Rembrandt Harmenszoon Van Rijn
El mayor representante de la Edad de Oro, el artista, el grabador, el gran maestro de las luces, y todo esto en nombre de Rembrandt.
Rembrandt nació el 15 de julio de 1606 en Leiden. Este gran artista holandés logró encarnar en sus obras todo el espectro de experiencias humanas con una saturación tan emocional, que no conocía el arte visual ante él.
Una vida
Creció en una gran familia del rico propietario de Harmen Gerrtatson Van Raina Mill. Entre otras cosas, había dos casas más en la propiedad de los baños, y también recibió una dote significativa de la esposa de Cornelia Nelty. La madre del futuro artista era una hija de carnicería y entendida en la cocina, la familia de la madre, incluso después de que la revolución holandesa conservara la lealtad a la religión católica.
En Leiden, Rembrandt asistió a la escuela latina de la universidad, pero no le gustó la ciencia exacta, el mayor interés mostró pintar. Comprender este hecho, sus padres a la edad de 13 años le dieron a Rembrandt a aprender las artes visuales al pintor histórico de Leiden, Jacobu Wang Svanbühurh, quien era católico. Las obras de Rembrandt son diversas y el tema de la obra de Rembrandt, las ideas de la moral, la belleza espiritual y la dignidad de una persona ordinaria, comprendiendo la complejidad incomprensible de su mundo interior, los muchos lugares de su riqueza intelectual, las profundidades. de sus experiencias mentales. Hubo muy poca información sobre Jacob para nosotros, en esto, y los historiadores y los historiadores de arte no pueden decir con seguridad la influencia de Svanzerha de la manera creativa de Rembrandt.
Luego, en 1623, estudió en la moda de Ámsterdam, entonces pintor Peter LOXMAN, después de lo cual, regresó a Leiden, se abrió en 1625 junto con su propio taller de Jan Liven.
Peter LOXMAN fue una pasantía en Italia y se especializó en parcelas históricas, mitológicas y bíblicas. Cuando Rembrandt abrió el taller y comenzó a reclutar estudiantes, en poco tiempo se conoció significativamente. Si miras las primeras obras del artista, puedes entender de inmediato que el estilo de lastman, la adicción a la ejecución de Motley y Petty, tuvo un gran impacto en el joven artista. Por ejemplo, su trabajo "se rompe por piedras de San Stephen "(1629)," Escena de la historia antigua "(1626) y" Bautismo del eunuco "(1626), muy brillante, inusualmente colorido, Rembrandt busca escribir cuidadosamente todos los detalles del mundo material. Casi todos los héroes aparecen frente a la audiencia vestidos con extraños trajes orientales, brillan con joyas, que crea un ambiente de mayoría, desfile, festividad.
En 1628, un artista de veintiún años fue reconocido como "altamente famoso" por un famoso retractante.
La imagen "Judas devuelve la plata" (1629): causó una retroalimentación entusiasta al famoso signo de pintura Konstantin Guygens, Secretario de Frederica Hendrik Oransky: "... Este es un tremendo cuerpo tembloroso, eso es lo que prefiero probar todos los tiempos. "
Gracias a las relaciones de Konstantin Rembrandt, pronto adquiere ricos admiradores de arte: debido a la mediación de Heygens, el príncipe Orange ordena varias obras religiosas del artista, como "Cristo frente al Pilat" (1636).
Este éxito al artista viene en Ámsterdam. El 8 de junio de 1633, Rembrandt se encuentra con la hija de la rica hamburguesa Sasquia Wang Eilenburh y conquista una posición sólida en la sociedad. La mayoría de los artistas pintados escribieron, siendo en la capital de los Países Bajos.
Ámsterdam: un ruidoso puerto y una ciudad industrial, que enfocaron los bienes y las maravillas de todo el mundo, donde las personas son ricas en transacciones comerciales y bancarias, donde se apresuraron en busca de los gibbies de Europa feudal y donde el bienestar de los burgueses adyacentes adyacentes. A la pobreza deprimente, conecta fuertes conexiones con el artista.
El período de Amsterdam de la creatividad de Rembrandt comenzó con un éxito sorprendente, lo que le trajo una "anatomía del Dr. Tulp Anatomy" (1632, La Haya, Mauritshais), quien cambió la tradición del retrato del grupo holandés. La demostración familiar del artista positivo de la gente con la profesión general Rembrandt contrastó el drama de la escena resuelta voluntaria, cuyos miembros son miembros del Gremio de los Cirujanos, que confiaron a su colega, combinaron la inclusión intelectual y espiritualmente activa en el proceso de investigación científica.
Rembrandt está inspirado en la belleza de su amada, por lo que sus retratos a menudo escriben. Tres días después de la boda, Van Rin describió a una mujer con un lápiz de plata con un sombrero con campos anchos. Sasquia apareció en las imágenes de los Países Bajos en el acogedor entorno de casa. La imagen de esta mujer regordeta aparece en muchos lienzos, por ejemplo, una chica misteriosa en la imagen "Reloj nocturno" se asemeja firmemente a un amado artista.
Los treinta en la vida de Rembrandt fueron un período de gloria, riqueza y felicidad familiar. Recibió muchas órdenes, estaba rodeado de estudiantes, llevados apasionadamente coleccionando obras de pintores italianos, flamencos y holandeses, esculturas antiguas, minerales, plantas marinas, armas antiguas, objetos del arte oriental; Al trabajar en pinturas, las exhibiciones de la colección a menudo se sirven como artista como accesorios.
Las obras de Rembrandt de este período son extremadamente diversas; Testifican la búsqueda incansable, a veces dolorosa para la comprensión artística de la esencia espiritual y social del hombre y la naturaleza, y demuestra las tendencias que el artista de conflicto con la sociedad se someterá a paso a paso.
En Retrights "Para ti mismo" y autoportres, el artista experimenta libremente con la composición y los efectos de la iluminación, cambia la tonalidad de la gama de colores, tiene sus propios modelos en ropa fantástica o exótica, varía poses, gestos, accesorios (flora, 1634, st . Petersburgo, ermita estatal).
En 1635, la famosa foto fue escrita en la parcela bíblica "Sacrificio de Abraham", que fue apreciado en una sociedad secular.
En 1642, Wang Rin recibió un pedido de una sociedad de rifle en un retrato de grupo para decorar un paño basado en la web. La imagen se llamaba erróneamente el nombre "Reloj nocturno". Fue bloqueada por HOOT, y solo en el siglo XVII, los investigadores llegaron a la conclusión de que la acción que se desarrolla en el lienzo ocurre durante el día.
Rembrandt representa a fondo cada detalle de los mosqueteros ubicados en movimiento: como si en cierto punto se detuviera en el momento en que la milicia saliera de un patio oscuro para que Wang Rin los capturaría en el lienzo.
No me gustó los clientes que el pintor de los Países Bajos se alejó de los cánones, que se desarrolló en el siglo XVII. Luego, los retratos grupales fueron desfile, y los participantes fueron representados por el Padre sin ningún tipo estático.
Según los científicos, esta imagen y sirvió como una razón para la quiebra del artista en 1653, ya que asustaban a los clientes potenciales.
Cambios trágicos en el destino personal de Rembrandt (la muerte de los niños recién nacidos, la madre, en 1642, la enfermedad y la muerte de Saskovia, que lo dejaron un hijo de nueve meses de Tito), empeorando la situación material debido a su obstinada renuencia al sacrificio. La libertad de espíritu y la creatividad a favor de los sabores volátiles de los burgueses, agravaron y expusieron un conflicto de cementerio entre el artista y la sociedad.
Información sobre la privacidad de Rembrandt en la década de 1640. Los documentos han sobrevivido poco. De los discípulos de este período, solo se conoce a Nicholas Mas de Dordrecht. Aparentemente, el artista continuó viviendo en una pierna ancha, como antes. La familia de Saskiyas fallecidos expresó su preocupación por cómo ordenó su dote. Niñera Titus, Hergete Dirks, lo presentó a la corte por violar la promesa de casarse; Para la destrucción de este incidente, el artista tuvo que desoxidar.
A finales de la década de 1640, Rembrandt bajó con su joven sirviente Hendrik, Stoffel, cuya imagen se encuentra en muchas obras de retratos de este período: ("Flora" (1654), "Batería" (1654), "Hendrika por la ventana "(1655)). El consejo parroquial condenó a Hendrik por "cohabitación pecaminosa", cuando en 1654 tenía una hija de Cornelia con el artista. Durante estos años, Rembrandt sale de aquellos que tienen un gran sonido nacional o universal.
El artista está trabajando durante mucho tiempo en retratos grabados de Burgomistán Yana Seis (1647) y otras burgueses influyentes. Todas las técnicas de grabado conocidas por él entraban en vigor en la fabricación de grabados cuidadosamente desarrollados "Cristo, pacientes curativos", mejor conocido como la "hoja en los cien compañeros",, precisamente por un precio tan grande para el siglo XVII, una vez se vendió . Sobre este grabado, afectando la finura de un juego en blanco y negro, trabajó siete años, de 1643 a 1649.
En 1653, experimentando dificultades materiales, el artista transfirió casi toda su propiedad al hijo de Tito, después de lo cual declaró en 1656 en bancarrota. Después de las ventas en 1657-58. Casas y propiedad (se conserva un interesante catálogo de la Asamblea Artística de Rembrandt)) El artista se trasladó a las afueras de Ámsterdam, en el barrio judío, donde pasó el resto de su vida.
La muerte de Tito en 1668 se convirtió en uno de los últimos golpes del destino; Él mismo no era un año después.
Rembrandt Harmens Wang Rin murió en octubre de 1669. Tenía 63 años. Era viejo, enfermo y hilo. Notario no tuvo que pasar mucho tiempo en la recopilación de la propiedad de la propiedad del artista. El inventario fue breve: "Tres zorros esponjosos, ocho pañuelos de la nariz, diez testículos, accesorios para escribir pinturas, una Biblia".
A los artines
Regreso del hijo pródigo
La famosa pintura "Regreso del hijo pródigo", una de las últimas obras de Rembrandt. Estaba escrita en el año de su muerte, y se convirtió en la parte superior de la manifestación de su talento.
Este es el paño más grande Rembrandt en un tema religioso. Imagen de Rembrandt en la historia de los proverbios del Nuevo Testamento del hijo pródigo.
La parábola del hijo pródigo que nos encontramos en el Evangelio de Lucas. Ella habla del joven, que dejó la casa del padre y la herencia viajó. En la ociosidad, un desglose y una embriaguez, pasó sus días hasta que estuvo en el patio de ganado, donde se alimentó de un canal con cerdos. Al estar en posición desesperada y la plena pobreza, el joven regresa a su padre, listo para convertirse en su último esclavo. Pero en lugar de desprecio, encuentra la recepción real, en lugar de la ira, un amor paternal de rostro largo, profundo y suave.
