdołało przetrwać trudne lata niemowlęctwa. Chłopiec otrzymał to imię na pamiątkę zmarłej Titii, siostry Saskii.

Jednak ciągła praca miała szkodliwy wpływ na zdrowie Saskii. Pojawienie się przez artystę obrazów o charakterze czysto pejzażowym pod koniec lat trzydziestych XVII wieku czasami tłumaczy się faktem, że w tym czasie z powodu choroby żony Rembrandt spędzał z nią dużo czasu poza miastem. W latach czterdziestych XVII wieku artysta namalował stosunkowo niewiele portretów.

Saskia van Uylenburgh zmarła w 1642 r. Miała zaledwie trzydzieści lat. W trumnie wyglądała na żywą...

W tym czasie Rembrandt pracował nad słynnym obrazem „Nocna straż”.

Muzeum Domu Rembrandta

Muzeum Sztuki na Jodenbreestraat w dzielnicy żydowskiej w Amsterdamie. Muzeum zostało otwarte w 1911 r. w domu, który Rembrandt kupił u szczytu swojej sławy w 1639 r. i w którym mieszkał aż do swojego bankructwa w 1656 r.

Przez prawie 20 lat swojego życia (od 1639 do 1658) na ulicy Jodenbrestraat Rembrandtowi udało się stworzyć wiele pięknych dzieł, zasłynąć, zebrać unikalną kolekcję obrazów i rarytasów z całego świata, pozyskać studentów, roztrwonić fortunę swoją pierwszą żonę, stracić głównych klientów, zaciągnąć ogromne długi i postawić dom pod młotek.

Rembrandt także musiał sprzedać bardzo jego luksusową kolekcję obrazów i antyków, obejmującą dzieła wielkich europejskich artystów, rzymskie popiersia cesarzy, a nawet japońską zbroję bojową, i przenieść się do skromniejszego domu. Przeżywszy obie żony, a nawet własnego syna, Rembrandt zmarł w biedzie i samotności.

Dwa i pół wieku później, w 1911 roku, na rozkaz królowej Wilhelminy, dom zamieniono na muzeum, które w odróżnieniu np. od Muzeum Van Gogha, jest przede wszystkim nie galerią sztuki, ale odrestaurowanym apartamenty wielkiego artysty: na parterze ogromna kuchnia, pokój recepcyjny, sypialnia główna i sypialnia gościnna na drugim, największe pomieszczenie rezydencji – pracownia – na trzecim, a na poddaszu znajdują się warsztatach swoich uczniów.

Odnowę wnętrza udało się przeprowadzić dzięki inwentarzowi majątku sporządzonemu przez notariusza przy sprzedaży całego majątku artysty na aukcji oraz rysunkom samego artysty, na których przedstawił swój dom.

Można tu zobaczyć jego rzeczy osobiste, meble z XVII w. oraz inne ciekawe eksponaty, takie jak piękna prasa akwafortowa czy zagraniczne rarytasy.

W muzeum eksponowane są niemal wszystkie ryciny wielkiego Rembrandta – 250 z 280, wspaniałe autoportrety artysty, rysunki przedstawiające jego rodziców, żonę i syna Tytusa, wspaniałe widoki na Amsterdam i okolice.

Nawet muzealna toaleta wymaga szczególnej uwagi: można tam zobaczyć rysunki Rembrandta na podobny temat: kucającą w krzakach kobietę i mężczyznę stojącego w charakterystycznej dla tego lokalu pozie.

Rembrandt – wszystko, co musisz wiedzieć o słynnym holenderskim artyście aktualizacja: 13 listopada 2017 r. przez: strona internetowa

Republika Baszkortostanu

Dziecięca Szkoła Artystyczna nr 2

Streszczenie na temat:

Rembrandta Harmensa van Rijna

Wykonano Studenckie 33 gr.

Anna Pilyugina

Sprawdziłem Sevastyanova I.A.

Ufa, 2007

1. Wstęp

2. Biografia

3. Kreatywność

4. Analiza pracy

5. Wniosek

Wstęp.

Holandia w XVII wieku była jednym z najbogatszych krajów Europy. Do jego stolicy, Amsterdamu, przybywały towary z całego świata. Bogaci holenderscy kupcy i bankierzy chcieli, aby dzieła sztuki odzwierciedlały całe ich życie. Malarstwo było wówczas najpopularniejszą i najbardziej rozwiniętą formą sztuki. Każdy mniej lub bardziej zamożny Holender uważał obraz za najlepszą ozdobę swojego domu. Według współczesnego w holenderskich miastach „wszystkie domy były wypchane obrazami”. Choć niektórzy artyści malowali głównie portrety, inni - sceny rodzajowe, jeszcze inni - martwe natury, a jeszcze inni - pejzaże, wszyscy starali się przedstawić otaczającą ich rzeczywistość realistycznie: zgodnie z prawdą, prosto, bez upiększeń. Udało im się, a wielu z nich zasłynęło na wieki. Ale niezależnie od tego, jak wysokie były umiejętności holenderskich malarzy XVII wieku, Rembrandt van Rijn, holenderski malarz, rytownik i rysownik, największy artysta wszechczasów, przewyższył ich wszystkich swoją wielką sztuką. Żył w czasach, gdy rozum próbował już zatriumfować nad wiarą, gdy prawo silnych było kwestionowane przez prawo bogatych, a słabi i biedni byli pogardzani i profanowani. Świat rozszerzył się w swoich granicach dzięki wielkim odkrycia geograficzne i studiowanie wszechświata, ale jednocześnie zawężano je do skali prywatnego domu, a nawet indywidualnej duszy, ponieważ wiarę uznawano za sprawę prywatną, w żaden sposób nie wpływającą na procesy zachodzące w społeczeństwie. Czasami skala jednej duszy może przekroczyć skalę wszechświata i wówczas dusza ta okazuje się zdolna do tworzenia własnych światów, własnych wszechświatów. Tacy ludzie rodzą się raz na sto lat, jeśli nie rzadziej. Rembrandt był właśnie taką osobą, w której żył wszechświat, a nie sam. Jest wielki w swojej niesamowitej prostocie i człowieczeństwie. Za pomocą malarstwa Rembrandt potrafił, jak nikt przed nim, odsłonić wewnętrzny świat człowieka, jego złożone przeżycia emocjonalne.

Rembrandta nigdy nie otaczały zaszczyty, nigdy nie znajdował się w centrum uwagi, nie siedział w pierwszym rzędzie, ani jeden poeta za życia Rembrandta nie śpiewał jego pochwał. Podczas oficjalnych uroczystości, w dni wielkich uroczystości, zapominano o nim. Nie kochał i unikał tych, którzy go zaniedbywali. Jego zwykłe i ukochane towarzystwo składało się ze sklepikarzy, mieszczan, chłopów, rzemieślników - najprostszych ludzi. Uwielbiał odwiedzać portowe tawerny, w których bawili się żeglarze, zbieracze szmat, podróżujący aktorzy, drobni złodziejaszki i ich dziewczyny. Z radością przesiadywał tam godzinami, przyglądając się krzątaninie i czasami szkicując ciekawe twarze, które później przeniósł na swoje płótna.

Biografia.

15 lipca 1606 roku w Leiden zamożny młynarz Harmen Gerrits i jego żona Neeltge Willems van Zeitbroek urodziły szóste dziecko, któremu nadano imię Rembrandt. Młyn znajdował się niedaleko przecinającego miasto Renu, dlatego Harmen Gerrits zaczęto nazywać van Rijn, a cała rodzina otrzymała ten dodatek do nazwiska.

Rodzice, dając Rembrandtowi dobre wykształcenie, chcieli, aby został naukowcem lub urzędnikiem. Uczył się w szkole łacińskiej, a następnie od 1620 roku na uniwersytecie w Lejdzie, który opuścił bez ukończenia studiów. Pragnienie rysunku, które objawiało się już w dzieciństwie, zaprowadziło go do warsztatu miejscowego malarza Jacoba van Swanenburga, który nauczył Rembrandta podstaw rysunku i malarstwa oraz zapoznał go z historią sztuki. Po trzech latach nauki u niego Rembrandt przeniósł się w 1623 r. do Amsterdamu i kontynuował naukę u słynnego malarza Pietera Lastmana (1583–1633). Ale szkolenie trwało tylko sześć miesięcy. W 1624 roku Rembrandt powrócił do Lejdy i tam wraz ze swoim przyjacielem Janem Lievensem otworzył swoją pracownię malarską.

Rembrandt uczy się od artystów przeszłości i współczesnych, doskonaląc techniki malarskie i rytownicze. Studiuje sztukę Włoch z odlewów, rycin, kopii i dostrzega humanistyczne początki sztuki włoskiej. Pod koniec 1631 roku Rembrandt, słynny portrecista i autor obrazów historycznych, przeniósł się do Amsterdamu, największego miasta handlowego. Jednym z pierwszych obrazów namalowanych przez Rembrandta w Amsterdamie był obraz „Lekcja anatomii doktora Tulpa” (1632, Haga, Mauritshuis), który należy do tradycji portretów grupowych. Obraz wzbudził ogromne zainteresowanie, a Rembrandt stał się jednym z najmodniejszych młodych portrecistów w Amsterdamie.

W 1634 roku Rembrandt poślubił córkę byłego burmistrza Leeuwarden, Saskię van Uylenburg, szlachetnego i zamożnego patrycjusza. Jej wizerunek Rembrandt uwieczniał na wielu portretach z niezwykłą czułością i miłością. Z tego małżeństwa rodzi się syn Tytus, dzieckiem miłości i radości. W swojej pracy Rembrandt był równie udany i szczęśliwy, jak w swoim małżeństwie. Najbogatsi ludzie w mieście zamawiają u niego portrety, bogate korporacje rzemieślnicze zamawiają portrety grupowe, sędzia prosi go o namalowanie obrazów na różne tematy, w tym religijne, jego ryciny sprzedawane są w sklepach najsłynniejszych handlarzy antykami. Ma wielu uczniów. Rembrandt kupuje duży trzypiętrowy dom przy ulicy Breestraat, w którym ma warsztat, salony, a nawet sklep. Wyposażając dom w luksusowe rzeczy, artysta tworzy bogatą kolekcję, w której znalazły się dzieła Rafaela, Giorgione, Dürera, Mantegny, van Eycka, ryciny z dzieł Michała Anioła, Tycjana. Rembrandt kolekcjonował perskie miniatury, wazony, muszle, autentyczne antyczne popiersia, porcelanę chińską i japońską, szkło weneckie, drogie tkaniny orientalne, stroje różnych narodów, gobeliny i instrumenty muzyczne.