1669 años. Rembrandt interpreta a un drama humano frente a la audiencia. Las pinturas se encuentran en los trazos gruesos de lienzo. Estan oscuros. El artista no es importante de personajes secundarios, déjalos y no lo suficiente. Atención de nuevo remachada al Padre e Hijo. El viejo, colgado por el padre duro, se volvió hacia el espectador. En esta cara y dolor, y cansado de los ojos de los ojos, y la felicidad de la reunión tan esperada. Hijo se vuelve a nosotros. Enterró en el bebé a la ropa real del Padre. No sabemos lo que él expresa su rostro. Pero los talones de arrastre, un cráneo desnudo del vagabundo, la mala trampa habla lo suficiente. Como las manos del Padre, comprimiendo los hombros del joven. A través de la tranquilidad de estas manos, perdonando y apoyando, Rembrandt ya dura el mundo de la parábola universal sobre la riqueza, las pasiones y los vicios, el arrepentimiento y el perdón. "... Me levantaré, iré a mi padre y le diré: ¡Padre! Pecé contra el cielo y antes de ti y ya te notifique que te llamen su hijo; Me acepto a tus mercenarios. Me levanté y fui a mi padre mi. Y cuando todavía estaba lejos, vio a su padre y le apretó; Y, corriendo, cayó sobre su cuello y lo besó ".
Además del padre y el hijo, se muestran 4 caracteres en la imagen. Estas son siluetas oscuras que apenas son distinguibles en un fondo oscuro, pero que son ellos, sigue siendo un misterio. Algunos los llamaron "hermanos y hermanas" del personaje principal. Es característico que Rembrandt evite el conflicto: en parábola, el jurado del hijo obediente habla, y la armonía de la imagen no está rota.
Van Gogh dijo con mucha precisión sobre Rembrandte: "Debemos morir varias veces, para dibujar ... Rembrandt penetra en secreto tan profundamente que se transmiten sobre los elementos para los cuales no hay palabras en ningún idioma. Por eso se llama Rembrandt: un asistente. Y esto no es una nave simple ".
El reloj de la noche
El nombre bajo el cual el retrato de grupo de Rembrandt es conocido tradicionalmente por el "discurso de la compañía del rifle capitán Francia Bannang Coca y el teniente Villem van Ryuteitbürga", escrito en 1642.
El lienzo del maestro holandés paga muchas "sorpresas". Comencemos con el hecho de que el nombre de la imagen es familiar para nosotros no es cierto: la patrulla, representada en ella, en realidad no es en toda la noche, sino la mayor cantidad de día. Solo el trabajo de Rembrandt varias veces estaba cubierto con barniz, debido a lo que estaba muy oscuro. Además, casi 100 años (desde el principio de la XVIII hasta el comienzo del siglo XIX), uno de los salones del Ayuntamiento de Ámsterdam, que colgó justo enfrente de la chimenea, año tras año, cubierto de remojo. No es sorprendente que, a principios del siglo XIX, el nombre "Reloj nocturno" estaba firmemente establecido: para este momento, la historia de su creación fue olvidada a fondo, y todos estaban seguros de que el Maestro representaba exactamente la noche. Solo en 1947, durante la restauración en el Reynxmuseum de Amsterdam, donde la imagen es hasta el día de hoy, resultó que parpadea incomparablemente de lo que se consideraba considerado. Además, las sombras cortas descartadas por los personajes indican que el estuche tiene lugar entre el mediodía y las dos horas del día. Sin embargo, los restauradores no dispararon todas las capas de barniz oscuro, temiendo dañar la pintura, así que ahora el "reloj nocturno" es bastante crepúsculo.
El presente nombre del lienzo es "Discurso de la compañía de rifle Capitán Francia Bannang Coca y teniente Wilhema Van RaTeburg". Este es un retrato de grupo de mosqueteros-milicias de una de las áreas de Ámsterdam. De 1618 a 1648, una guerra de treinta años estaba en Europa, y los residentes de las ciudades holandeses fueron tomadas por las armas para defender sus hogares. La creación de Rembrandt junto con los retratos de otras bocas de rifle debe decorar la sala principal en Klovenirsdolene, la sede de los tiradores urbanos. Pero los clientes se decepcionaron: Rembrandt resultó no un retrato de desfile monumental, sino una imagen de género, en la que apenas aprendieron sus propias caras, a menudo medio cerradas por otros personajes. ¡Aún así! Después de todo, el artista, excepto 18 clientes (cada uno de los cuales establecido por su retrato, alrededor de 100 Gold Guilders, ¡una cantidad muy impresionante por el tiempo) apretó a otras 16 personas más en el lienzo! Quienes son son desconocidos.
Museo - Amsterdam Historical Museums?
Tres cruces
Uno de los grabados más famosos de Rembrandt tiene cinco estados. Firmado y fechado solo el tercero, por lo tanto, el resto de Rembrandt consideró intermedio. El quinto estado es muy raro, solo se conocen cinco copias.
En el grabado representó un momento dramático de la muerte de Cristo en la Cruz de Calval, descrita en los Evangelios. En este grabado, Rembrandt, sin precedentes, a esa escala utilizó la técnica del cortador y la "aguja seca", que fortaleció el contraste de la imagen.
El 2 de diciembre de 2008, en la subasta de Christis, este grabado (estado IV) se vendió por 421250 libras.
Eliminando de la cruz
B 1814 por Alejandro I y Empress Josephine fue empujado por sus Malmons de Gailer. Algunas de las pinturas se llevaron a cabo desde los famosos kalsels de la galería, incluida la "eliminación de C Cruz". Anteriormente, estos lienzos fueron propiedad de la Sra. De Rouver en Delphte y, junto con otras pinturas, su asamblea fueron comprados por Landgraf por Hesse-Kassels Ludwig VII. B 1806 Su galería fue capturada por Napoleon y donada por Josephine.
El sucesor de Landgraf Hesse-Kassels Ludwig VII, un antiguo Aliado Alexander I, presentado en 1815 la demanda del emperador o la devolución capturada por las pinturas de Napoleón. Este requisito fue rechazado resueltamente por Alexander I, pagando dinero por las pinturas y la atención de su hija de hortensia a la Josephine en todos los sentidos. En 1829, Y Hydrengees, que desgastaban en ese momento, el título de Duchess Saint-Lo fue comprado por treinta pinturas de la Galería de Malmone.
El "remover de la cruz" tuvo una gran tradición iconográfica en el arte europeo. Se consideró una imagen de altitud de Rubens en la catedral de Amberes, un vistazo generalizado.
El pensamiento creativo de Rembrandt vaga en algún lugar al lado de este comercio, usándolo y, al mismo tiempo, elige constantemente otros caminos. Inusual para el desarrollo anterior del arte europeo, son extremadamente característicos de la manera personal creativa de Rembrandt, no es de extrañar que "eliminen de la cruz" recuerda externamente "la incredulidad del apóstol Thoma".
Rubens representó un dolor exaltado de un grupo de personas majestuosas y hermosas con un héroe majestuoso y hermoso; Rembrandt escena inquieta de la noche masiva. Luego, se retiran numerosas figuras en la oscuridad, luego se caen en un rayo de luz, y parece que la multitud se mueve, vive, duele de crucifijos y se arrepiente de su madre. B La apariencia de las personas no es nada perfecta, muchas de ellas son groseras, Necross. Sus sentimientos son muy fuertes, pero estos son los beneficios de las personas comunes que no están iluminadas por las elevadas catarsis, que está en la imagen de Rubens.
Cristo muerto es la misma persona que ellos; Se debe a la fuerza de su dolor de su sufrimiento y la muerte adquirir especial importancia. La clave del contenido de la imagen es, quizás, no tanto a Cristo como lo apoya y presionó el hombre de la mejilla.
Desde un punto de vista artístico fraccional, una composición inquieta es inferior a la famosa imagen de Rubens, y algunas obras de Rembrandt, realizadas durante los mismos años. Por ejemplo, menos significativo de acuerdo con su contenido "la incredulidad del apóstol FOMA" parece ser externamente más armonioso holístico. Sin embargo, en la "remoción de la cruz", la comprensión de los sujetos bíblicos-evangelios es más claramente inherente a Rembrandt.
El trabajo del joven Rembrandt difiere de su prototipo las características más básicas. En primer lugar, no se crea formalmente, ni esencialmente como una imagen de altar de oración. Su tamaño de gabinete no se aborda no a la percepción de la multitud, y la experiencia individual. Esta apelación de los sentimientos y la conciencia de una persona, el establecimiento de un contacto espiritual cercano con el espectador forzó al artista a crear un sistema completamente nuevo de agentes y técnicas artísticas. Rembrandt vio la escena del Evangelio Lee como un evento real trágico, privando fundamentalmente su patio místico y heroico.
En un esfuerzo por la máxima sinceridad y la veracidad de la imagen, Rembrandt mostró cerca de la cruz una multitud cercana de personas sorprendidas por el dolor, buscando una unidad amable entre sí frente a la terrible muerte. El sabor tonal marrón-oliva combinó toda la composición, y la corriente de luz asignó drásticamente el centro semántico principal. La mayor profundidad de sufrimiento está encarnada en la imagen de la novia que cayó sin sentimientos con su delgada cara del trabajador. El segundo grupo de luto se encuentra en el extremo izquierdo de la diagonal espacial: las mujeres están reverentemente robadas, realizan su deuda directa hacia el fallecido. El cuerpo caído de Cristo apoyado por el anciano: la realización de la carne humana agotada: es principalmente un sentimiento de compasión profunda.
Novia judía
Una de las últimas y más misteriosas pinturas de Rembrandt. El nombre fue dado a ella en 1825, Amsterdam Collector van der Hop. Él creía erróneamente que su padre fue representado, dando a una hija, un collar judío a la boda. Tal vez este sea un retrato personalizado, pero la ropa de los personajes es claramente similar a la antigua, bíblica, por lo que "Artaxerks y ESPHYRX", "Jacob y Rakhil", "Abram y Sarah", "Voz y Rut" se ofrecieron como el nombre.
Saskovia en la imagen de la flora.
La pintura laboral de Rembrandt, escrita en 1634, que es probable que represente a la esposa del artista Saskovia van Eilenbuch en la imagen de la antigua diosa típica de las flores, el apogeo, la primavera y la flora de frutas de campo.
En 1633, Saskovia van Eilenburh se convirtió en novia Rembrandt Wang Raina. Un encantador retrato de joven Saskiya en el atuendo Flora es un tonto, pero un testigo elocuente de este "poro de primavera y amor" de un pintor brillante.
Pensativo, pero, sin duda, la cara feliz de la niña corresponde completamente a los sentimientos de la novia. Ahora ella no es un niño rápido, mirando descuidadamente al mundo de Dios. Hay una tarea seria frente a ella: eligió una nueva forma y mucho, mucho, tiene que cambiar su mente y listas antes de que entre en una vida adulta. El tocado y la varilla fueron incautados por flores, por supuesto, señalar la flora, la antigua diosa romana de la primavera. El atuendo de la diosa está escrito con una habilidad increíble, pero la verdadera grandeza del talento de Rembrandt se manifiesta en la expresión de ternura, que el artista le dio la cara.
La esposa favorita hizo una vivienda solitaria de un modesto artista con la luz de la felicidad y la satisfacción del corazón. Rembrandt le encantaba vestir a Saccha en terciopelo, seda y pasar, de acuerdo con la costumbre de ese tiempo, enfocado por diamantes y perlas, con amor observándola adorable, cara joven de un vestido brillante
Museo - Ermita de estado
Con til
Profundamente humanista en su esencia y comprometido en su forma artística única, el trabajo de Rembrandt se convirtió en uno de los picos del desarrollo de la civilización humana. Las obras de Rembrandt son diversas y el tema de la obra de Rembrandt, las ideas de la moral, la belleza espiritual y la dignidad de una persona ordinaria, comprendiendo la complejidad incomprensible de su mundo interior, los muchos lugares de su riqueza intelectual, las profundidades. de sus experiencias mentales. Muchos misterios no entrenados, pinturas, dibujos y grabados de este maravilloso artista conquistan las características psicológicas permeables de los personajes, la privacidad filosófica, la justificación convincente de las decisiones de arte inesperadas. Su interpretación de las parcelas de la Biblia, los mitos antiguos, las leyendas antiguas y el país nativo pasado como un evento realmente significativo de la historia del hombre y la sociedad, las colisiones de vida profundamente experimentadas de personas específicas descubrieron el camino de la interpretación libre y multivaluada de imágenes y temas tradicionales. .
L Yube Rembrandt
La famosa musa Rembrandt Saskovia fue la hija más joven del burgomaster de la ciudad de Leuwarden. Esta pelirroja de ojos blancos ha crecido en una familia grande y muy asegurada. Cuando la doncella pasó 12 años, la madre de la familia murió. Pero la chica todavía no sabía nada en nada, y cuando surgió el tiempo, se convirtió en una novia muy envidiable.
Los signos del artista y la persona joven tuvieron lugar en la casa del primo de la niña, el artista Hendrick van Eilenburg, que también era un comerciante de antigüedades. Rembrandt Literalmente de combate chica: Piel suave brillante, pelo dorado ... Añadir a esto la posibilidad de llevar una conversación relajada. Bromeando, ella sugirió un famoso pintor para escribir su retrato. E incluso eso es necesario: Saskovia es un modelo ideal para las parcelas Rembrandt en tonos oscuros y silenciados.
Rembrandt comienza a escribir un retrato. Se reúne con Saskius no solo en las sesiones. Al cambiar su principio, tratando de ir a paseos de entretenimiento y las noches de Dick. Cuando se completó el trabajo en el retrato y se detuvo las reuniones frecuentes, Rembrandt entiende: Esa es la que quiere casarse. En 1633, Saskovia van Eilenburg se convirtió en la novia del artista, y el 22 de julio de 1634 tuvo lugar una boda tan esperada.
El matrimonio con Sasquia abre al artista a la sociedad superior. El Padre Burgomista dejó el favorito de la tremenda herencia: 40,000 flores. Incluso en una pequeña parte de esta cantidad, fue posible existir un año largo de largo año.
Felices y amantes de los cónyuges comenzaron a callar una casa común. Pronto comenzó a recordar al museo. Las paredes estaban decoradas con grabados en Miguel Ángel y lienzo de Rafael. Saskovia estaba de acuerdo, ella amaba mucho a su marido. Y él, a su vez, duchó sus joyas, pagó los inodoros más sofisticados. Y, por supuesto, buscó capturar la imagen favorita. Rembrandt, uno podría decir, se convirtió en el cronista de su vida familiar. En los primeros días de la luna de miel de los cónyuges, se escribió el famoso "autorretrato con Sasquia en sus rodillas".
En 1635, el primer hijo nació en la familia, pero vivió mucho tiempo, y se convirtió en un terrible golpe para la joven madre.
No quería separarse con el cuerpo de su hijo durante mucho tiempo, se alejó de sí mismo, sin liberar a un niño mortal de las manos. La desafortunada madre caminó con él alrededor de la casa, Bayukaya y lo llamó con todos los nombres gentiles, que ella junto con su esposo llamó a Rembrantus en los primeros días felices.
Rembrandt era consciente de que, con la excepción de los relojes mantenidos por el caballete, solo puede vivir cerca de Saskiy. Solo con ella se siente como un hombre: el amor es una fuente de vida, y él ama a One Saskia, y nadie.
Después de la muerte de Rembrantus Saskovia, dos veces atrae a los niños al nacer. Solo el cuarto hijo, el Tito, que apareció en 1641, pudo sobrevivir a los años difíciles de la infancia. El niño fue nombrado este nombre en memoria de la lategoría, Hermanas de Sasquia.
Sin embargo, el parto constante tenía un efecto perjudicial en la salud de Sasquia. La aparición de imágenes puramente paisajísticas a fines de la década de 1630, a veces explicó el hecho de que en este momento debido a la enfermedad de su esposa Rembrandt, junto con ella, había mucha ciudad. Retratos en la década de 1640, el artista escribe relativamente poco.
Saskovia van Eilenburg murió en 1642. Ella tenía solo treinta años. En el ataúd, ella parecía una animada ...
En este momento, Rembrandt trabajó en el famoso "Reloj Nocturno".
D OM-Museo de Rembrandt
MUSEO DE ARTE EN LA CALLE YOENNBESTRATRATRATRATA EN EL CAMINO JUJO DE ÁMSTERDAM. El museo abrió sus puertas en 1911 en la casa, que Rembrandt adquirió en la cima de la gloria en 1639 y en la que vivió antes de su quiebra en 1656.
Durante casi 20 años de vida (de 1639 a 1658), Rembrandt logró crear muchos trabajos excelentes, para ser famosos, para recopilar una colección única de pinturas y riarenes de todo el mundo, para adquirir estudiantes, para desperdiciar el estado de la primera. Cónyuge, pierde a los principales clientes, para hacer enormes deudas y dejar que la casa con un martillo.
Rembrandt también tuvo que vender la mayor parte de su lujosa colección de pinturas y antigüedades, incluidas las obras de grandes artistas europeos, los bustos del emperador romano e incluso la armadura de combate japonesa, además de moverse a una vivienda más modesta. Habiendo sobrevivido tanto a las esposas e incluso a su propio hijo, Rembrandt murió en la pobreza y la soledad.
Dos y medio siglo, en 1911, a las órdenes de Corree Wilhelmines, la casa se convirtió en un museo, que, en contraste, desde el Museo Van Gogh, es, en primer lugar, no una galería de arte, y apartamentos restaurados de la Gran artista: una enorme cocina en el primer piso, la recepción, la habitación del anfitrión y el dormitorio para los huéspedes, en la segunda, la habitación más grande de la mansión es el estudio, en el tercero, y en el ático, los talleres de sus estudiantes.
Fue posible restaurar el intercaleo con la ayuda de un inventario de bienes compilados por un notario al vender toda la propiedad del artista con subasta, y las pinturas del propio artista, en las que desplazó su casa.
Aquí puede ver sus pertenencias personales, muebles del siglo XVII y otras exhibiciones interesantes como una hermosa máquina grabadora o raras en el extranjero.
Casi todos los grabados de la Gran Rembrandt se exhiben en el Museo - 250 de 280, los magníficos autorretratos del artista, los dibujos que representan a sus padres, esposa e hijo de Tito, maravillosas vistas de Ámsterdam y sus alrededores.
Incluso el inodoro del museo requiere atención especial: allí puede ver los dibujos de Rembrandt sobre el tema apropiado: una mujer que cayó en los arbustos y un hombre de pie en una plantea característica de esta institución.
Rembrandt - Todo lo que necesitas saber sobre el famoso artista holandés. Actualizado: 13 de noviembre de 2017 por el autor: sitio web
República de Bashkortostan
Escuela de arte infantil número 2
Resumen sobre el tema:
Los Harmers Rembrandt Wang Rhine
Realizado Alumno 33 gr.
Pilyugin anna
Checked sevastyanova I. A.
UFA, 2007
1. Introducción
2. Biografía
3. Creatividad
4. Análisis del trabajo.
5. Conclusión
Introducción
Holanda en el siglo XVII fue uno de los países más ricos de Europa. En su capital, Ámsterdam fluyó productos de todo el mundo. Los comerciantes holandeses deshonestos y los banqueros querían obras de arte de arte para reflejar todas sus vidas. La pintura fue en ese momento el tipo de arte más impulsado y desarrollado. Cada pequeño y preocupante residuos consideró la pintura con la mejor decoración de su vivienda. Según las palabras, en las ciudades holandesas "Todas las casas estaban atrapadas con las imágenes". A pesar de que algunos artistas son en su mayoría retratos, otros son escenas de género, la tercera vida, los cuartos paisajes, todos trataron de representar la vida circundante, solo: sinceramente, simplemente, sin adornos. Lo lograron, y muchos de ellos estaban durante el siglo. Pero no importa cuán altos los pintores maestros de la región del siglo XVII, todo superó su gran artrembrandt Wang Rin, un pintor holandés, antestista y dibujante, el artista más grande de todos los tiempos y pueblos. Vivió en una era, cuando la mente ya hizo intentos de entusiasmo sobre la fe, cuando el derecho de fuerte desafió el derecho de rico, y los débiles y pobres estaban en desprecio y temblaron. El mundo se expandió en sus fronteras, gracias a los grandes descubrimientos geográficos y el estudio del universo, pero al mismo tiempo se unió a la escala de una casa privada o incluso una sola alma, porque la fe se anunció en privado, de ninguna manera. Afectando los procesos en la sociedad. A veces, la escala de un alma puede exceder la escala del universo, y entonces este alma es capaz de generar sus mundos, sus universos. Tales personas nacen una vez en un siglo, si no menos a menudo. Esa es la persona en la que vivió el universo, y no solo, fue Rembrandt. Es una gran sencillez increíble y la humanidad. La pintura de Rembrandt logró, como nadie delante de él, revele el mundo interno del hombre, sus complejas experiencias espirituales.
Rembrandt nunca ha estado rodeado de honores, nunca ha estado en el centro de la atención general, no se sentó en la vanguardia, sin poeta durante la vida de Rembrandt lo matando. En las celebraciones oficiales, en los días de los grandes festivales que se olvidaron de él. Y él no amaba y evitaba a los que fueron descuidados. La compañía habitual y favorita de ellos fueron los comerciantes, señores, campesinos, artesanos son la persona más fácil. Le encantaba visitar el Puerto Zucchini, donde los marineros, las ancianas, los actores errantes, los ladrones pequeños y sus novias se divierten. Se sentó con un reloj de placer allí, observando el bullicio y, a veces, dibujando personas interesantes, que luego soportaron a su red.
Biografía.
El 15 de julio de 1606 en Belmen Herris y su esposa Nelfge, Villex Wang Zeyitbrook nació el sexto hijo llamado Rembrandt. El molino estaba ubicado cerca del cruce del Rin, por lo que Harman Gerris comenzó a llamar a Wang Rin, y esto se suma al apellido y a toda la familia.
Padres, dando a Rembrandt una buena educación, quería que se convirtiera en un científico u oficial. Está estudiando en la escuela latina, y luego de 1620, en la Universidad de Leiden, que se va sin terminarlo. El dibujo del dibujo, que se manifestó de Ornamentario, lo llevó al taller al pintor local Jacob Wang Svanburg, quien enseñó a Rembrandt los conceptos básicos del dibujo y la pintura, presentados en la historia del arte. Estudió en sus tres años, Rembrandt en 1623 se mueve a Amsterdam y continúa sus estudios en el famoso pintor Peter LOXMAN (1583-1633). Pero el aprendizaje continuó solo seis meses. En 1624, Rembrandt regresa a Leiden y allí, junto con su otro, Jan Livenz abre su pintoresco taller.