Na początku lat czterdziestych Rembrandt był popularnym i dobrze opłacanym malarzem. W latach trzydziestych namalował na zamówienie około 60 portretów. Ma około 15 uczniów. Jednym z najsłynniejszych obrazów Rembrandta z tego okresu jest „Danae” (1636–1646, St. Petersburg, Państwowe Muzeum Ermitażu). Pracę nad obrazem rozpoczął w okresie szczęśliwości rodzinnej, u szczytu sławy. Jednak w kolejnych latach wiele się zmieniło: zmarła trójka dzieci Rembrandta, a kilka miesięcy później zmarła jego ukochana żona Saskia (1642), która zostawiła w ramionach młodego Tytusa. Wkrótce traci matkę i siostry. Po śmierci Saskii w życiu Rembrandta pojawiło się pęknięcie, które nie zagoi się do końca jego dni. W latach pięćdziesiątych XVII w. miał coraz mniej zleceń. Bogaci ludzie nie zamawiają już u niego portretów, magistrat nie zapewnia środków na obrazy do budynków użyteczności publicznej. W kościołach tamtych czasów obrazy również nie były wymagane, gdyż w Holandii zwyciężył protestantyzm, negatywnie nastawiony do sztuki religijnej. Ryciny Rembrandta, które jeszcze kilka lat temu sprzedawały się tak dobrze, obecnie nie znajdują nabywcy. Od pewnego czasu Rembrandt, przyzwyczajony do życia na dużą skalę, nadal żyje, ale nie jest to już w jego zasięgu. W związku z niespłaconymi długami wierzyciele składają formalne pozwy i ubiegają się o wydanie przez sąd wyroku skazującego na karę pozbawienia wolności. W 1656 r. postanowieniem sądu amsterdamski ratusz uznał Rembrandta za dłużnika niewypłacalnego, sporządzono inwentarz majątku, który w latach 1656–1658 został sprzedany. Rzeczywista wartość majątku artysty była kilkakrotnie większa niż wielkość jego długów: kolekcję wyceniono na 17 tysięcy guldenów. Sprzedano go jednak za jedyne 5 tys., dom wyceniono za połowę pierwotnej ceny. Jednak nie wszyscy wierzyciele zostali usatysfakcjonowani. Sąd orzekł, że wszystkie obrazy, które artysta stworzy, należy sprzedać, aby spłacić długi; sąd pozbawił Rembrandta także prawa do posiadania majątku, z wyjątkiem przedmiotów do noszenia i materiałów malarskich, co oznaczało nędzną egzystencję. Akcja prześladowcza artysty obejmuje także krewnych Saskii, z którymi Rembrandt za życia Saskii popadł w konflikt, gdyż utrzymywali, że artysta roztrwonił majątek żony. Choć w tym czasie Rembrandt dorobił się na swojej pracy fortuny przewyższającej majątek swojej żony, zgromadził wspaniały zbiór walorów artystycznych. Słynny malarz, który wcześnie zaznał sławy i fortuny, w wieku pięćdziesięciu lat okazał się biednym człowiekiem, żyje samotnie, zapomniany przez wielbicieli i przyjaciół. Co prawda nadal dużo maluje, ale wszystkie jego płótna są natychmiast odbierane przez wierzycieli...
Oprócz malarstwa pocieszeniem w trudnej sytuacji Rembrandta stała się druga żona Rembrandta, Hendrikje Stoffels. Dokładniej, była jego gospodynią i mieszkał z nią, jak mówią, w małżeństwie cywilnym. Społeczeństwo purytańskie surowo potępiło go za to „współżycie”. Artysta nie mógł oficjalnie się z nią ożenić, ponieważ. Zgodnie z wolą Saskii Rembrandt po zawarciu nowego małżeństwa miałby zostać pozbawiony prawa do bycia strażnikiem dziedzictwa swego syna Tytusa. Jednak Hendrikje była nie tylko kobietą ekonomiczną, ale także dobrą kobietą, dla Tytusa stała się prawdziwą matką. W 1654 urodziła córkę Rembrandta, Kornelię. Wizerunek Hendrikje Stoffels pojawia się także na obrazach Rembrandta. Nie jest tak młoda i piękna jak Saskia, ale artysta patrzy na nią oczami miłości i ukazuje ją z wielkim ciepłem. Kościół ponownie potępia jego wspólne pożycie z Hendrickje, ich córka Cornelia zostaje uznana za nieślubną. Rodzina Rembrandta przeprowadza się do najbiedniejszej dzielnicy Amsterdamu. Po upadku ojca Tytus, aby uczynić swój majątek całkowicie niedostępnym dla wierzycieli Rembrandta, sporządza testament, w którym cały majątek pozostawia swojej siostrze Kornelii i wyznacza Rembrandta na opiekuna z prawem dysponowania pieniędzmi . Pomimo trudnej sytuacji Rembrandt nadal maluje.

W 1660 roku Tytus i Hendrickje otworzyli antykwariat, w którym zatrudniono Rembrandta jako eksperta. I choć zgodnie z decyzją sądu nowo namalowane przez Rembrandta obrazy miały zostać przekazane do dyspozycji wierzycieli, umowa o jego zatrudnienie dała artyście możliwość przekazania swoich dzieł do antykwariatu. Pozwoliło to rodzinie zwiększyć dochody i kupić dom.

Artystę nie przestają nękać kłopoty: w 1663 roku stracił ukochaną Hendrikje Stoffels, która zgodnie z jej wolą zapisuje Tytusowi sklep z antykami, a Rembrandtowi niewielki spadek. W 1668 r. umiera syn Tytus. Pozostała przy nim jedynie córka Kornelia, która miała wówczas 14 lat. Rembrandt zostaje opiekunem swojej córki Kornelii. A mimo wszystko Rembrandt nadal maluje obrazy, wycina ryciny i knuje coraz to nowe plany.

W lutym 1668 Tytus poślubił Magdalenę van Loo, ale wkrótce potem zmarł. To zadało Rembrandtowi miażdżący cios i 8 października 1669 roku zmarł w ramionach swojej córki Corneille.

Kreacja.

Twórczość Rembrandta jest bez wątpienia szczytem szkoły holenderskiej. Ten mistrz był sam wśród swoich kolegów artystów. Uważali go za „pierwszego heretyka w malarstwie”, choć później sami zaczęto nazywać ich „małymi Holendrami” – aby podkreślić, jak bardzo Rembrandt z nich wyrósł.

Duży wpływ na jego twórczość miał także styl barokowy, który powstał w XVII wieku, jednak wyrafinowanie, przepych i podkreślona teatralność tego stylu były dalekie od poszukiwań Rembrandta. Był miłośnikiem twórczości Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573–1510), twórcy nurtu realistycznego w malarstwie europejskim XVII wieku.

Rembrandt malował to, co zaobserwował w życiu, a wszystko, co przedstawił, stało się niezwykle poetyckie. Cudu tego dokonał pędzel wielkiego mistrza. Na obrazach Rembrandta dominuje zmierzch, a delikatne, złociste światło wyróżnia na jego tle postacie. Same kolory, jakby ogrzane wewnętrznym ciepłem, przypominają migotanie

klejnoty Temat religijny zajmuje w twórczości Rembrandta szczególne miejsce, to tutaj przejawia się oryginalność mistrza. Głównym źródłem inspiracji Rembrandta była Biblia. Nawet gdy na obrazy o tematyce religijnej nie było popytu, artysta malował je dla siebie, bo odczuwał realną potrzebę. Obrazy te ucieleśniają jego duszę, jego modlitwę, głębokie czytanie Ewangelii.Artysta czytał Biblię w swoim ojczystym języku, którego nie wyróżnia łaska. Nadaje mu formę zrozumiałą i bliską swoim współczesnym, ludziom prostego życia i prostej wiary. W każdej holenderskiej wiosce jest taka stajnia, w której narodził się Zbawiciel. Świątynia Jerozolimska, w której Starszy Symeon bierze w ramiona Boskie Dzieciątko, przypomina starożytne katedry Amsterdamu. A wszystkie postacie na jego biblijnych obrazach, a nawet anioły, są podobne do mieszczan i chłopów, których można spotkać wszędzie w tym kraju.

W manierze artysty na przestrzeni lat wszystko wyższa wartość nabywa światłocień, za pomocą którego umieszcza akcenty duchowe i emocjonalne; wszędzie światło jest „głównym bohaterem” obrazu i kluczem do interpretacji fabuły. Interesuje go ukryta istota zjawisk, złożony wewnętrzny świat ludzi.W 1648 namalował obraz „Chrystus w Emaus”, w którym światłocień tworzy napiętą atmosferę emocjonalną. „Wypędzenie kupców ze świątyni” Rembrandt namalował w wieku dwudziestu lat. Niektóre cechy tego dzieła wskazują na brak doświadczenia mistrza nowicjusza, choć wiele już zapowiada jego przyszłe arcydzieła. Nietrudno dostrzec w nim grzechy zawodowe obraz: błędy w perspektywie i proporcjach. Już sam wybór tematu świadczy jednak o samodzielnych dążeniach młodego malarza. Wbrew przywiązaniu większości malarzy holenderskich do gatunku codziennego, zwraca się on ku malarstwu historycznemu o tematyce biblijnej i maluje go z niezwykłą dla „małego Holendra” dramatyczną intensywnością pasji. Odtworzone na płótnie skrajne stany emocjonalne – strach, przerażenie, złość – świadczą o wczesnym zainteresowaniu artysty wewnętrznym światem człowieka. To nieco groteskowe wyostrzenie przejawów duchowych było punktem wyjścia na drodze twórczej Rembrandta, która później doprowadziła go do odkrycia wieloaspektowego życia ludzkiej duszy.

Mimo to język malarski Rembrandta jest zaskakująco subtelny i wyrafinowany, artysta osiąga niesamowite niuanse barwne, grę światła i cienia oraz po mistrzowsku buduje kompozycję. Rodzaje jego obrazów są celowo powszechne, ale ich uczucia i przeżycia są głębokie i wzniosłe. Ten kontrast nadaje obrazom mistrza wyjątkowości. Rembrandt osiąga szczególne wyrafinowanie w grafice. Osiąga tu niesamowitą subtelność linii i kreski, ale to tylko środek do głębokiego wniknięcia w fabułę. Zasadniczo Rembrandt jest twórcą akwaforty, ale nawet po nim rzadko kto był w stanie tak psychologicznie dokładnie oddać stan duchowy bohaterów. Temat biblijny jest tu także głównym tematem. Graficzne wersje przypowieści o synu marnotrawnym zadziwiają intensywnością swojego dramatu i oddziałują na widza nie mniej niż słynny obraz o tej tematyce.