Rembrandt estudia de los artistas del pasado y sus contemporáneos, dominando las técnicas de pintura y grabado. Estudia el arte de Italia en el elenco, los grabados, copias y percibe el comienzo humanista del arte italiano. A finales de 1631, Rembrandt, un famoso retratoitteista y autor de lienzos históricos, se mueve a Amsterdam, la ciudad comercial más grande. Una de las primeras pinturas escritas por Rembrandt en Ámsterdam, la bola de la pintura "Lección de anatomía del Dr. Tulp" (1632, Hague, Mauritzhais), relacionada con las tradiciones de un retrato de grupo. La imagen causó gran interés, y Rembrandt se convierte en uno de los jóvenes retratos más de moda de Ámsterdam.
En 1634, Rembrandt se casa con la antigua burgomista Leeuwarnen - Sasquia van Eilenburg, un patricio notable y rico. Equipado la imagen fue inmortalizada por Rembrandt en muchos retratos con extraordinaria ternura y amor. Este matrimonio nace el hijo de Tito, un niño De amor y alegría. En las obras de Rembrandt, también es afortunado y feliz, como en el matrimonio. Ordenó retratos en los retratos más ricos de la ciudad, las ricas corporaciones artísticas ordenan los retratos de grupos, el magistrado solicita escribir imágenes para diferentes temas, incluidos los religiosos, sus grabados se venden en las tiendas de las antigüedades más famosas. Él tiene muchos estudiantes. Rembrandt compra una gran casa de tres pisos en Brestratraat Street, donde tiene un taller, habitaciones residenciales e incluso una tienda. Deslizando la casa con cosas de lujo, el artista crea una rica colección, donde las obras de Rafael, Georgeon, Durera, Mantenía, Wang Eyki, grabado de Michelangelo, Titiana. Rembrandt recogió miniaturas persas, jarrones, lavamanos, bustos antiguos genuinos, porcelana china y japonesa, vidrio veneciano, tejidos orientales costosos, disfraces de varias naciones, tapices, instrumentos musicales.
A principios de los años 40, Rembrandt es un pintor popular y altamente pagado. Para los años 30, fueron escritos alrededor de 60 retratos personalizados. Él tiene unos 15 estudiantes. Una de las pinturas más famosas de Rembrandt de este período es "Dana" (1636-1646, San Petersburgo, ermita estatal). Comenzó a trabajar en la imagen en el período de la felicidad familiar, en el cenit de la gloria. Pero en los años subsiguientes, mucho cambiado: los tres hijos de Rembrandt mueren, después de unos meses, la amada esposa Saskovia (1642) murió, lo que deja a los jóvenes titus en sus manos. Pronto se decierra a su madre y sus hermanas. Después de la muerte de Saska, la vida de Rembrandt como si le diera una grieta que no se demoraría hasta sus días. En la década de 1650, tiene menos y menos órdenes. Las personas ricas ya no ordenan sus retratos, el magistrado no da fondos a pinturas para edificios públicos. En las iglesias de este tiempo, tampoco se requieren las pinturas, ya que el protestantismo derrotado en Holanda, se relaciona negativamente con el arte religioso. Los grabados de Rembrandt, hace unos años, tan bien vendidos, ahora no encuentran al comprador. Por un tiempo, Rembrandt, acostumbrado a vivir en una pierna ancha, vive aún, pero ya no es por los medios. Debido a las deudas pendientes, los acreedores presentan reclamos oficiales, buscan una decisión judicial para entrar en prisión. En 1656, por la decisión del Tribunal, el Ayuntamiento de Ámsterdam declara Rembrandt en un deudor insolvente, se realizó un inventario de propiedad, en 1656-1658 su venta tuvo lugar. El valor real de la propiedad del artista fue varias veces superior al tamaño de sus deudas: la colección se estimó en 17 mil guildrones. Sin embargo, se vendió en solo 5 mil, la casa fue evaluada dos veces más barata de su costo inicial. Pero no todos los prestamistas estaban satisfechos. Y el tribunal dictaminó que todas las pinturas que serían creadas por el artista deberían venderse a expensas del reembolso de la deuda, el Tribunal también privó a Rembrandt el derecho a tener propiedades, excepto las cosas cautelosas y los accesorios de dibujo, lo que significó una existencia de banca. En la campaña, las pertenencias del artista están incluidas en los familiares de Sasquia, con los cuales, durante la vida de Saskii, Rembrandt tenía conflicto, porque Argumentaron que el artista lavaba la condición de su esposa. Aunque en ese momento, Rembrandt adquirió su trabajo, una condición que excede la donación de su esposa, reunió una magnífica colección de valores artísticos. El famoso pintor que ha conocido la gloria y la riqueza, a cincuenta años resultó ser el pobre hombre, vive solo, olvidado por admiradores y amigos. Es cierto, todavía escribe mucho, pero todos sus lienzos toman inmediatamente a los acreedores ...
El consuelo en la posición en dificultades de Rembrandt, además de la pintura, se convierte en su segunda esposa Hendrikier STALC. Más bien, ella era su ama de llaves, y él vivió con ella, que se llama matrimonio civil. La sociedad puritana lo buscó rígidamente por esta "cohabitación". Los brazos no podían casarse oficialmente con ella, porque Según la voluntad de Saskovia Rembrandt, al concluir un nuevo matrimonio, sería privado del derecho a ser el guardián de la herencia de su hijo de Tito. Sin embargo, Hendrika no era solo una mujer económica, sino también una buena mujer, para el Titus, se convirtió en una verdadera madre. En 1654, ella dio a luz a Rembrandt Hija Cornelia. La imagen de Henderikier Stalffels también se captura en el lienzo de Rembrandt. Ella no es tan joven y hermosa como Saskovia, pero el artista mira a los ojos de amor, lo describe con un gran calor. Una vez más, la iglesia se desempeña con la condena de su cohabitación con Hendrik, su hija Cornelia es declarada ilegítima. La familia Rembrandt se traslada al barrio más pobre de Ámsterdam. El Tito después de la ruina del Padre para que su propiedad sea completamente inaccesible para los acreedores de Rembrandt, es una voluntad, en la que toda su condición deja a la hermana de Cornelia, y Rembrandt nombra a un tutor con el derecho de uso del dinero. A pesar de la posición difícil, Rembrandt sigue escribiendo.
En 1660 Titus y Hendrik, abre una tienda antigua, donde Rembrandt fue decorado con un experto. Y aunque por la decisión del Tribunal, recién escrito por las pinturas de Rembrandt, debería haber sido transferida a la gestión de los acreedores, un acuerdo de contratación para trabajar, le dio la oportunidad al artista para transmitir sus obras en una tienda de antigüedades. Esto le permitió a la familia aumentar sus ingresos y comprar una casa.
Los problemas no dejan de verter en el artista: en 1663, perdió su Hendrik favorito, Stalffels, que abandona el Titus una tienda antigua, y Rembrandtu, una ligera herencia. En 1668 - Son Titus muere. Solo su hija Cornellia permaneció con él, que en ese momento tenía 14 años. Rembrandt se convierte en un guardián de su hija Cornelia. Y, sin embargo, a pesar de todo, Rembrandt continúa escribiendo pinturas, corte grabaciones, pone todos los planes nuevos y nuevos.
En febrero, 1668 Titus se casó con Magdalene van Loo, pero pronto murió. Causó una huelga aplastante Rembrandt, y el 8 de octubre de 1669 muere en su hija de Cornel.
Creación.
La creatividad de Rembrandt, sin duda, el pico de la escuela holandés. Este maestro estaba solo entre las artes. Lo consideraron el "primer hereje en la pintura", aunque más tarde comenzaron a llamar "pequeños holandeses", para enfatizar lo molesto de su rembrandt.
La gran influencia en su trabajo fue proporcionada por el estilo barroco, se originó en el siglo XVII, pero la sofisticación, la pompa, la teatralidad enfatizada de este estilo estuvo lejos de la búsqueda Rembrandt. Fue fanático de la obra de Michelangelo Merisi Da Caravaggio (1573-1510), el fundador de la dirección realista en la pintura europea 17 V.
Rembrandt escribió lo que se observó en la vida, y todo lo que representaba, convirtiéndose en la poética de una persona. Este milagro hizo un cepillo del gran maestro. Un semirraque prevalece en el cinematografía, y la suave luz dorada se destaca desde el final. Las pinturas, como si se calientan con un calor interno, parpadean como
piedras preciosas. El mismo lugar en el trabajo de Rembrandt ocupa un tema religioso, es aquí donde se manifiesta el Maestro del Maestro. La principal fuente de inspiración para Rembrandt fue la Biblia. Incluso cuando las pinturas en temas religiosos no estaban en demanda, el artista los escribió por sí mismo, porque experimentó una necesidad real. En estas pinturas, su alma está encarnada, su oración, su profunda lectura del Evangelio. El horrorista leyó la Biblia en su idioma nativo, que no se distingue por la gracia. Él la trepa de forma clara y cercana a los contemporáneos, personas de la vida simple y la fe simple. Tal HVE en el que nació el Salvador en cada pueblo holandés. El templo de Jerusalén, donde el anciano Simeon toma sus propias manos, recuerda a las antiguas catedrales de Ámsterdam. Y todos los personajes de sus pinturas bíblicas, e incluso ángeles, como burgues y campesinos, que se pueden encontrar en todas partes de este país.
En la forma del artista a lo largo de los años, la ligereza se está volviendo cada vez más importante, con la ayuda de los cuales coloca acentos espirituales y emocionales, en todas partes, la luz es la "personaje principal" de las pinturas y la clave de la interpretación de la trama. Se interesa en la esencia oculta de los fenómenos, el complejo mundo interno de las personas. En 1648, escribe la imagen de "Cristo en Emaús", donde la luz está creando un ambiente emocional tenso. "El comercio de exiliados del templo" fue escrito por Rembrandt a los veinte años. Algunas características de este taller hablan sobre la inexperiencia de un maestro novato, aunque gran parte de las obras maestras más futuras. No es difícil notar a profesionales en la imagen: errores en Perspectiva y en proporciones. Sin embargo, la selección de la trama es independiente. Las aspiraciones de un joven pintor. Contrariamente a la apego de la habilidad de los pintores holandeses al género doméstico, dibuja una imagen cistórica a la parcela bíblica y lo escribe. con una inusual para las pasiones de la pasión dramática "pequeña escala". Los estados emocionales extremos son recreados en el lienzo, el miedo, el horror, la ira, el testimonio de una maravilla anticipada de un artista interesante en el mundo interior. Es un pocas grotesquecencia de manifestaciones mentales y fue el punto inicial en el Passimbrandt creativo, lo que lo llevó más tarde al descubrimiento de un alma de vida multifacética.
Con todo lo que el lenguaje pintoresco de Rembrandt es sorprendentemente delgado y sofisticado, el artista está logrando increíbles matices de colores, juegos de luz y sombra, construye magistralmente la composición. Los tipos de sus pinturas son deliberadamente comunes, pero sus sentimientos y experiencias son profundos y elevados. Este contraste da la imagen de la singularidad maestra. El refinamiento especial Rembrandt alcanza en la tabla. Aquí busca las increíbles sutilezas de la línea y la carrera, pero esto es solo un medio para la penetración profunda en la parcela. Esencialmente Rembrandt, el creador de grabado, pero después de él rara vez alguien logró transmitir con seguridad el estado espiritual de los héroes. Tema bíblico y aquí es el principal. Las opciones gráficas para las parábolas sobre el hijo pródigo se ven afectadas por la pendiente del drama y afectan al espectador que no son menos que la famosa tela pictórica sobre este tema.