Obrazy i ryciny Rembrandta są znacznie szerzej znane publiczności niż jego rysunki, które przez długi czas pozostawały przedmiotem zainteresowania wąskiego kręgu kolekcjonerów i znawców. Tymczasem postać rysownika Rembrandta w niczym nie ustępuje Rembrandtowi malarzowi czy rytownikowi. Rysunki mistrza, zachowane w ogromnej ilości – około 1700 arkuszy, stanowią autonomiczny obszar jego twórczości. A jedną z najbardziej niezwykłych cech rysunków Rembrandta jest ich zdolność uczynienia widza świadkiem i uczestnikiem narodzin myśli artystycznej genialnego mistrza. Wśród tych arkuszy znajduje się mały szkic „Kobieta z dzieckiem”. Wykonany piórem trzcinowym, zachowuje całą swobodę i spontaniczność błyskawicznego szkicu z życia lub z pamięci, kiedy ręka artysty ledwo ma czas na zarysowanie głównych linii.

Najnowsze prace mistrza zadziwiają wyrafinowaniem stylu, głębią wnikania w wewnętrzny świat obrazów, jeszcze bardziej potęgują efekty światła i cienia, zamieniając płótna w obrazy mieniące się niczym szlachetne kamienie. W grafice Rembrandt osiąga także niesamowite wyżyny umiejętności.

Nawet teraz często maluje autoportrety, zaglądając w nie jak w lustro, być może próbując rozwikłać własne przeznaczenie lub zrozumieć Boży plan, który w tak dziwaczny sposób prowadzi go przez życie. Autoportrety Rembrandta są nie tylko szczytem jego twórczości, ale nie mają odpowiednika w światowej galerii portretów. W autoportretach z ostatnich lat widzimy osobę bohatersko znoszącą trudne próby i gorycz straty. Jako portrecista był twórcą wyjątkowego gatunku portretu-biografii, w którym długie życie człowieka i jego wewnętrzny świat zostały ujawnione w całej jego złożoności i sprzecznościach. Twórczość Rembrandta lat pięćdziesiątych XVII wieku charakteryzuje się przede wszystkim osiągnięciami w dziedzinie portretu. Zewnętrznie portrety tego okresu różnią się z reguły duży rozmiar, monumentalne formy, spokojne pozy. Modelki zazwyczaj siedzą w głębokich fotelach, z rękami na kolanach i twarzą do widza. Twarz i dłonie podkreślone światłem. Są to zawsze ludzie starsi, mądrzy z wieloletniego doświadczenia, starzy mężczyźni i stare kobiety ze śladami ponurych myśli na twarzach i ciężką pracą na rękach. Takie modele dały artyście znakomite możliwości pokazania nie tylko zewnętrznych oznak starości, ale także duchowego wyglądu człowieka. W niezwykle poruszających i serdecznych portretach Rembrandta wydaje się, że czujesz życie danej osoby. Portretując swoich bliskich, przyjaciół, żebraków i starców, za każdym razem z niezwykłą czujnością oddawał zmienne poruszenia swojej duszy, żywe drżenie wyrazu twarzy i zmiany nastroju.

Analiza prac.

1. “ Powrót syna marnotrawnego ”

W połowie lat sześćdziesiątych XVII wieku Rembrandt ukończył swoje najgłębsze dzieło „Powrót syna marnotrawnego”. Można go postrzegać jako świadectwo Rembrandta jako człowieka i Rembrandta jako artysty. To tutaj idea, której Rembrandt służył przez całe życie, znajduje swoje najwyższe, najdoskonalsze ucieleśnienie. I właśnie w tej pracy spotykamy całe bogactwo i różnorodność technik malarskich i technicznych, które artysta rozwinął przez wiele dziesięcioleci twórczości. Obdarty, wyczerpany i chory, roztrwoniwszy majątek i porzucony przez przyjaciół, syn pojawia się w progu domu ojca i tu, w ramionach ojca, znajduje przebaczenie i pocieszenie. Ogromna jasna radość tych dwóch starców, którzy stracili wszelkie nadzieje na spotkanie syna, oraz syna ogarniętego wstydem i wyrzutami sumienia, chowając twarz na piersi ojca, stanowi główną treść emocjonalną dzieła. Mimowolni świadkowie tej sceny stali w milczeniu, zszokowani. Artysta niezwykle ogranicza się do koloru. Na obrazie dominują odcienie złotej ochry, cynamonowej czerwieni i czarnobrązu z nieskończonym bogactwem subtelnych przejść w tym skromnym zakresie. Do nakładania farby na płótno służy pędzel, szpatułka i rączka pędzla; ale nawet to wydaje się Rembrandtowi niewystarczające. Nakłada farbę na płótno bezpośrednio palcem (tak jest na przykład zapisany pięta lewej stopy syna marnotrawnego). Dzięki różnorodnym technikom uzyskuje się zwiększone drgania powierzchni lakieru. Kolory albo płoną, albo błyszczą, albo słabo się tlą, albo zdają się świecić od wewnątrz, i żaden szczegół, ani jeden, nawet najbardziej nieistotny róg płótna nie pozostawia widza obojętnym. Tylko osoba mądra, z ogromnym doświadczeniem życiowym i wielki artysta, który przebył długą drogę, mogła stworzyć to genialne i proste dzieło. W Powrocie syna marnotrawnego nic się nie dzieje i nic nie jest powiedziane. Wszystko zostało powiedziane, przemyślane, przecierpione i odczute dawno temu, przez lata długiego oczekiwania, ale jest radość spotkania, cicha i jasna... „Powrót syna marnotrawnego” był ostatnim wielkim dziełem mistrza. 2. “ Danae ”

Kiedy król starożytnego greckiego miasta Argos dowiedział się o proroctwie, według którego miał umrzeć z ręki syna Danae, jego córki, uwięził ją w lochu i przydzielił jej służącą. Bóg Zeus natomiast przybył do Danae w postaci deszczu złota, po czym urodziła syna, Perseusza.

Rembrandt zaczął malować obraz „Danae” w 1636 roku, 2 lata po ślubie z Saskią van Uylenburch. Artysta bardzo kocha swoją młodą żonę, często przedstawiając ją na swoich obrazach. „Danae”, napisany przez Rembrandta nie na sprzedaż, ale dla jego domu, nie był wyjątkiem. Obraz pozostał u artysty aż do sprzedaży jego majątku w 1656 roku. Od dawna zagadką było, dlaczego podobieństwo do Saskii nie jest tak oczywiste, jak w innych obrazach artysty z lat trzydziestych XVII wieku i dlaczego zastosowany przez niego styl w niektórych miejscach bardziej przypomina twórczość późniejszego okresu jego twórczości. Dopiero stosunkowo niedawno, w połowie XX wieku, za pomocą fluoroskopii udało się znaleźć odpowiedź na tę zagadkę. NA zdjęcia rentgenowskie podobieństwo do żony Rembrandta jest bardziej oczywiste. Okazuje się, że obraz uległ zmianie po śmierci żony artysty (1642), w czasie, gdy pozostawał on w intymnym związku z Gertje Dirks. Rysy twarzy Danae na obrazie zostały zmienione w taki sposób, że łączyły w sobie obie ulubione kobiety artysty. Ponadto fluoroskopia wykazała, że ​​oryginalne zdjęcie przedstawiało złoty deszcz padający na Danae, a jej wzrok był skierowany w górę, a nie w bok. Anioł u wezgłowia łóżka miał roześmianą twarz, a prawa ręka kobiety była zwrócona dłonią do góry.

Na obrazie młoda naga kobieta w łóżku oświetlana jest przez strumień ciepłego światła słonecznego wpadającego przez odsunięty przez pokojówkę baldachim. Kobieta uniosła głowę nad poduszkę, wyciągając prawą rękę w stronę światła, próbując poczuć je dłonią. Jej ufne spojrzenie zwrócone jest w stronę światła, usta lekko rozchylone w półuśmiechu. Splątana fryzura, pomięta poduszka – wszystko wskazuje na to, że jeszcze minutę temu, otulona senną błogością, kobieta oglądała słodkie sny w swoim luksusowym łóżku. Danae otrzymała dogłębną charakterystykę psychologiczną oraz sprzeczny zakres swoich uczuć i doświadczeń. „Danae”, dzięki któremu odsłonięty został najskrytszy wewnętrzny świat kobiety, cały złożony i sprzeczny wachlarz jej uczuć i przeżyć. „Danae” jest zatem wyraźnym, konkretnym przykładem ukształtowania się słynnego psychologizmu Rembrandta. Obraz „Danae” uznawany jest za jedno z najlepszych dzieł artysty. 3. “ Lekcja anatomii prowadzona przez dr Tulpę ”

Znana jest tożsamość dwóch osób na tym portrecie. Jednym z nich jest dr Nicholas Tulp, który pokazuje widzom budowę mięśni ludzkiego ramienia. Drugi to trup: Aris Kindt, nazywany Dzieciątkiem, tak naprawdę nazywał się Adrian Adrianzon. Zmarły poważnie ranił strażnika więziennego w Utrechcie oraz pobił i okradł mężczyznę w Amsterdamie. W tym celu 31 stycznia 1632 roku został powieszony i przekazany na publiczną sekcję zwłok amsterdamskiej gildii chirurgów.

Takie otwarte lekcje anatomii były powszechne nie tylko w Holandii, ale w całej Europie. Odbywały się tylko raz w roku, zwykle w miesiącach zimowych, w celu lepszej konserwacji ciała, miały charakter uroczysty i trwały zwykle kilka dni. Widzami byli koledzy, studenci, szanowani obywatele i zwykli mieszkańcy miasta.

Portret grupowy gildii

Sekcje zwłok odbywały się w salach anatomicznych, które miały okrągły kształt z rzędami wznoszącymi się ku górze. Stół z ciałem, stojący pośrodku teatru, był dobrze widoczny z każdego miejsca. O Amsterdamie Teatr Anatomiczny niewiele wiadomo, Rembrandt jedynie zarysował to na swoim płótnie. Na miejscu obserwatora można sobie wyobrazić salę wypełnioną widzami.