Los pinturas y grabados de Rembrandt son mucho más conocidos por el público, en lugar de que sus dibujos permanecen durante mucho tiempo del tema de un pequeño círculo de coleccionistas y expertos. Mientras tanto, Figigrmbrandt-dibujante no es inferior a Rembrandt-Pinter o Reservoir. Los dibujos del maestro, conservados en una gran cantidad, alrededor de 1700 listas, conforman la región autónoma de su trabajo. Y una de las peculiaridades muy altas de los dibujos de Rembrandt es poder promover al espectador con un testigo y un cómplice del nacimiento de un maestro de pensamiento artístico. Un pequeño boceto de "mujer con un niño" pertenece al número de tales hojas. Ejecutado por una pluma de caña, conserva toda la libertad y la inmediatez del boceto instantáneo de la naturaleza o por la memoria cuando las manos de la entrega apenas ocurre con el esquema de las líneas principales.
Las últimas obras del maestro se ven afectadas por la profundidad de estilo, la profundidad de la penetración en el mundo interior de las imágenes, los efectos en blanco y negro se mejoran aún más, convirtiendo el lienzo al parpadear como las gemas de la pintura. El gráfico de Rembrandt también alcanza los increíbles vértices de habilidad.
A menudo, a menudo escribe autorretratos, mirándolos, como en el espejo, tal vez, tratando de desentrañar su propio destino o comprender el diseño de Dios, lo que lo lleva por la vida. Los autorretratos de Rembrandt no son solo la parte superior de su creatividad, no tienen análogos en la Galería Global de Retratos. En los Autoports de los últimos años, una persona aparece heroicamente transporta pruebas pesadas y amargura de la pérdida. Como retratista, fue el creador de un género peculiar de biografía de retratos, donde se reveló la larga vida de una persona y su mundo interior en toda su complejidad y contradicciones. El trabajo de Rembrandt de las 1650 se observa principalmente por los logros en el área de retratos. Externamente, los retratos de este período difieren, como regla general, en un tamaño grande, formas monumentales, pasteles tranquilos. Los modelos suelen estar sentados en sillas profundas, poniendo una mano de rodillas y girándose hacia el espectador. Luz resaltada cara y cepillos de mano. Estas son siempre las personas mayores, moldeadas de ancianos y ancianas con el sello de los tristes dientes de las caras y el trabajo duro en sus manos. Tales modelos fueron dados por las oportunidades brillantes del artista para mostrar no solo los signos externos de la vejez, sino también la apariencia espiritual del hombre. En retratos extraordinariamente emocionantes y penetrados de Rembrandt, como si sintieras una persona viva, la vida. Representando a sus seres queridos, amigos, mendigos, ancianos, cada vez que pasó con una increíble desgracia.
Análisis del trabajo.
1. “ Regreso del hijo pródigo ”
A mediados de la década de 1660, Rembrandt completa su trabajo más sincero "retorno del hijo pródigo". Se puede ver como un Will Rembrandt-Man y Rembrandt-Artist. Es aquí donde Rembrandt sirvió toda su vida, encuentra la realización más alta y perfecta. Y es en este trabajo que nos reunimos con toda la riqueza y una variedad de técnicas pintorescas y técnicas que desarrollaron un artista durante muchas décadas de creatividad. Los desgarrados, agotados y pacientes que se preguntaron su estado y abandonados por amigos, el hijo aparece en el umbral de la casa y aquí, en los brazos del Padre, encuentra el perdón y la consolación. La alegría brillante inmérica de estas dos personas mayores que perdieron todo tipo de esperanzas de una reunión con su hijo, y el hijo abrazado por la vergüenza y un arrepentimiento, escondiendo cara al pecho de su padre, constituyen el contenido emocional principal del trabajo. Silencio, sorprendido, congelado a los testigos involuntarios de esta escena. El artista se limita a sí mismo en color. En la imagen, los tonos dorados-rojos, kinovarko-rojos y negros y marrones están dominados con la infinita riqueza de las mejores transiciones dentro de este pegajoso gamma. En la aplicación de pinturas sobre lienzo, el cepillo y una espátula, y se involucran chuletas del cepillo; Pero este rembrandt parece insuficiente. Pone las pinturas en lienzo directamente con su dedo (por lo que se escribe, por ejemplo, el talón de la pierna izquierda del hijo pródigo). Debido a la variedad de técnicas, se logra una mayor vibración de una superficie colorida. Las pinturas se queman, luego brillan, se arrastra, luego, como lo fue, haz desde el interior, y no hay detalles, ni siquiera, incluso la esquina más insignificante, de la lona deja al espectador indiferente. Sólo el hombre y el gran hombre y el gran hombre que lo hicieron mucho, que hicieron mucho, podría crear este ingenioso y sencillo trabajo. En la "regreso del hijo pródigo", no pasa nada y nada se pronuncia. Todo fue dicho, de forma inigual, sentada y con amor, en los años de larga expectativa, pero hay una alegría de reunirse, tranquilo y brillante ... "El regreso del hijo pródigo" fue la última gran obra del Maestro. 2. “ Dana ”
Cuando el rey de la antigua ciudad griega de Aros aprendió sobre la profecía, según la cual estaba destinada a morir de la mano de Son Danai, su hija, la concluyó en la mazmorra y la llevó a su criada. Sin embargo, Dios penetró a la Danae en forma de lluvia dorada, después de lo cual dio a luz al hijo de Perseo.
La pintura "Dana" Rembrandt comienza a escribir en 1636, 2 años después de su matrimonio en Saskoviy Van Eilenburh. El artista ama suavemente a su joven esposa, a menudo lo describe en sus pinturas. No hice una excepción y "Dana", escrita por Rembrandt, no a la venta, sino para su hogar. La pintura permaneció con el artista hasta la venta de su propiedad en 1656. Durante mucho tiempo, seguía siendo un misterio, por qué la similitud con Saskius no es tan obvia, como en otras imágenes del artista de la década de 1630, y el estilo utilizado por él es más como la creación del último período de su trabajo. Solo relativamente recientemente, a mediados del siglo XX, con la ayuda de la radiografía, fue posible encontrar una respuesta a este enigma. En las radiografías, la semejanza con la esposa de Rembrandt es más pronunciada. Resulta que la imagen se cambió después de la muerte del cónyuge del artista (1642), mientras estaba en relaciones íntimas con las histales Diriges. Las características de Dama en la imagen fueron cambiadas de tal manera que combinaron a ambas mujeres favoritas del artista. Además, la radoscopia mostró que la lluvia dorada estaba presente en la imagen inicial, vertiendo para dar, y su mirada se dirigía hacia arriba, y no al lado. Ángel en la cabecera era una cara de risa, y la mano derecha de una mujer se volvió la palma.
En la imagen, una joven mujer desnuda en la cama está iluminada por una luz solar que fluye que fluye a través de un catering cambiado por la criada. La mujer levantó la cabeza sobre la almohada, estirando su mano derecha hacia la luz, tratando de sentirlo con su palma. Su aspecto de gulling se aborda hacia la luz, los labios tienen un apagado ligeramente en una media jalea. El peinado confundido, la almohada salvaje: todo dice que durante un minuto, divirtiéndose en la nonya desafortunada, la mujer observó dulces sueños en su lujosa cama. Danae recibió una característica psicológica en profundidad y gamma contradictoria de sus sentimientos y experiencias. "Dana", debido a que reveló el mundo interno de una mujer, todo el complejo y controvertido gamma de sus sentimientos y experiencias. "Dana", por lo tanto, un ejemplo concreto visual de la formación del famoso psicologismo de Rembrandt. La pintura "Dana" es reconocida como una de las mejores obras del artista. 3. “ Lección de anatomía Dr. Tulp ”
Se conoce la personalidad de dos personas en este retrato. Uno de ellos es el Dr. Nicholas Tulp, quien muestra el gonum de la musculatura de la mano humana. El otro es el cadáver: Aris, en el bebé apodado, su nombre actual fue Adrian Adrianzon. El hombre muerto hirió en el Utrecht de la protectora de la prisión y golpeó y le robó a un hombre en Amsterdam. Para eso, el 31 de enero de 1632, fue ahorcado y transferido a la autopsia pública Amsterdam Guild.
Tales lecciones anatómicas abiertas fueron comunes no solo en los Países Bajos, sino también en toda Europa. Pasaron solo una vez al año, generalmente en los meses de invierno para que el cuerpo se conservara mejor, estábamos solemnes y nos duramos como una regla durante varios días. La audiencia fueron colegas en el taller, los estudiantes, los queridos ciudadanos y los ciudadanos comunes.
Retrato de grupo del gremioLa autopsia tuvo lugar en los teatros anatómicos que tenían una forma redonda con las filas arriba. La mesa con el cuerpo, de pie en el centro del teatro, fue muy visible desde cualquier lugar. Sobre Amsterdamsky Teatrum anatomicum. Un poco conocido, Rembrandt solo lo designó en su lienzo. La habitación llena de espectadores se puede representar en el sitio del observador.
Tulp tiene un sano más alto en comparación con otros caracteres, es uno representado en la imagen en un sombrero. Lo más probable es que el resto del compañero en el taller no tenga educación académica. Tal vez cofinanciaron esta foto, un retrato de grupo sirvió como el guante del gremio del gremio que se muestra en él.
Rembrandt retrató a los personajes en su lienzo que no sean sus predecesores. Como regla general, fueron representados por filas sentadas y miraron al cuerpo, pero justo en el espectador. El artista representa a los cirujanos en el perfil o la mitad y los agrupó en forma de pirámide, y el personaje principal no se encuentra en su parte superior.
Además, intencionalmente enfatiza el interés genuino de los que se reunieron. Dos personas se inclinaban hacia adelante, su postura y sus puntos de vista indican que ciertamente quieren ver todo lo más cerca posible y con mayor precisión, mientras que apenas creía en el hecho de que ambos cirujanos estaban realmente fascinados por el acto ceremonial e intentan apagar su interés científico. Es poco probable que la sesión ensamblada esté tan cerca del sitio, Rembrandt concentró lo que estaba sucediendo en un espacio estrecho, rodeando al hombre muerto en tensiones y vida.
Autopsia
Es sorprendente que la autopsia comience con las manos. Por lo general, los cirujanos abrieron por primera vez la cavidad abdominal y sacaron los órganos internos. 24 años después, Rembrandt escribió una conferencia en la anatomía de la anatomía de Dr. Deiman "en la que se representa el cuerpo con una cavidad abdominal abierta, de acuerdo con los cánones existentes.
Esto podría ser explicado por dos razones. El primero es el homenaje a Andreas Vesalia, el fundador de la anatomía moderna, que se hizo famoso gracias al estudio de la anatomía de su mano. El segundo, retratando la mano, el artista podría más fácil llevar un mensaje religioso a la imagen. También a medida que los tendones conducen la mano, dando a Dios por las personas. Se suponía que la ciencia debía demostrar a las personas del poder de Dios.
Dr. Nicholas Tulp
El Dr. Nicholas Tulp fue realmente llamado Klaus Pieterzon, nació en 1593 y murió en 1674. El apellido Tulp se origina en la casa de los padres, donde había subasta por la venta de colores.