Tulpa ma wyższą rangę niż pozostałe postacie i jako jedyny jest przedstawiony na obrazie w kapeluszu. Najprawdopodobniej pozostali bracia w warsztacie nie mają wykształcenia akademickiego. Być może wspólnie sfinansowali ten obraz – portret zbiorowy miał służyć gloryfikacji przedstawionych na nim osób i ozdobić rezydencję cechową.

Rembrandt inaczej niż jego poprzednicy przedstawiał postacie na swoim płótnie. Z reguły przedstawiano ich siedzących w rzędach i patrzących nie na ciało, ale bezpośrednio na widza. Artysta przedstawił chirurgów z profilu lub w półobrocie i zgrupował ich w kształcie piramidy, której główny bohater nie znajdował się na jej szczycie.

Ponadto celowo podkreśla autentyczne zainteresowanie zgromadzonych. Dwie osoby pochyliły się do przodu, ich postawa i spojrzenia wskazują, że z pewnością chcą wszystko zobaczyć jak najdokładniej i najdokładniej, choć trudno uwierzyć, że obaj chirurdzy byli naprawdę pochłonięci odbywającą się ceremonią i starali się zaspokoić swoje naukowe odsetki. Jest mało prawdopodobne, aby zgromadzeni siedzieli tak blisko miejsca akcji; Rembrandt skoncentrował to, co się działo w wąskiej przestrzeni, otaczając zmarłego z intensywną uwagą i życiem.

Autopsja

Zaskakujące jest, że sekcja zwłok rozpoczęła się od ręki. Zazwyczaj chirurdzy najpierw otwierali jamę brzuszną i usuwali ją narządy wewnętrzne. 24 lata później Rembrandt namalował płótno „Wykład o anatomii doktora Deymana”, które przedstawia ciało z otwartą jamą brzuszną – zgodnie z obowiązującymi wówczas kanonami.

Może to wynikać z dwóch powodów. Pierwsza jest hołdem złożonym Andreasowi Vesaliusowi, twórcy współczesnej anatomii, który zasłynął dzięki studiom nad anatomią dłoni. Po drugie, przedstawiając rękę, artysta mógł łatwiej wnieść do obrazu przesłanie religijne. Tak jak ścięgna kontrolują rękę, tak Bóg kontroluje ludzi. Nauka musiała udowodnić ludziom moc Boga.

Doktor Nicholas Tulp

Doktor Nicholas Tulp faktycznie nazywał się Klaus Pietersohn i urodził się w 1593 r., a zmarł w 1674 r. Nazwisko Tulp pochodzi od domu jego rodziców, w którym niegdyś odbywała się aukcja sprzedaży kwiatów.

Tulp należał do czołówki amsterdamskiego towarzystwa, był kilkakrotnie burmistrzem Amsterdamu. W czasie malowania był członkiem rady miejskiej i był prelektorem (prezydentem) cechu chirurgów. Tulp był praktykującym lekarzem w Amsterdamie, a anatomia była jedną z dziedzin, w których się specjalizował. Rembrandt podkreślił swoją szczególną pozycję, przedstawiając go z dala od siedzących blisko siebie chirurgów. Ponadto artysta przedstawił jedyną Tulpę w kapeluszu – w pomieszczeniach zamkniętych przywilej noszenia nakrycia głowy zawsze był oznaką przynależności do wyższych sfer.

Ciało Arisa Kindta

Artyści przed Rembrandtem przedstawiali zazwyczaj twarz zmarłego zakrytą chustą lub osobę stojącą przed nim. Obserwatorzy musieli zapomnieć, że przed nimi stał mężczyzna, który na ich oczach był ćwiartowany. Rembrandt zaproponował rozwiązanie pośrednie - przedstawił swoją twarz na wpół pokrytą cieniem. Typowa gra Rembrandta kontrastem światła i cienia, jakby widoczna w półmroku ombra mortis- cień śmierci.

Chociaż główną postacią jest Doktor Tulp, ciało Arisa Kindta zajmuje większą powierzchnię na płótnie. Główne światło również pada na niego, jego nagość i odrętwienie odróżniają go od osób przedstawionych na zdjęciu. Wydaje się, że Rembrandt dopiero wtedy tak dokładnie przedstawił chirurgów i nadał płótnu taką dynamikę, aby w ten sposób podkreślić bezruch ciała, uczynić jego martwotę namacalną.

Wniosek.

Dziedzictwo twórcze mistrza jest ogromne, Rembrandt był niezwykle produktywny: stworzył ponad 250 obrazów, 300 rycin i 1000 rysunków. Artysta zmarł w biedzie, ale po jego śmierci jego dzieła stały się niezwykle cenne.

Twórczość Rembrandta wywarła ogromny wpływ na rozwój światowej sztuki pięknej. Jego prace znajdują się dziś w wielu muzeach na całym świecie oraz w kolekcjach prywatnych. A w Holandii urodziny Rembrandta – 15 lipca – obchodzone są jako święto narodowe.

Artysta wyniósł sztukę plastyczną na nowy poziom, wzbogacając ją o niespotykane dotychczas

Witalność i głębia psychologiczna. Rembrandt stworzył nowy język obrazowy, w którym główną rolę odegrały doskonale rozwinięte techniki światłocienia i bogate,

emocjonalnie intensywna kolorystyka.

Rembrandt Harmens van Rijn (barok)

Resmbrandt urodził się w Lejdzie, w rodzinie dość zamożnego właściciela młyna. Najpierw studiował w Szkole Łacińskiej, a następnie krótko na Uniwersytecie w Lejdzie, jednak ją porzucił, aby studiować malarstwo, najpierw u mało znanego lokalnego mistrza, a następnie u amsterdamskiego artysty Pietera Lastmana.

Po krótkich studiach Rembrandt wyjechał do rodzinnego miasta, aby samodzielnie ćwiczyć malarstwo we własnym warsztacie. Jest to czas formacji artysty, kiedy zainteresował się twórczością Caravaggia. W tym okresie namalował wiele portretów członków swojej rodziny – matki, ojca, sióstr oraz autoportretów. Już w tym czasie poświęca Specjalna uwaga oświetlanie i przekazywanie duchowych doświadczeń swoich modeli. Młoda artystka uwielbia ubierać je w różnorodne ubrania, udrapując je w piękne tkaniny, doskonale oddające ich fakturę i kolor.

W 1632 roku Rembrandt wyjechał do Amsterdamu, centrum kultury artystycznej Holandii, co w naturalny sposób przyciągnęło młodego artystę. Tutaj szybko zdobywa sławę, ma wiele zleceń. Jednocześnie z zapałem nadal doskonali swoje umiejętności. Lata 30. to czas największej świetności, do którego drogę otworzył przed malarzem jego duży obraz zamówiony „Lekcja anatomii”. Wszystkie pozy i działania na zdjęciu są naturalne, ale pozbawione nadmiernego naturalizmu.

W 1634 roku Rembrandt poślubił dziewczynę z zamożnej rodziny – Saskię van Uylenborch – i odtąd wszedł do kręgów patrycjuszowskich. Rozpoczyna się najszczęśliwszy okres w życiu artysty: wzajemna namiętna miłość, dobrobyt materialny, mnóstwo zamówień. Malarz często maluje swoją młodą żonę: „Florę”, „Autoportret z Saskią na kolanach”. Ale szczęście nie trwało długo. W 1642 r. Saskia zmarła, pozostawiając małego syna Tytusa.

Depresja moralna i pasja kolekcjonerska, która opętała Rembrandta, doprowadziły go stopniowo do ruiny. Sprzyjała temu także zmiana gustów publiczności, która zafascynowała się starannie malowanymi obrazami świetlnymi. Rembrandta, który nigdy nie ulegał gustom swoich klientów, interesowały kontrasty światła i cienia, pozostawiając w jednym miejscu światło, reszta obrazu tonęła w cieniu i półcieniu. Zamówień było coraz mniej. Aby pomóc artyście, jego nowy wieloletni przyjaciel Hendrikje Stoffels i jego syn Titus założyli firmę zajmującą się handlem obrazami i antykami. Ale ich wysiłki poszły na marne. Sprawy stawały się coraz gorsze. Na początku lat sześćdziesiątych XVII wieku zmarł Hendrikje, a kilka lat później także Tytus.

Jednak mimo wszystko artysta kontynuuje pracę. Zwłaszcza w tych dniach trudne lata tworzy szereg niezwykłych dzieł: „Syndycy”, „Powrót syna marnotrawnego”, o niesamowitym dramaturgii wewnętrznej.

Największy artysta zmarł w skrajnej biedzie 4 października 1669 roku. Współcześni zareagowali chłodno na tę stratę. Minęło prawie dwieście lat, zanim siła realizmu Rembrandta, głęboka psychologia jego płócien i jego niesamowity kunszt malarski wydobyły jego imię z zapomnienia i umieściły go wśród największych nazwisk świata.

Powrót syna marnotrawnego (1668-69)

Jeden z ostatnich obrazów Rembrandta. To głęboki dramat psychologiczny. Na płótnie z niesamowitą mocą kryje się wezwanie do głębokiego człowieczeństwa, afirmacja duchowej wspólnoty ludzi, piękno rodzicielskiej miłości.

Przedstawia biblijną historię rozwiązłego syna, który po długich wędrówkach wrócił do domu ojca. Cały pokój pogrążony jest w ciemności, tylko ojciec i syn są jasno oświetleni. Syn z ogoloną głową skazańca, w łachmanach, z gołą piętą, z której spadł dziurawy but, upadł na kolana i przytulił się do ojca, chowając twarz w piersi. Stary ojciec, zaślepiony żalem, czekając na syna, wyczuwa go, rozpoznaje i przebacza, błogosławiąc.

Artysta w sposób naturalny i prawdziwy przekazuje całą moc ojcowskiej miłości. W pobliżu stoją odrętwiałe postacie widzów, wyrażające zdziwienie i obojętność – to członkowie społeczeństwa, które najpierw zepsuło, a potem potępiło syna marnotrawnego. Ale ojcowska miłość zwycięża ich obojętność i wrogość.

Płótno stało się nieśmiertelne dzięki wyrażonym w nim uniwersalnym ludzkim uczuciom - bezdennej miłości rodzicielskiej, goryczy rozczarowania, straty, upokorzenia, wstydu i pokuty.

Powrót syna marnotrawnego (1668-1669) - fragment

Danae (1636)

To najlepsze dzieło Rembrandta z lat 30.

Obraz poświęcony jest odwiecznemu tematowi miłości. Fabuła została oparta na micie o córce króla Akrisiusa Danae. Wyrocznia przepowiedziała, że ​​Akrisjusz zginie z rąk wnuka. Wtedy król uwięził jego córkę w wieży na zawsze. Ale wszechmogący Zeus zamienił się w złoty deszcz i w tej postaci przeniknął Danae i został jej kochankiem. Mieli syna Perseusza, a następnie ponownie na rozkaz Aryksjusza Danae i jego syn zostali wrzuceni do morza w skrzyni. Ale Danae i jej syn nie umarli.

Artysta przedstawia moment, gdy Danae z radością oczekuje Zeusa. Stara panna odsuwa zasłonę łóżka i do pokoju wlewa się złoty blask. Danaya w oczekiwaniu na szczęście wznosi się w stronę złotego deszczu. Zasłona opadła i odsłoniła już niemłode, cięższe ciało, dalekie od praw klasycznego piękna. Mimo to urzeka żywą prawdomównością i łagodną okrągłością form. I choć artysta porusza temat zaczerpnięty z mitologii starożytnej, obraz jest wyraźnie namalowany w duchu realizmu.

Danae – fragment

Artemida (1634)

Artemida (Artemida) - córka Zeusa i Leto, siostra Apolla. Początkowo była czczona jako bogini świata zwierząt i roślin. Jest „panią zwierząt”, Tawropolą (obrończynią byków), Limnatis (bagno), niedźwiedziem (w tej postaci była czczona w Bavronie). Później - bogini łowów, gór i lasów, patronka kobiet rodzących. Artemida błagała Zeusa o wieczne dziewictwo. Jej stałymi towarzyszami polowań, uczestnikami zabaw i tańców było sześćdziesiąt oceanidów i dwadzieścia nimf. Jego główną funkcją jest ochrona ustalonych zwyczajów i ofiar składanych bogom, za których naruszenie surowo karze: wysyła strasznego dzika do królestwa kalidońskiego, a śmiercionośne węże na łoże małżeńskie króla Admetusa. Chroni także świat zwierząt, pociągając za sobą Herkulesa, który zabił łanię kerynejską złotymi rogami, i żąda w zamian za świętą łanię zabitą przez Agamemnona krwawą ofiarę – jego córkę Ifigenię (na ołtarzu ofiarnym Artemida potajemnie zastąpiła księżniczkę z łanią, a Ifigenia została przeniesiona do Taurydy, czyniąc ją swoją kapłanką). Artemida jest obrońcą czystości. Patronuje Hipolitowi, który gardzi miłością, zamienia Akteona, który przypadkowo zobaczył nagą boginię, w jelenia rozszarpanego przez własne psy, a nimfę Kalipso, która złamała przysięgę, w niedźwiedzia. Jest zdeterminowana, nie toleruje rywalizacji i wykorzystuje swoje dobrze wycelowane strzały jako narzędzie kary. Artemida wraz z Apollem zniszczyli dzieci Niobe, która była dumna z matki bogów Leto z jej siedmioma synami i siedmioma córkami; jej strzała trafiła Oriona, który odważył się konkurować z boginią. Jako bogini roślinności Artemida kojarzona jest z płodnością, kult ten szczególnie rozprzestrzenił się w Efezie (Azja Mniejsza), gdzie na jej cześć zbudowano Świątynię Artemidy w Efezie (jeden z „siedmiu cudów świata”), spaloną przez Herostratus. Artemida była tu czczona jako bogini-pielęgniarka, „pracowita”; Jest także patronką Amazonek. Artemida była również czczona jako bogini wojny. W Sparcie przed bitwą składano bogini w ofierze kozę, a w Atenach co roku w rocznicę bitwy pod Maratonem (wrzesień-październik) na ołtarzach umieszczano pięćset kóz. Artemida często zbliżała się do bogini miesiąca (Hekate) lub bogini pełni księżyca (Selene). Znany jest mit o Artemis-Selene, zakochanej w przystojnym Endymionie, która pragnąc wiecznej młodości i nieśmiertelności, przyjęła je w głębokim śnie. Każdej nocy bogini zbliżała się do groty Carian Mount Latm, gdzie młody człowiek spał i podziwiał jego piękno. Atrybutem bogini jest kołczan za plecami, łuk lub pochodnia w dłoniach; towarzyszy jej łania lub stado psów myśliwskich. W Rzymie Artemida utożsamiana jest z lokalnym bóstwem Dianą.

Abraham i trzej aniołowie

Bóg ukazał się Abrahamowi i jego żonie Sarze pod postacią trzech podróżników, trzech pięknych młodych mężczyzn (Bóg Ojciec, Bóg Syn i Bóg Duch Święty). Starsze małżeństwo okazało im hojną gościnność. Przyjmując poczęstunek, Bóg zapowiedział małżonkom cud: pomimo ich skrajnej starości, urodzi im się syn, z którego wyjdzie naród wielki i silny, a w Nim będą błogosławione wszystkie narody świata.

Autoportret z Saskią (1636)

Całe płótno przesiąknięte jest wręcz radością! Autoportret przedstawia parę na wesołej imprezie. Rembrandt, ogromny w porównaniu ze swoją smukłą żoną, trzyma ją na kolanach i podnosi kryształowy kielich pieniącego się wina. Wydają się być zaskoczeni, w intymnej atmosferze przepełnionego życia.

Rembrandt w bogatym wojskowym garniturze, ze złoconym baldorytem i rapierem u boku, wygląda jak dandys reuter zabawiający się z dziewczyną. Nie przeszkadza mu to, że taką rozrywkę można uznać za przejaw złego smaku. Wie tylko, że jego żona jest kochana, a co za tym idzie piękna w swoim luksusowym gorsecie, jedwabnej spódnicy, wspaniałym nakryciu głowy i drogocennym naszyjniku, i że każdy powinien ją podziwiać. Nie boi się wyglądać ani wulgarnie, ani próżno. Żyje w królestwie marzeń i radości, z dala od ludzi i nie przychodzi mu do głowy, że można go winić. A wszystkie te uczucia wyraża prostolinijny wyraz promiennej twarzy samego artysty, który wydaje się, że osiągnął wszystkie ziemskie błogosławieństwa.

Obraz wyraża radość życia, świadomość młodości, zdrowia i dobrego samopoczucia.

Żydowska panna młoda (1665)

Rembrandt pisał dużo na różne tematy Historie biblijne i miał je wszystkie na swój sposób aktualizowane pod względem treści. Często malował obrazy wbrew logice – oświetlenie, kolory, wszystko było według jego własnych pomysłów. Tę samodzielność artysta wykazuje także w ubiorze swoich bohaterów. Ubrał ich w dziwne stroje – Saskię, Juno i innych… To samo stało się z parą w filmie „Żydowska panna młoda”. Nazwa jest dziwna, bo płótno przedstawia małżonkowie, a żona jest w ciąży. Na tle niewyraźnej zieleni widać fragment dużego muru i pejzaż miasta. Para w czerwono-złotych strojach stoi przed pilastrem. Dwie twarze i cztery ręce, mężczyzna pochyla się w stronę kobiety, która patrzy na siebie, na swoje myśli. Jej prawa ręka, trzymająca kwiaty, spoczywa na brzuchu. Na twarzy widać ufną powagę żony, zajętej jedynie obecnością w sobie innego życia. Mężczyzna obejmuje ją lewym ramieniem. Prawa ręka leży na sukience na wysokości klatki piersiowej, gdzie dotyka jej lewa ręka kobiety. Palce stykają się ze sobą. Lekki dotyk. Mężczyzna patrzy na dłoń kobiety dotykającą jego własnej.

Flora

Flora to włoska bogini kwiatów i młodości. Kult Flory jest jednym z najstarszych kultów rolniczych we Włoszech, zwłaszcza plemienia Sabine. Rzymianie utożsamiali Florę z grecką Chloris i wiosną obchodzili na jej cześć tzw. floweria, podczas której miały miejsce wydarzenia. Zabawne gry, czasami przybierając nieokiełznany charakter. Ludzie ozdabiali siebie i zwierzęta kwiatami, kobiety nosiły jasne sukienki. W sztuce starożytnej Flora była przedstawiana jako młoda kobieta trzymająca kwiaty lub rozsypująca je.

Fryderyk Riegel na koniu (1663)

Przed nami typowy portret ceremonialny. Rigel był odnoszącym sukcesy kupcem, produkującym papier i drukującym książki. Bogaty drukarz towarzyszył księciu Orańskiemu w drodze do Amsterdamu w 1660 r., a portret mógł zostać zamówiony dla upamiętnienia tego wydarzenia. Z ciemnego płótna patrzy na nas mężczyzna siedzący na koniu. Nosi drogie, ale niezbyt luksusowe ubrania. Z jego twarzy emanuje inteligencja, autorytet i poczucie własnej wartości.

Chrystus i grzesznik

Płótno przedstawia spotkanie Chrystusa z grzesznikiem w rozległej, wypełnionej ludźmi przestrzeni, której ogrom podkreślają łukowate odcinki ścian, wznoszące sufit ku niebu. Wszystko jest pogrążone w ciemności, rozświetlona jest jedynie postać Chrystusa i młodej kobiety. W tym obrazie Rembrandt po raz pierwszy podszedł do niekonwencjonalnego rozwiązania sceny biblijnej, którą inni artyści naśladowali z zadziwiającą konsekwencją.

Jakub zmaga się z aniołem (1659)

Jeden z najbardziej tajemniczych epizodów Starego Testamentu. Kiedy Jakub zostaje sam, pojawia się Ktoś (uważany za anioła) i walczy z nim całą noc. Aniołowi nie udaje się pokonać Jakuba, dotyka żyły na jego udzie i uszkadza ją. Jakub jednak zdaje egzamin i otrzymuje nowe imię – Izrael, co oznacza „ten, który zmaga się z Bogiem i zwycięży ludzi”. Dlatego w pewnym stopniu postawy Jakuba i anioła, raczej przytulające się niż walczące, są naturalne i uzasadnione.