Tulp pertenecía a la parte superior de la sociedad de Ámsterdam, varias veces era Amsterdam Burgomistrome. Durante la escritura del lienzo, entró en el Ayuntamiento y fue un preestablecido (presidente) del Gremio de Cirujanos. Tulp fue un practicante en Amsterdam, la anatomía fue una de las regiones en las que se especializó. Rembrandt destacó su posición especial al apartarlo a un lado de los cirujanos sentados firmemente entre sí. Además, el artista representa un tulp de la única en el sombrero, en la sala para tener una apelación para usar un tocado siempre fue un signo de pertenencia a la sociedad superior.
Cuerpo aris un poco
Los artistas para Rembrandt generalmente representaban la cara de la bufanda cubierta tardía o de pie frente a él. Se suponía que los observadores olvidaban que había una persona que estaba desmembrada en sus ojos. Rembrandt se le ocurrió una solución intermedia: retrató la cara a medias con sombra. Típico para el juego Rembrandt en el contraste de la luz y la sombra, como si en el crepúsculo puedas ver ombra Mortis. - La sombra de la muerte.
Aunque el Dr. Tulp y el carácter central, el cuerpo de Aris Kinda ocupa un área grande en el lienzo. La luz principal también se está cayendo en ella, su desnudez y la secuela lo distinguen de las personas representadas en la imagen. Parece que Rembrandt solo luego retrató de cerca a los cirujanos y dio tal dinámica del lienzo para enfatizar la misma maldad del cuerpo, para hacerlo muerto.
Conclusión.
La herencia creativa de los maestros es enorme, Rembrandt fue increíblemente operativa: crearon más de 250 pinturas, 300 grabados y 1000 dibujos. El artista murió en una pobreza, pero después de la muerte de su trabajo comenzó a ser valorada extremadamente cara.
El trabajo de Rembrandt tuvo un gran impacto en el desarrollo del arte visual global. Sus obras son hoy en muchos museos del mundo y colecciones privadas. Y en Holanda, el cumpleaños de Rembrandt, el 15 de julio, se celebra como un día festivo nacional.
El artista levantó el arte visual de una nueva etapa, lo enriqueciéndolo con sin precedentes.
Vitalidad y profundidad psicológica. Rembrandt creó un nuevo idioma pintoresco en el que se desempeñó el papel principal con técnicas de iluminación y saturadas.
sabor emocionalmente estresante.
Rembrandt HARLENS WANG RHINE (BAROQUE)
Rembrandt nació en Leiden, en la familia de un propietario bastante rico del molino. Primero, estudié en la escuela latina, y luego por un corto tiempo en la Universidad de Leiden, pero lo dejé por pintar primero de un pequeño maestro local conocido, y luego en el artista de Ámsterdam Peter LOXMAN.
Después de un breve estudio, Rembrandt se va a que su ciudad natal se involucre independientemente de la pintura en su propio taller. Este es el momento de convertirse en un artista cuando le gustaba la obra de Caravaggio. Durante este período, escribe muchos retratos de miembros de su familia: madre, padre, hermanas y autorretratos. Ya en este momento, presta especial atención a la cobertura y la transferencia de experiencias espirituales de sus modelos. A un joven artista le gusta vestirlos en varias ropas, drapero en hermosas telas, hermosas transmitiendo su textura y floración.
En 1632, Rembrandt se va a Amsterdam, el centro de la cultura artística de Holanda, quien atraía naturalmente a un joven artista. Aquí se llega rápidamente a la fama, tiene muchos pedidos. Al mismo tiempo, mejora su habilidad con la inspiración. Los años 30 - el tiempo de la gloria más alta, el camino a lo que se descubrió para la pintura de su gran pintura personalizada "Lección de anatomía". Todas las posturas y acciones en la imagen son naturales, pero están privadas de exceso de naturalismo.
En 1634, Rembrandt se casa con una chica de una familia rica: Saskiy Van Eileborh, y de este poro se metió en los círculos patricios. Comienza el momento más feliz de la vida del artista: el amor apasionado mutuo, el bienestar material, la masa de órdenes. El pintor a menudo escribe a una joven esposa: "Flora", "autorretrato con rodillas Saskovy". Pero la felicidad duró no mucho. En 1642, Sasquia murió, dejando al pequeño hijo de Tito.
La depresión moral y la pasión maestra de Rembrante por recoger gradualmente lo llevó a la ruina. Esto contribuyó al cambio en los gustos del público, llevado cuidadosamente registrado con cuidado con la pintura ligera. Rembrandt, nunca inferior a los gustos de los clientes, estaba interesado en los contrastes de la luz y la sombra, dejando la luz en un momento, el resto de la imagen estaba en la sombra y en la mitad. Los pedidos obtuvieron menos. Nueva novia Su vida Hendrikier Staffels y su hijo Titus fundaron el artista sobre la trata de pinturas y antigüedades. Pero sus esfuerzos eran vanos. Los casos fueron peores. A principios de 1660, Hendrik murió, y la quercha durante varios años y Titus.
Sin embargo, a pesar de todo, el artista sigue funcionando. En estos años particularmente difíciles, crea una serie de maravillosas obras: "Sindical", "retorno del hijo pródigo", que afecta al drama interno.
El artista más grande murió en la pobreza extrema el 4 de octubre de 1669. Los contemporáneos se reaccionaron fríamente a esta pérdida. Tomó casi doscientos años asegurarse de que el poder del realismo de Rembrandt, la psicología profunda de sus lienzos, las increíbles habilidades pintorescas elevaron su nombre del olvido y se pusieron en varios de los mejores nombres del mundo.
Devolución del hijo pródigo (1668-69)
Una de las últimas pinturas de Rembrandt. Este es un drama psicológico profundo. En un lienzo con una fuerza impresionante, un llamado a la humanidad profunda, la aprobación de la comunidad espiritual de las personas, la belleza del amor parental.
Aquí hay una parcela bíblica sobre un hijo perturbado, después de un largo recorrido que regresó a la casa del Padre. Toda la habitación está inmersa en la oscuridad, solo el padre y el hijo están brillantemente iluminados. El Hijo con una cabeza ridícula del convicto, en trapos, con un talón desnudo, con el que cayó un zapato holeoso, cayó de rodillas y presionó a su padre, ocultando su rostro en su pecho. El viejo padre, cegado de la pena en anticipación de su hijo, sintiéndolo, lo reconoce y lo perdona, bendición.
El artista de forma natural y sincera transmite todo el poder del amor paternal. Cerca, hay figuras detalladas de los espectadores, expresando sorpresa e indiferencia, estos son miembros de la sociedad, que se corrompieron por primera vez, y luego condenaron al hijo pródigo. Pero el amor paterno triunfa sobre su indiferencia y hostilidad.
El lienzo se volvió inmortal gracias a los sentimientos universales, expresados \u200b\u200ben él, el amor de la revisión sin fondo, la amargura de las decepciones, las pérdidas, las humillaciones, la vergüenza y la pastelería.
VOLVER DEL HIJO PRODUO (1668-1669) -FRAGMENTO
Dana (1636)
Este es el mejor producto de Rembrandt de los años 30.
La imagen está dedicada al tema eterno del amor. La trama sirvió como un mito sobre la hija del rey Akrismia Dana. Oracle predijo un acre que moriría de su nieto. Entonces el rey everye afiló a su hija a la torre. Pero el todopoderoso Zeus se convirtió en una lluvia dorada y, en tal forma, entró en Dana y se convirtió en amada. Tenían un hijo de Perseo, y luego, de nuevo, en las órdenes de la subritisia, se dio junto con su hijo en la caja, se lanzó al mar. Pero el hecho y su hijo no murieron.
El artista representa el momento en que Rana espera felizmente a Zeus. La criada del anciano mueve la cortina de su cama y la resistencia dorada vierte en la habitación. Dana, en la premonición de la felicidad, criado hacia la lluvia dorada. La colcha estaba durmiendo y que no estaba expuesta, ya no era un joven, el cuerpo de aparejo, distante de las leyes de la belleza clásica. Sin embargo, sobore la verdad vital, la redondez suave de las formas. Y aunque el artista se refiere al tema de la mitología antigua, la imagen está claramente escrita en el espíritu del realismo.
Danae - fragmento
Artemisa (1634)
Artemisa (Artemisa) - La hija de Zeus y el verano, la hermana de Apolo. Originalmente venerado como la diosa del mundo animal y vegetal. Ella es la "dama de las bestias", Tavropol (protector de toros), Limnathis (Bolotnaya), un oso (en este aspecto que adoraban en Bavron). Más tarde, la diosa de la caza, las montañas y los bosques, la patrona de lo femenino. Artemis ha crecido la virginidad eterna para sí mismo de Zeus. Sesenta oceanidos y veinte hymif eran sus compañeros permanentes en la caza, participantes en sus juegos y bailes. Su función principal es la protección de las costumbres establecidas, los sacrificios de los dioses, por la violación de la que es cruelmente punible: es un nombre terrible en el reino de Kalidon, el rey del Admita es una serpiente mortal. Ella protege al mundo animal pidiendo la respuesta de Hercules que mataron a la Kerine Lan con cuernos de oro, y exige un sacrificio sangriento para el sacrificio asesinado a Agamenón: su hija Ifigne (en el altar sacrificial de Artemisa reemplazado en secreto por Tsarevna Lanya, e Infeñan Su sacerdotisa). Artemisa - castidad defensor. Ella patrocina el Polyith de IPP, que desprecia el amor, convierte al Acton, quien accidentalmente vio a la diosa del desnudo, en un ciervo, a quien estalló sus propios perros, y Nimif Kalipso, violando el voto, en el Medveditsa. Tiene una decisión, no tolera la rivalidad, utiliza sus flechas femeninas como un instrumento de castigo. Artemis, junto con Apollo, destruyó a los hijos de las naciones, que estaba frente a los dioses de la madre de Dios con su familia con hijos y hijas familiares; Su flecha golpeó a Orión, se aflojó para competir con la diosa. Como diosa de la vegetación, Artemis está asociado con la fertilidad. Este culto se extendió especialmente en Éfeso (Small Asia), donde se construyó el templo de Artemis Ephesus en su honor (una de las "Siete Wonders of the World"), quemada por HeroStratom. Artemis fue venerado aquí como un alimentador de Diosa, "múltiple"; Ella es la patrona de las amazonas. Artemis fue adorado como una diosa de la guerra. En Sparta, frente a la pelea, la diosa trajo una cabra, y en Atenas anualmente en el aniversario de la batalla de Marathon (septiembre a octubre), se penalizaron quinientas cabras. Artemis a menudo se cerró de la diosa del mes (ovejas) o la diosa de la luna llena (selenio). El mito de Artemis-Selena, enamorado de la guapo de un endimión, quien deseó la eterna juventud e inmortalidad y los recibió en un sueño incompleto. Cada noche, la diosa se acercó a la Grota de la Latm Carian Mountain, donde el joven durmió y admiró su belleza. El atributo de la diosa: cargándose detrás de su espalda, en manos de un arco o antorcha; Ella está acompañada de una LAN o una caza de hoyos. En Roma, Artemis se identifica con la Deidad Diana local.
Abraham y tres ángeles
A Abraham y su esposa, Sarre era Dios en la imagen de tres viajeros, tres hermosos jóvenes (Dios-Padre, Dios-Hijo y Dios Santo). Los cónyuges mayores tenían una generosa hospitalidad. Habiendo aceptado el trato, Dios anunció a los cónyuges un milagro: a pesar de la vejez profunda, tendrán un hijo, y la gente del mundo será bendecida de él, y todos los pueblos del mundo serán bendecidos.