Nocna straż (1642)

To portret grupowy autorstwa Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga”. Obraz powstał na zamówienie Towarzystwa Strzeleckiego, holenderskiej jednostki milicji cywilnej. W XVIII wieku płótno przycięto ze wszystkich stron, aby obraz zmieścił się w nowej sali muzeum. Najbardziej ucierpiała lewa strona zdjęcia, gdzie zniknęło dwóch strzelców. (Nawet po przycięciu obraz jest jednym z największych w muzeum). Obraz trzykrotnie był poddawany próbom uszkodzenia lub zniszczenia. Artysta przedstawił muszkieterów wychodzących z ciemnego dziedzińca łukiem na zalany słońcem plac. Gra światła i cienia, charakterystyczna dla stylu wielkiego Rembrandta, została mistrzowsko oddana. Przedstawił moment, w którym kapitan Cock wydał rozkaz przeniesienia się do porucznika Reitenburga i wszystko zaczęło się poruszać. Chorąży rozwija sztandar, dobosz bije rolkę, pies szczeka na niego, a chłopiec ucieka. Na zdjęciu poruszają się nawet szczegóły ubioru strzelców. Oprócz 18 klientów obrazu, artysta wypełnił płótno jeszcze szesnastoma postaciami. Znaczenie tych postaci, a także wielu symboli na obrazie, znane jest tylko samemu Rembrandtowi.

Oślepienie Samsona

Samson to bohater legend Starego Testamentu, obdarzony niesamowitą siłą fizyczną. Przez całe życie mścił się na Filistynach za zdradę swojej narzeczonej w dniu jej ślubu. Była Filistynką, ale nawet teraz jego kochanką jest Filistynka Dalila. Władcy filistyńscy przekupili ją, aby poznała źródło siły Samsona i dowiedziała się, gdzie jest jego słaby punkt. Dalila trzykrotnie próbowała dowiedzieć się tego od Samsona, a on trzy razy ją oszukał, rozumiejąc, co próbowała osiągnąć. Ale mimo to w końcu za pomocą kobiecych sztuczek Delilah przekonała go o swojej miłości i oddaniu, a on wyjawił jej, że siły opuszczą go, jeśli obetną mu włosy. Opowiedziała o tym swoim rodakom i w nocy, gdy Samson spał, obcięli mu włosy. Budząc się na wołanie Dalili: „Filistyni są nad tobą, Samsonie!”, poczuł, że siły go opuszczają. Następnie wrogowie oślepili Samsona, związali go łańcuchami i zmusili do obracania kamieni młyńskich w lochach w Gazie. Ale włosy Samsona stopniowo odrosły i powróciły mu siły... Aby nacieszyć się upokorzeniem Samsona, Filistyni zabierają go na święto w świątyni Dagona i zmuszają do zabawiania zgromadzonych. Samson prosi przewodnika młodzieży, aby zaprowadził go do filarów świątyni, aby mógł się na nich oprzeć. Złożywszy modlitwę do Boga, Samson, ponownie czując swoją siłę, przesuwa z miejsca dwa środkowe filary świątyni i z okrzykiem „Niech dusza moja umrze wraz z Filistynami!”, burzy cały budynek świątyni na zebranych. Zatem w chwili swojej śmierci Samson zabił więcej wrogów, niż przez całe swoje życie...

Uczta Belszaccara (1635)

W mitologii biblijnej Belszaccar był ostatnim królem babilońskim; z jego imieniem wiąże się upadek Babilonu. Pomimo oblężenia stolicy podjętego przez Cyrusa, król i wszyscy mieszkańcy, mając bogate zapasy żywności, mogli beztrosko oddawać się przyjemnościom życia. Z okazji jednego mniejszego święta Belszaccar zorganizował wspaniałą ucztę, na którą zaproszono nawet tysiąc szlachty i dworzan. Za miski stołowe służyły między innymi cenne naczynia zabrane przez zdobywców babilońskich różnym podbitym ludom oraz drogie naczynia ze Świątyni Jerozolimskiej. Jednocześnie, zgodnie ze zwyczajem starożytnych pogan, oddano cześć babilońskim bogom, którzy już wcześniej odnieśli zwycięstwo i zawsze będą zwyciężać, pomimo wszystkich wysiłków Cyrusa i jego tajnych sojuszników, Żydów, z ich Jehową. Ale wtedy, w środku uczty, na ścianie pojawiła się ludzka ręka i powoli zaczęła pisać kilka słów. Widząc ją, „król zmienił się na twarzy, jego myśli pomieszały się, więzy w jego lędźwiach osłabły, a jego kolana zaczęły ze zgrozy uderzać o siebie”. Wezwani mędrcy nie byli w stanie odczytać i wyjaśnić napisu. Następnie za radą królowej zaprosili starszego proroka Daniela, który zawsze wykazywał się niezwykłą mądrością. I rzeczywiście przeczytał napis, który po aramejsku brzmiał krótko: „Mene, tekel, upharsin.” To znaczyło: „Mene – Bóg policzył twoje królestwo i położył mu kres; tekel – zważono cię i okazało się, że jesteś bardzo lekki; upharsin - twoje królestwo zostanie podzielone i oddane Medom i Persom. Jak głosi biblijna narracja, tej samej nocy zginął Baltazar, król Chaldejczyków.

Portret Hendrikje Stoffelsa (ok. 1659)

Po śmierci Saskii w życie Rembrandta wkroczyła kolejna kobieta, skromna służąca Hendrikje Stoffels, która rozjaśniła samotność mistrza. Często ją malował, jednak w tytułach prac, w których pełniła funkcję modelki, nigdy nie wymieniał jej imienia.

Portret Saskii w przebraniu pasterki (1638)

W tej pracy artysta wyraża swój stosunek do żony. Przedstawiona jest na ciemnym płótnie otoczonym złotą poświatą. Delikatna, śliczna twarz zamarła w wyrazie oczekiwania: w chwili malowania Saskia była w ciąży z pierwszym dzieckiem, które zmarło wkrótce po urodzeniu. Złote włosy otulają jej nagie ramiona bujną osłoną. Gałąź jakiejś rośliny jest wbita w obręcz, która podtrzymuje włosy jak piórko. Luźne rękawy sukienki domowej tworzą fantazyjne fałdy. Jedną ręką opiera się na lasce winorośli, drugą trzyma stos rozsypanych kwiatów. W tej pracy artysta przeniósł na płótno całe uczucie szczęścia, które go wówczas ogarnęło.

Syndycy (starsi warsztatu sukienniczego) - (1661-1662)

Ostatnim dziełem w historii portretów zbiorowych było przedstawienie przez Rembrandta starszyzny warsztatu sukienniczego – tzw. „Sindyków”, gdzie artysta skromnymi środkami, unikając monotonii, stworzył żywe, a jednocześnie odmienne typy ludzkie, ale co najważniejsze, potrafił przekazać poczucie duchowej jedności, wzajemnego zrozumienia i wzajemnych powiązań ludzi, zjednoczonych jedną przyczyną i zadaniami.

Pożegnanie Dawida z Jonatanem (1642)

Żydowski król Seulu chciał zniszczyć młodego Dawida, obawiając się, że przejmie on tron. Ostrzeżony przez swojego przyjaciela, księcia Jonatana, zwycięzca Goliata, Dawid, żegna się z Jonatanem przy kamieniu Azail (w starożytnym hebrajskim znaczeniu - rozstanie, separacja). Jonathan jest surowy i powściągliwy, jego twarz jest żałobna. Dawid z rozpaczą wpada w pierś przyjaciela, jest niepocieszony.

Ofiara Abrahama (1635)

Postacie na obrazie pojawiają się przed nami pod złożonymi kątami. Od ciała Izaaka, rozciągniętego na pierwszym planie i wyrażającego całkowitą bezsilność ofiary, wzrok widza kieruje się w głębinę – na postać starszego Abrahama i wysłannika Bożego – anioła – wyłaniającego się z chmur. Artysta z całą duszą przekazał stan umysłu Abrahama, który na nagłe pojawienie się anioła nie miał czasu poczuć ani radości z pozbycia się straszliwej ofiary, ani wdzięczności, a na razie odczuwał jedynie zmęczenie i oszołomienie .

Samson zadaje zagadkę przy weselnym stole (1637)

Samson lubił wędrować po kraju i pewnego dnia przybył do miasta Timnat. Tam zakochał się do szaleństwa w dostojnej Filistynce i zapragnął się z nią ożenić. Pobiegł do domu i poprosił rodziców, aby zabiegali o względy jego ukochanej. Starcy z przerażeniem chwycili się za głowy: syn sprawił im już wiele zmartwień, a teraz na dodatek postanowił poślubić cudzoziemkę, córkę Filistyna. Samson jednak nie poddał się. Rodzice nie mieli już nic do roboty – wzdychając ciężko, posłuchali zachcianek ekscentrycznego syna. Samson został panem młodym i odtąd często odwiedzał rodziców panny młodej. Pewnego dnia, gdy Samson szedł energicznie ścieżką pomiędzy winnicami, drogę zagrodził mu młody ryczący lew. Siłacz rozerwał lwa na strzępy i jakby nic się nie stało, udał się do Timnath, nie opowiadając nikomu o swojej przygodzie. Wracając do domu, ze zdziwieniem zobaczył, że w paszczy zabitego lwa zagnieździł się rój pszczół i zgromadziło się już dużo miodu. Samson przyniósł plaster miodu swoim rodzicom, nie mówiąc ani słowa, skąd go wziął. W Timnaf swatanie przebiegło pomyślnie, odbyła się wielka uczta, wszyscy pogratulowali młodej parze i wyznaczono dzień ślubu. Według zwyczaju filistyńskiego uroczystość weselna trwa siedem dni. Na uczcie rodzice panny młodej, obawiając się niezwykłej siły Samsona, wyznaczyli mu trzydziestu młodych, silnych Filistynów jako drużbów weselnych. Samson, patrząc na „strażników” z uśmiechem, zaprosił ich do rozwiązania zagadki. Trzeba było to rozwiązać do końca ślubu, siódmego dnia. Zagadka brzmiała następująco: „Od zjadacza powstała trucizna, a od silnego słodycz”. Oczywiście nikt nie potrafił rozwiązać tej zagadki, bo nikt nie wiedział, że mówimy o pszczołach jedzących nektar (pszczoły „jedzą”), o miodzie („jedzą”) i o silnym lwie. Jednocześnie Samson postawił warunki: jeśli zostanie rozwiązany, otrzymają 30 koszul i taką samą ilość odzieży wierzchniej, a jeśli nie, zapłacą mu tyle samo. Zdumieni Filistyni przez trzy dni zastanawiali się nad tą dziwną zagadką. Zdesperowani udali się do jego młodej żony i zagrozili, że jeśli nie pozna od męża odpowiedzi na zagadkę, spalą ich i dom jej ojca. Filistyni naprawdę nie chcieli płacić Samsonowi dużej sumy. Żona sprytem i dobrocią wyciągnęła od męża odpowiedź na zagadkę, a następnego dnia Filistyni podali poprawną odpowiedź. Wściekły Samson nie miał nic innego do roboty, jak tylko spłacić uzgodniony dług, a jego rodzice byli bardzo biedni. Następnie zabił 30 Filistynów i oddał ich ubrania jako dług. Samson, zdając sobie sprawę, że żona go zdradziła, zatrzasnął drzwi i wrócił do rodziców.