Autorretrato con Sasquia (1636)
¡Todos los lienzos impregnados con Frank Sabor! El autorretrato representa a los cónyuges para una fiesta alegre. Rembrandt, enorme en comparación con su esposa delgada, mantiene sus rodillas y levanta la taza de cristal del vino espumante. Parecen ser capturados por sorpresa, en un entorno íntimo de golpear sobre el borde de la vida.
Rembrandt, en un rico traje militar con un aderezo y un rapoque dorado, se parece a algún tipo de zapato, divertirse con una niña. No confunde que tal pasatiempo puede considerarse un signo de mal tono. Solo sabe que su esposa es amada, y por lo tanto es hermosa en sus lujosas tropas, una falda de seda, un magnífico entres mar y un precioso collar y que todos deben admirarla. No tiene miedo de parecer vulgares ni vanos. Vive en el reino de los sueños y la alegría, lejos de la gente, y no se le ocurre a él que se puede alquilar. Y todos estos sentimientos se transfieren a la simplemente la expresión de la cara brillante del propio artista que ha logrado como si todos los bienes terrenales.
La imagen expresa la alegría de la vida, la conciencia de la juventud, la salud y el bienestar.
Novia judía (1665)
Rembrandt escribió mucho en los temas de las historias bíblicas, y todos estaban en camino, actualizado por contenido. A menudo, escribió imágenes contra la lógica: iluminación, pintura, todo es solo en su representación. El mismo artista de independencia explota de una manera para usar sus personajes. Él los vistió en túnicas extrañas, tanto Saskovia, como Junon, y otras ... lo mismo con una pareja en la pintura "Novia judía". El nombre es extraño, porque la lona representa una pareja casada, y la esposa está embarazada. En el contexto de una vegetación poco clara, se adivina una parte de una pared grande y un paisaje urbano. Chet en ropa roja y dorada de pie frente al pilastro. Dos caras y cuatro manos, un hombre se inclina hacia una mujer, la mirada que se dirigió a sí mismo, a sus pensamientos. Su mano derecha sosteniendo flores, descansando sobre el estómago. En la cara, confiando en la gravedad del cónyuge, ocupada solo por la presencia de una vida más en sí mismo. Un hombre abraza su mano izquierda sobre sus hombros. La mano derecha se encuentra en el vestido en el nivel del pecho, donde la mano izquierda de una mujer viene con ella. Los dedos se tocan entre sí. Toque ligero. Un hombre mira la mano de una mujer que tocó la suya.
Flora
Flora - diosa italiana de flores, juventud. El culto de la flora es uno de los cultivos más antiguos de Italia, especialmente la tribu sabiniana. Los romanos identificaron la flora con cloruro griego y celebraron su honor en la primavera llamada floral, durante la cual hubo juegos divertidos que ocasionalmente ocasionalmente ocasionalmente. La gente se decoró y los animales con flores, las mujeres se ponen vestidos brillantes. En el arte antiguo, la flora retrató a una mujer joven con flores en sus manos o flores de dispersión.
Frederick Rigel en Kone (1663)
Antes de nosotros hay un retrato de desfile típico. Rigel era un comerciante exitoso, hecho de papel y libros impresos. Un tipógrafo rico fue acompañado por el príncipe Orange en 1660 en Ámsterdam, y tal vez se ordenó el retrato en memoria de este evento. Con un lienzo oscuro nos mira, chirriéndonos en el caballo. Él está en una ropa lujosa costosa, pero no prefigurada. Su rostro irradia la mente, la autoridad y la autoestima.
Cristo y pecador
En la lona, \u200b\u200brepresenta una reunión de Cristo y un pecador en el extenso espacio lleno de personas, cuya inmensidad fortalece las partes arqueadas de las paredes, que causan el techo. Todo está inmerso en la oscuridad, solo la figura de Cristo y una mujer joven está encendida. En esta lona, \u200b\u200bRembrandt se acercó primero a la solución no convencional de la escena bíblica, que con una secuencia increíble, se firmarán otros artistas.
Jacob Fights Angel (1659)
Uno de los episodios más misteriosos del Antiguo Testamento. Cuando Jacob sigue siendo uno, alguien aparece (es costumbre ser su ángel) y lo lucha contra ella toda la noche. Ángel no puede derrotar a Jacob, entonces se refiere al núcleo de la cadera y lo duele. Sin embargo, Jacob está reduciendo la prueba y recibe un nuevo nombre, Israel, que significa "uno que lucha a Dios y vencerá a las personas". Es por eso que la pose de James y un ángel, bastante abrazados, en lugar de luchar.
Reloj nocturno (1642)
Este es un retrato de grupo de Rembrandt "Discurso por la compañía Rifle Captain France Bannang Coca y el teniente Villem Van Talateitbürga". La imagen fue escrita en el orden de la Sociedad de Rifle, el destacamento de la Militia Civil de los Países Bajos. En el siglo XVIII, el lienzo se cortó de todos los lados para hacer la imagen en la nueva sala del museo. La parte izquierda de la pintura fue herida, donde desapareció dos flechas. (Incluso después de la circuncisión, la imagen es una de las más grandes del museo). La imagen tres veces intentaba dañar o destrucción. El artista retrató a los mosqueteros que abandonan el patio oscuro a través del arco en la plaza asperjada del sol. El gusto transfirió el juego de la luz y la sombra característica del estilo del Gran Rembrandt. Retratio el momento en que el Capitán Kok dio órdenes sobre el discurso por el teniente Ratetbürgu, y todo entró en movimiento. La incesma despliega el pancarta, el baterista golpea la fracción, el perro está ladrando, el niño se escapa. Incluso los detalles de la ropa de los tiradores se están moviendo en la imagen. Además de 18 clientes, el artista artista llenó la tela a dieciséis caracteres. El valor de estos caracteres, así como muchos caracteres en la imagen conocidos solo para Rembrandt.
Cegador
Sansón - Héroe de las tradiciones del Antiguo Testamento, dotado de una increíble fuerza física. Toda su vida se vengó de los filisteos por la traición de su novia en un día de boda. Sin embargo, era filistina, y ahora su amante es la Filistena Dalila. Los gobernantes filistones lo sobornaron a ella la fuente del poder de Sansón y se enteró donde su lugar débil. Dalila intentó tres veces para traerlo de Samson, y tres veces la engañó, entendiendo lo que se logró. Pero después de todo, al final, con la ayuda de trucos femeninos, Dalila lo convenció en su amor y devoción, y lo abrió de que su fuerza se va a que su cabello estaba roto. Ella le contó a sus compatriotas y por la noche, cuando Samson dormía, se encogió de hombros. ¡Despertando en Creek Dalili "Filistines sobre usted, Samson!", Sintió que la fuerza lo dejó. Luego, los enemigos cegaron a Sansón, encadenados en las cadenas y se obligaron a rotar los molinos en la mazmorra de Gaza. Pero el cabello de Sansón gruñó gradualmente, y su fuerza fue devuelta ... Para disfrutar de la humillación de Sansón, los filisteos lo llevan a unas vacaciones en el templo de Dagón y se burlan de la multitud. Samson solicita una guía: una guía para llevarla a la columna del templo para confiar en ellos. Ascendiendo la oración de Dios, Sansón, quien nuevamente sintió su fuerza, cambia dos pilares medio del templo, y con la exclamación "¡Sí, mi alma, junto con los filisteos!", Asegura todo el edificio del templo en el recolectado. Entonces, en el momento de su muerte, Sansón arruinó más enemigos que en toda su vida ...
War Valtasar (1635)
En la mitología de la Biblia, Valttsar fue el último rey babilónico, la caída de Babilonia está conectada con su nombre. A pesar del asedio de la capital, el kirome, el rey y todos los habitantes, que tienen un rico stock de productos, podrían ser descuidados para disfrutar de la vida. Con motivo de unas vacaciones menores, Valstasar organizó una magnífica fiesta, que fue invitada a miles de nobles y cortesanos. Los tazones de escritorio servían a los preciosos vasos seleccionados por los conquistadores babilónicos de diferentes pueblos conquistados, por cierto, y los vasos caros del templo de Jerusalén. Al mismo tiempo, según las costumbres de los antiguos paganos, los dioses babilónicos fueron glorificados, que siempre fueron victoriosos y siempre serán victoriosos, a pesar de todos los esfuerzos de Kira y sus aliados secretos, judíos, con su Jehová. Pero aquí, en medio de una pluma en la pared, una mano humana se manifestó y lentamente comenzó a escribir algunas palabras. Al verla, "el rey ha cambiado en su rostro, sus pensamientos estaban confundidos, las conexiones de la cresta se debilitaron, y se arrodilló la una en punto, comenzó a golpearlo del horror". Las personas sabias diseñadas no pudieron leer y explicar la inscripción. Luego, por consejo de la reina, el profeta anciano Daniel fue invitado, quien siempre mostró una sabiduría extraordinaria. Y realmente leyó la inscripción, que en el idioma aramaista estaba leyendo brevemente: "Mene, Tekomel, Uasin" significaba: "Mene - Dios calculó tu reino y le puso fin a él; TEKEL - Tú suspendido y encontrado muy fácil; Uasin - Dividido el reino es tuyo y dividido por medio de medio y los persas ". Esa misma noche, continúa la narración bíblica, Valtasar, King Cheldean, fue asesinado.
Retrato de Henderikier Stalffels (OK.1659)
Después de la muerte de Saskovi en la vida de Rembrandta, entró otra mujer, una modesta criada de Hendercier Stalchfield, quien golpeó la soledad del asistente. A menudo la escribió, pero en los nombres de la obra, donde sirvió como modelo, nunca mencionó su nombre.
Retrato de Sasquia en Custlian Traje (1638)
En este trabajo, el artista expresa su actitud hacia su esposa. Se representa en un lienzo oscuro rodeado de brillo de oro. Una cara suave adorable se congeló en la expresión de la espera: mientras que escribe la pintura Saskovia estaba embarazada de su primer hijo, lo que poco después del nacimiento murió. Cubierta exuberante del cabello dorado envuelto con hombros desnudos. En el aro que apoya el cabello, como Perú, atascó una rama de alguna planta. Mangas libres de vestidos de casa Formulario Bizarre pliegues. Con una mano, se basa en el personal de las vides de uva, el segundo sostiene los colores del párpado. En este trabajo, el artista sufrió un sentimiento entero de felicidad al lienzo, que abrumó entonces.
Cíndicos (ancianos del pueblo de sukchikov) - (1661-1662)
La final en la historia del retrato del grupo fue la imagen de los ancianos de Rembrandt de la tienda Tsontiki, los llamados "sindicados", donde hay un medio alcista, evitando la monotonía, el artista creó la vida y al mismo tiempo diferentes tipos humanos. Pero, pero lo más importante, logró transmitir el sentimiento de la Unión Espiritual, la comprensión mutua y las relaciones de las personas, unidas por un negocio y tareas.
Adiós a David con jonathers (1642)
El rey judío, Seoúl, trató de destruir a los jóvenes David, temiendo de que él tomara su trono. Advertido por su amigo, Tsarevich Ionafan, el ganador de Goliat, David, se despide de Jonathan en Ston Azail (importancia hebrea - separación, separación). Ionathan Surov y restringido, su rostro es triste. David en la desesperación cae al pecho de su amigo, es increíble.