Ślepy Tobit i Anna (1626)

Tobiasz, Izraelczyk, wyróżniał się w swojej ojczyźnie prawością i nie opuścił pobożnego rządu asyryjskiego i ogólnie doświadczył szeregu prób, łącznie ze ślepotą, co zakończyło się dla niego i jego potomków całkowitym błogosławieństwem Bożym. Jego syn Tobiasz został uzdrowiony przy pomocy anioła.

Święta Rodzina (1635)

Fabuła pochodzi z Ewangelii, ale artysta przedstawia życie zwykłych ludzi. Dopiero anioły zstępujące w półmrok biednego domu przypominają nam, że to nie jest zwykła rodzina. Gest ręki matki, odchylenie zasłony, by spojrzeć na śpiące dziecko, skupienie na postaci Józefa – wszystko jest głęboko przemyślane. Prostota życia i wygląd ludzi nie czynią obrazu przyziemnym. Rembrandt wie, jak widzieć w życiu codziennym nie to, co małe i zwyczajne, ale to, co głębokie i trwałe. Z tego płótna emanuje spokojna cisza życia zawodowego i świętość macierzyństwa.

Batszeba (1654)

Według Biblii Batszeba była kobietą o rzadkiej urodzie. Król Dawid, spacerując po dachu swojego pałacu, zobaczył kąpiącą się Batszebę. Jej mąż, Uriasz, jest w tym czasie poza domem i służy w armii Dawida. Batszeba nie próbowała uwieść króla. Dawid jednak uwiedziony urodą Batszeby kazał ją zaprowadzić do pałacu. W wyniku ich związku zaszła w ciążę i urodziła syna, Salomona. Później Dawid napisał list do dowódcy wojska, w którym walczył Uriasz, w którym nakazał umieścić Uriasza tam, gdzie będzie „najcięższa bitwa, i wycofać się z niego, aby został pokonany i zginął”. Rzeczywiście tak się stało i Dawid poślubił Batszebę. Ich pierwsze dziecko żyło zaledwie kilka dni. Dawid później żałował swoich czynów. Mimo całej swej wysokiej pozycji najbardziej ukochanej z żon Dawida, Batszeba ukrywała się w cieniu i zachowywała się z godnością. Dawid koronował na króla Salomona, syna Batszeby. Batszeba była mądrą kobietą i zawsze ufała Bogu. Stała się wierna Dawidowi i kochająca żona i dobrą matką dla swoich dzieci – Salomona i Natana.

Junona

Artysta przedstawił Saskię, swoją żonę, na obrazie Junony. Juno to starożytna rzymska bogini małżeństwa i porodu, macierzyństwa kobiet i kobiecej siły produkcyjnej. Patronka małżeństw, opiekunka rodziny i przepisów rodzinnych. Głównym atrybutem tej bogini jest welon, diadem, paw i kukułka. Rembrandt ma pawia w lewym dolnym rogu obrazu.

Żona Potyfara oskarża Józefa (1655)

Historia biblijnego patriarchy Józefa jest opowiedziana w Księdze Rodzaju. Nawet w domu rodzinnym Jakuba i Racheli ich ukochany syn Józef pojawia się jako marzyciel. Ojciec Józefa wyróżnia go spośród swoich braci, a ci, zazdrośni o jego szczególną pozycję i piękne ubranie, sprzedają Józefa w niewolę karawanom udającym się do Egiptu. W Egipcie Józef służył jako niewolnik bogatego szlachcica Potyfara, szefa straży przybocznej faraona. Potyfar powierza Józefowi cały swój dom, ale żona Potyfara narusza jego czystość, a Józef ucieka, zostawiając swoje ubranie w rękach kobiety. Żona Potyfara, zakochawszy się w Józefie i nie osiągając wzajemności, oskarża go o gwałt. W więzieniu, do którego posłano Józefa, są z nim królewski piekarz i podczaszy. Józef interpretuje ich sny, według których w ciągu trzech dni piekarz zostanie stracony, a lokajowi przebaczone. Proroctwo Józefa spełniło się, a podczaszy pamięta o nim, gdy egipskim kapłanom trudno zinterpretować sen faraona o siedmiu tłustych krowach pożartych przez siedem chudych i siedmiu dobrych kłosach pożartych przez chude. Józef, wezwany z więzienia, interpretuje ten sen jako zapowiedź, że po kolejnych siedmiu latach dobrych zbiorów nadejdzie siedem lat dotkliwych niedoborów plonów. Radzi faraonowi, aby wyznaczył zaufaną osobę, która będzie gromadzić zapasy na czas głodu. Faraon mianuje Józefa swoim powiernikiem, nagradza go pierścieniem, nadaje mu egipskie imię, a jako jego żonę Asenat, córkę kapłana z Heliopolis.

Kobieta kąpiąca się w strumieniu

W obrazie Rembrandt całkowicie porzucił klasyczny ideał nagiej sylwetki kobiecej. Tutaj przedstawił Hendrikje, swoją drugą żonę, rozbierającą się przed kąpielą, wbrew wszelkim kanonom piękna. Złota szata leży na brzegu wody, a słodka młoda kobieta, nieśmiało podnosząc koszulę, wchodzi do zimnej wody. Wydaje się, że wynurza się z brązowej ciemności, jej nieśmiałość i skromność można wyczytać zarówno z lekko pomalowanej twarzy, jak i dłoni podtrzymujących koszulę.

Alegoria muzyki (1626)

Kobieta. przymierzanie kolczyków (1654)

Ukamienowanie Świętego Szczepana

Pokłon Trzech Króli

Portret Dirka Jana Pessera (ok. 1634)

Portret Maartje Martensa Domera

Portret mężczyzny (1639)

Portret rodzinny (1666-1668)

Portret starca w czerwieni (ok. 1654)

Portret Tytusa (syna artysty)

Lekcja anatomii (1632)

Wenus i Kupidyn (1642)

Młoda Saskia (1633)

Rembrant Harmens van Rijn (1606-1669), malarz holenderski.

Po wstąpieniu na uniwersytet w Lejdzie w 1620 r. Rembrandt wkrótce go opuścił i zaczął studiować malarstwo. W latach 1625-1631 pracował w rodzinne miasto. Głównymi w jego twórczości wczesnego okresu były obrazy o tematyce religijnej, a także.

Rok 1632 okazał się dla Rembrandta rokiem szczęśliwym. Przeniósł się do Amsterdamu i poślubił zamożną mieszkankę miasta, Saskię van Uylenburg, a obraz „Lekcja anatomii doktora Tulpa” przyniósł młodemu malarzowi powszechne uznanie.

Dla mistrza rozpoczęła się najbogatsza dekada jego życia. Miał wielu uczniów (szkoła Rembrandta). W tym okresie powstały takie arcydzieła jak „Autoportret z Saskią” (1635) i „Danae” (1636).

Niezwykle wesoła sztuka Rembrandta z lat 30. XX wieku. łączy w sobie doświadczenie mistrzów renesansu i baroku oraz nowatorskie podejście do tematów klasycznych.

Okres sukcesów zakończył się nagle w 1642 r.: wspaniałe dzieło „Nocna straż” – portret grupowy członków gildii strzeleckiej w Amsterdamie – zostało odrzucone przez klientów, którzy nie docenili innowacji artysty i poddali go ostrej krytyce.

Rembrandt praktycznie przestał otrzymywać rozkazy, opuścili go prawie wszyscy uczniowie. Saskia zmarła w tym samym roku.

Od lat 40 Rembrandt porzucił w swojej twórczości efekty teatralne, w jego malarstwie nasiliła się zasada mistyczna, kontemplacyjna. Artysta często odwoływał się do wizerunku swojej drugiej żony, Hendrikje Stoffels.

Obraz „Święta Rodzina” (1645), cykl autoportretów i najlepsze pejzaże charakteryzują się głębią, spokojem i bogactwem emocjonalnym. Ale niepowodzenia nadal prześladowały Rembrandta: w 1656 roku uznano go za niewypłacalnego dłużnika, jego majątek sprzedano na aukcji, a rodzina przeniosła się do skromnego domu w żydowskiej dzielnicy Amsterdamu.

Obraz „Spisek Juliusa Civilisa” (1661), zamówiony przez ratusz, podzielił los „Straży Nocnej”. W 1663 roku artysta pochował żonę i syna.

Pomimo pogarszającego się wzroku Rembrandt nadal malował. Unikalnym efektem jego twórczości był płótno „Powrót syna marnotrawnego” (1668–1669).

Zawsze trudno jest rozmawiać o tym, co naprawdę kochasz. Starannie dobierasz słowa, figury retoryczne, nie wiesz od czego zacząć... Dlatego zacznę od małej rewelacji: Rembrandta Harmenszoona van Rijna- mój ulubiony artysta, poznałem go bardzo długo.

Jako dziecko – w Ermitażu, z opowieściami profesora-ojca. W młodości – na zajęciach MHC w instytucie, przy starych slajdach w ciemnej klasie, w długie grudniowe wieczory. W młodości - w niesamowitym Amsterdamie, radośnie śmiejąc się w promieniach zachodzącego sierpniowego słońca. Wygłosiłem już setki wykładów o Rembrandcie, przeprowadziłem dziesiątki wycieczek, ale wciąż mam wrażenie, że teraz zanurzycie się w coś nieznanego, wielkiego, niezrozumiałego.

To jak skok z molo do wód morza, w którym znalazłeś się po raz pierwszy. Nie wiesz, czy woda jest tam zimna i ile kamieni jest na dnie. To oczekiwanie i zwątpienie sprawiają, że nerwowo trzęsą Ci się ręce. Można to pokonać tylko w jeden sposób - wykonaj skok z rozbiegu, czując bicie serca i to, jak w jednej chwili cały otaczający Cię świat zostaje porwany gdzieś w dal, a Ty zostajesz sam na sam z czymś zupełnie nowym... No cóż, Dobrze! Skaczmy, otwórzmy oczy i spójrzmy!

W wieku 27 lat miał wszystko, o czym mógł marzyć artysta. Sława, sława, pieniądze, ukochana kobieta, setki zamówień. Był uważany najlepszy mistrz malarstwo portretowe w jednym z najbogatszych miast swoich czasów, w perle północnej Europy – Amsterdamie.

Tak, nigdy na świecie nie było artysty, który byłby w stanie stworzyć coś takiego! Portret miał być doskonały, miał rozjaśniać wszystkie mankamenty danej osoby, ale Rembrandt pomyślał inaczej. Jego portrety były żywe. Przekazywały charakter, zawierały konflikt. Oto fragment portretu głównego poborcy podatkowego prowincji holenderskiej, Jana Vtenbogaerta.

Prawie cały majątek republiki przeszedł przez ręce tego człowieka. A jego ubiór – przewiewny koronkowy kołnierzyk i długi płaszcz z rosyjskiego futra sobolowego – wyraźnie wskazują na jego stan. Teraz spójrz tylko na te oczy. Widzisz w nich smutek... I od razu przychodzi na myśl płótno wielkiego poprzednika Rembrandta -. Czyż apostoł nie patrzy z takim samym wyrazem na Chrystusa, gdy wzywa go do siebie? Ten portret to historia bardzo bogatego, ale bardzo nieszczęśliwego człowieka i holenderski malarz potrafił to pokazać w jednym zamrożonym momencie.

Rembrandt Harmens van Rijn cały swój wolny czas spędzał na studiowaniu wyrazu twarzy. Godzinami stał przed lustrem i robił miny, które następnie przenosił węglem na papier. Ważne było dla niego uchwycenie najdrobniejszych odcieni emocji.

Twarz ludzka, zdaniem artysty, jest zwierciadłem duszy, zdał sobie z tego sprawę na długo przed Oscarem Wildem w swoim „Portrecie Doriana Graya”. Ale portrety nie są jedyną rzeczą, w której Rembrandt był wybitny. Jego duże płótna robią na nas nie mniejsze wrażenie. Gra światłocienia, którą Caravaggio tak rozwinął w swoim malarstwie, nabiera u naszego mistrza naprawdę gigantycznego zasięgu.

Miał zaledwie 28 lat, kiedy stworzył swoje pierwsze absolutne arcydzieło. To jest obraz „Zejście z krzyża”. Obok tego obrazu w Ermitażu po prostu nie można przejść obojętnie. W jednej chwili artyście udało się oddać całą istotę chrześcijaństwa, opowiedzieć jedną z najwspanialszych ludzkich historii tak szczerze i wzruszająco, jak to tylko możliwe, w sposób, jakiego nie zrobił nikt przed nim ani po nim.

Jerozolima w tle tonie w ciemności. Zbawiciel nie żyje. W centrum zdjęcia widzimy jego martwe ciało. To moment największej rozpaczy, nikt jeszcze nie wierzy w zmartwychwstanie. Ludzie widzą jedynie zwłoki mężczyzny, którego kochali i czcili jako boga, a Dziewica Maryja mdleje, a jej skóra jest śmiertelnie blada – właśnie straciła jedynego syna.

Jest jeden szczegół na tym płótnie, który nie jest od razu zauważalny. To jest oświetlenie. Źródłem światła jest latarnia w rękach chłopca, lecz ciało Chrystusa i szaty trzymającego go w ramionach apostoła odbijają światło jak lustro. I to za pomocą światła opowiadana jest tu prawdziwa historia, ujawnia się filozoficzne znaczenie obrazu.

Światło latarni jest światłem wiary, a to, co widzimy na obrazie, jest wprowadzeniem w jej tajemnicę. Można odnieść wrażenie, że źródłem światła staje się tu samo ciało Zbawiciela. Z ciemności wyłania się oblicze Matki Bożej i całun, rozświetlony przyćmionym światłem świecy, w którą ma być owinięte Ciało Chrystusa. Na tym płótnie Rembrandt po raz pierwszy zastosował technikę, która w ostatnich latach jego życia stała się kluczowa dla jego twórczości.

I teraz widzimy, jak człowiek doskonale władający techniką pisarską malował wszystkie centralne postacie na płótnie w najdrobniejszych szczegółach, jednak w miarę oddalania się od światła twarze ludzi stawały się coraz bardziej zamazane, prawie nie do odróżnienia. Wszystko jest bardzo proste - tajemnica tego, co się dzieje, ominęła ich.

Jest jednak na tym płótnie jeszcze jedna postać, której na pierwszy rzut oka nie widać. Pomimo tego, że znajduje się w cieniu, Rembrandt przedstawia go bardzo wyraźnie. W prawym dolnym rogu płótna, z najciemniejszego miejsca, kryjąc się za łodygami ostu, diabeł w postaci psa patrzy na ciebie i zdaje się zadawać ci pytanie:

„Czy zaangażowałeś się w to, co się dzieje?”

Tak, holenderskiemu mistrzowi nigdy nie wystarczała rama obrazu, marzył, że jego płótna staną się częścią tego świata, a widz stanie się bezpośrednim uczestnikiem tego, co się dzieje. Ale to właśnie to pragnienie sprowadziło go z wyżyn chwały w otchłań wielowiekowego zapomnienia.

Nieszczęścia i zapomnienie przychodzą równie szybko, jak szczęście i chwała. Rembrandt Harmens van Rijn doświadczył tego na własnej skórze w 1642 roku. Oczywiście wcześniej były smutki: jego dzieci zmarły w niemowlęctwie. Przeżył tylko jeden syn, Tytus, urodzony w 1641 r. Ale rok później jego ukochana żona Saskia, z którą żył przez wiele lat, odeszła z tego świata. A wraz z tą stratą od artysty odwróciło się także szczęście, w momencie tworzenia jednego ze swoich najwspanialszych obrazów.

O „Nocnej straży” Rembrandta można opowiadać bez końca. Obraz ten jest tak obszerny w treści, tak wyjątkowy w swojej strukturze, że historia jego powstania zasługuje na osobną książkę, a nie artykuł. Ale, jak to często bywa w życiu, to właśnie to dzieło, które później radykalnie zmieniło cały rozwój malarstwa światowego, zostało odrzucone przez współczesnych.

Klientom nie podobał się sposób ich przedstawiania, wielu z nich odmówiło zapłaty za dzieło artysty. Najsłynniejszy malarz Holandii nigdy nie doświadczył takiego upokorzenia. Pewnego roku Rembrandt stracił ukochaną żonę i poniósł fiasko ze swoim najlepszym dziełem. Wydawałoby się, że to wystarczy, ale nie, to był dopiero początek tragedii. Zamawiań było coraz mniej (w modzie stał się klasycyzm i styl portretów ceremonialnych), a wkrótce majątek artysty został sprzedany za długi. Z ogromnej rezydencji w samym centrum Amsterdamu zmuszony został przenieść się na obrzeża miasta, do dzielnicy żydowskiej, gdzie wraz ze swoim ukochanym synem Tytusem wynajął kilka pokoi.

Najciekawsze jest to, że Rembrandt z łatwością potrafił dostosować się do najnowszych trendów mody w sztuce i ponownie otrzymać za swoje płótna duże pieniądze. Malarz był jednak przekonany, że musi stworzyć zupełnie nowy styl. Jego portrety nie przedstawiały już bogatych ludzi, ale najzwyklejszych obywateli Amsterdamu. Takim jest na przykład „Portret starego Żyda”.

Rembrandta nie interesowało już szczegółowe przedstawienie wszystkich elementów ubioru, dążył do większej abstrakcji, starając się z doskonałą dokładnością oddać uczucia swoich bohaterów. Za swój upór otrzymał jedynie cierpienie i policzki. Stało się tak w przypadku jego obrazu „Spisek Juliusa Civilisa”.

Zamiast klasycznego, pompatycznego, patriotycznego wizerunku, stary mistrz przedstawił go publiczności.

Przed nami obraz barbarzyńskiej uczty, prostackiej, brzydkiej. Obraz ten wyprzedzał swoje czasy o prawie 300 lat, wyprzedzając malarstwo ekspresjonistyczne. Nic dziwnego, że arcydzieło mistrza zostało odrzucone, a jego imię okryło się niezatartym wstydem. Ale to właśnie te ostatnie osiem lat życia, spędzone w absolutnym, nieprzeniknionym ubóstwie, są jednym z najbardziej owocnych okresów w twórczości Rembrandta.

Myślę, że o malarstwie tego okresu, w tym o „Powrocie syna marnotrawnego”, napiszę w osobnym artykule. Teraz chcę porozmawiać o czymś innym. Zawsze byłem zdumiony, jak Rembrandt mógł pracować i rozwijać swój talent, gdy zewsząd spadały na niego ciosy losu. To nie mogło trwać długo i artysta miał takie przeczucie.

Ostatni cios zadawany jest zawsze w miejsce, które najbardziej boli. Był to jedyny syn, Tytus, bardzo chorowity chłopiec, który wyglądał jak jego zmarła matka. To on był wówczas najczęściej przedstawiany przez Rembrandta: zarówno w postaci anioła na obrazie „Mateusz i anioł”, jak i podczas czytania, a także w różnych strojach. Być może malarz myślał, że przy pomocy swojego talentu uda mu się w jakiś sposób opóźnić to, co nieuniknione... Nie było to możliwe...

Moim zdaniem „Portret Tytusa w szacie mnicha” to jeden z najbardziej uduchowionych obrazów Rembrandta. Przejawiła się w niej cała miłość ojca i cały talent malarski. We wszystkich tych szorstkich pociągnięciach, w tej ciemności nacierającej na młodego mężczyznę z lewej strony, w roślinach już otaczających jego ciało, wyróżnia się jedno – blada twarz syna artysty ze spuszczonymi oczami pełnymi pokory.

Tytus zmarł w 1668 r., Rembrandt przeżył go zaledwie o rok.

Umierał na obrzeżach Amsterdamu, zupełnie sam, otrzymawszy w tym życiu wszystko i wszystko tracąc. Długo zapomnieli o jego obrazach... Minęło jednak 150 lat, a inni artyści słyszeli już, co mistrz chciał powiedzieć swoim współczesnym, którzy zamiast sławy i pieniędzy wybrali własną, niepowtarzalną ścieżkę.