Sacrificio de abraham (1635)
Los personajes de la imagen aparecen frente a nosotros en ángulos difíciles. Desde el cuerpo de Isaac, abierto en primer plano y expresando la impotencia completa de la víctima, la visión del espectador se convierte en la figura del anciano Abraham y el Mensajero de Dios, un ángel, escapando de las nubes. El artista penetró en el estado espiritual de Abraham, que no tuvo tiempo de sentir la alegría de la liberación de la terrible víctima, ni la gratitud a la repentina aparición de un ángel, y solo la fatiga y el desconcierto.
Samson hace un enigma detrás de la mesa de la boda (1637)
A Sansón le encantaba deambular por el país y una vez entró en la ciudad de Fimnaph. Allí, se enamoró de un fabuloso filisteo y deseaba casarse con ella. Corrió a casa atascó y le pidió a sus padres que despertaran a su amada. Los viejos agarraban la cabeza: hijo y, así que lastimaron mucho dolor, y ahora, además, decidió casarse con el extranjero, la hija del filisteo. Sansón, sin embargo, se mantuvo por su cuenta. Los padres no tuvieron nada, suspirando mucho, obedecieron a caprichos de un hijo tímido. Sansón se convirtió en el prometido y, desde entonces, a menudo se basó en una visita a los padres de la novia. Un día, cuando Samson caminó alegremente por el camino entre los viñedos, tocó la carretera al joven ruinando león. Silacha rompió el león en los trozos y, como si nada hubiera ocurrido en Fimnaph, sin decirle a nadie sobre su aventura. Regresando a casa, se sorprendió de que un enjambre de abejas anidara en la boca del león muerto y una gran cantidad de miel ya estaba acumulada. Samson trajo la célula a los padres, sin decir una palabra, donde los tomó. En Fimnafe, la pared pasó de manera segura, había una gran fiesta, todos felicitaban a la novia y el novio, nombrados el día de la boda. Según la costumbre filistena, una celebración de bodas dura siete días. Los padres de la novia, temiendo el extraordinario poder de Sansón, adjunto a él en el papel de las amistades de matrimonio de treinta jóvenes filibristas. Sansón, mirando a los "guardias" con una sonrisa, les ofreció resolver un enigma. Era necesario resolverlo al final de la boda, en el séptimo día. El misterio sonaba así: "Desde el envenenador salió de la venenoso, y dulcemente salió de lo fuerte". Por supuesto, nadie podía resolver este enigma, porque nadie sabía que era acerca de las abejas, con néctar (abejas y hay "piscinas"), sobre la miel ("nomoeo") y un león fuerte. Al mismo tiempo, Samson estableció las condiciones: si se resuelve, obtendrán 30 camisas como el vestido superior, y si no, pagarán con él de la misma manera. Los filisteos descritos pensaron tres días sobre este extraño misterio. Desesperado, fueron a su joven esposa y amenazaron que si no tuviera una respuesta de su marido, los quemarían, y la casa de su padre. Realmente no quería que los filisteos paguen un rico Kush Samson. La astuta y la caricia, lanzó la respuesta del marido al enigma, y \u200b\u200bal día siguiente los filisteos dieron la respuesta correcta. El Angry Samson no tenía nada que hacer, cómo dar una deuda denominada, y sus padres eran muy pobres. Luego mató a 30 filisteos y su ropa dio como una deuda. Samson mismo, dándose cuenta de que su esposa se dio, cerró la puerta y se fue de nuevo a sus padres.
Ciego tovit y anna (1626)
TOVIT - israelíes, distinguidos por la justicia en su país natal y no abandonó al gobierno asirio piadoso y, en general, sobrevivió a una serie de pruebas, incluida la ceguera que terminó para él y a su descendencia la bendición de Dios. Su hijo - Tovia, sanado con un ángel.
Familia Santa (1635)
La trama del Evangelio, pero el artista representa como vida de la gente común. Solo los ángeles, descendiendo en el crepúsculo de la pobre vivienda, nos recuerda que esto no es una familia ordinaria. El gesto de la mano de la madre, plegando el dosel para mirar al niño dormido, centrándose en la figura de José, todo está profundamente pensado. La simplicidad de la vida y la apariencia de las personas no hacen una imagen de los aterrizados. Rembrandt puede ver la vida diaria de la vida no pequeña y ordinaria, pero profunda y creciente. El silencio pacífico de la vida laboral, la santidad de la maternidad lo hace de esta lona.
Virsavia (1654)
Según la Biblia, Virsavia era una mujer de rara belleza. El zar David, caminando en el techo de su palacio, vio en el fondo de Bucket Warasevia. Su esposo, Uria, se encuentra en el momento fuera de casa, en el servicio en el ejército de David. Wirzavia no intentó seducir al rey. Pero David fue seducido por la belleza de Bathswi y le ordenó que la llevaría al palacio. Como resultado de su relación, quedó embarazada y dio a luz al hijo de Salomón. Más tarde, David le escribió al comandante del ejército, donde la Urías luchó, la carta en la que ordenó poner a Urius, donde sería "la batalla más fuerte, y retirarse de él para que él estuviera asombrado y muerto". De hecho, sucedió, y David se casó posteriormente a Virsavia. Su primer hijo vivió solo unos días. David se arrepiente repetidamente en la escritura. Con toda su alta posición de la amada de las esposas, David BreySawi tomó un lugar a la sombra y se comportó de una manera digna. David Coronated Salomon, Hijo Bathsavia, al Reino. Virsavia era una mujer sabia y siempre esperaba a Dios. En relación con David, se convirtió en la esposa fiel y amorosa y una buena madre para sus hijos, Solomon y Nathan.
Juno
El artista representado en la imagen de Juno Sasquia, su esposa. Juno es la antigua diosa romana del matrimonio y el nacimiento, la maternidad de las mujeres y la fuerza productiva femenina. Patrone de matrimonios, calzado Familia y resoluciones familiares. El atributo jefe de esta diosa es una colcha, la diadema, el pavo real y el cuco. Rembrandt Peacock en la esquina inferior izquierda de la imagen.
La esposa de Potifara acusa a Joseph (1655)
Se cuenta la historia del patriarca bíblico Joseph en el libro de Génesis. Incluso en la casa matriz de Jacob y Rachel, su hijo favorito, Joseph, actúa como un sueño. El padre asigna a Joseph entre los hermanos, y ellos, celosos de su posición especial y una hermosa ropa, vende a José a la esclavitud a las caravanas que se dirigen a Egipto. En Egipto, Joseph sirve como esclavo de la rica Velmazbi Potifara, la cabeza de los guardaespaldas del faraón. Potifar confía en Joseph toda su casa, pero la esposa de Potifara se intenta de su castidad, y Joseph se escapa, dejando su ropa en sus manos. La esposa de Potifara, enamorada de José, y sin lograr la reciprocidad, lo acusa de violación. En la cárcel, donde envió iOSIF, junto con él, hay un bolodote y el rey Vinorrelpio. Joseph interpreta sus sueños, según la cual se ejecutará el KHOLOTAR, y el Vinurperpius está forzado en tres días. La profecía de Joseph se cumple, y la Vorolrypia lo recuerda cuando los sacerdotes egipcios les resulta difícil interpretar el sueño de Faraón sobre las siete vacas grasas, casadas con siete, los siete, buenos espiguillas. Causado por la prisión, Joseph Empuje el sueño como la prevención de que después de los próximos siete años de buena cosecha llegará siete años de habitantes crueles. Él aconseja a Faraón que nombrará un fideicomisario para crear acciones para el hambre. Faraón nombra la cara de confianza de Joseph, lo falsifique con su perrsta, le da un nombre egipcio, y en su esposa - Aisa egipcia, la hija del sacerdote de Heliopol.
Mujer nadando en un arroyo
La imagen Rembrandt se negó completamente al ideal clásico de una figura femenina desnuda. Aquí retrató a Hendrik, su segunda esposa se desvinculaba antes de bañarse, contrariamente a todos los cánones de belleza. Robe de oro se encuentra en el borde del agua, y una mujer bastante joven, fumando una camisa, entra en agua fría. Parece surgir de la oscuridad marrón, su timidez y modestia se leen en una cara fácilmente escrita, y en sus manos que apoyan la camisa.
Alegoria de la música (1626)
Mujer. Pendientes de Fortressing (1654)
Criando las piedras de San Esteban
Adoración de MAGI.
Retrato de Dirgon Yana Tresser (OK.1634)
Retrato de Marier Martens Domore
Retrato de hombres (1639)
Retrato de familia (1666-1668)
Retrato de un anciano en rojo (OK.1654)
Retrato de Tito (Hijo del artista)
Lección de anatomía (1632)
Venus y Amur (1642)
Joven Saskovia (1633)
Rembrant Harmens Wang Rhine (1606-169), pintor holandés.
Inscríbase en la Universidad de Leiden en 1620, Rembrandt pronto lo dejó y comenzó a estudiar pintura. En 1625-1631. Trabajó en su ciudad natal. El principal en su trabajo del período temprano también fueron pinturas en parcelas religiosas.
1632 fue feliz por Rembrandt. Se mudó a Ámsterdam y se casó con una rica ciudad, la Sasquia van Eilenburg, y la "lección anatomía del Dr. Tulpa" trajo un reconocimiento universal a un joven pintor.
Para el maestro comenzó el más seguro en su década de vida. Tenía muchos estudiantes (escuela de Rembrandt). Durante este período, se escriben como obras maestras como "autorretrato con Sasquia" (1635) y "Dana" (1636).
Arte extremadamente alegre de Rembrandt 30s. Combina la experiencia de los maestros del renacimiento y el barroco y un enfoque innovador para las parcelas clásicas.
El período de éxito terminó repentinamente en 1642: el magnífico trabajo del "reloj nocturno": un retrato grupal de los miembros del Guild Amsterdam de Roshkov, fue rechazado por los clientes que no estimaron las innovaciones del artista y lo expusieron la fuerte crítica.
Rembrandt prácticamente dejó de recibir pedidos, casi todos los estudiantes lo dejaron. En el mismo año, Saskovia murió.
De los años 40 Rembrandt se negó a la creatividad de los efectos teatrales, un místico, contemplativo comenzó en su pintura en su pintura. A menudo, el artista abordó la imagen de su segunda esposa, Hendrikier Stalffels.
La pintura "Sagrada Familia" (1645), una serie de autorretratos, el mejor paisaje, se observó en una profundidad, tranquilidad y saturación emocional. Pero los fracasos continuaron persiguiendo a Rembrandt: en 1656 fue declarado deudor no canabólico, la propiedad se agota con una subasta, y la familia se trasladó a una casa modesta en el barrio judío de Ámsterdam.
Ayuntamiento ordenado "Conspiracy Julia Civilis" (1661) dividió el destino del reloj de la noche. En 1663 el artista enterró a su esposa e hijo.
A pesar del deterioro de la visión, Rembrandt continuó escribiendo imágenes. Un resultado peculiar de su trabajo fue el lienzo "Retorno del hijo pródigo" (1668-1669).
El hecho de que realmente amas siempre es difícil hablar. Elija cuidadosamente las palabras necesarias, los giros de voz, no sepa dónde comenzar ... así que comenzaré con una pequeña revelación: Rembrandt Harmenszoon (Rembrandt Harmenszoon Van Rijn) - Mi artista favorito, y lo reconocí durante mucho tiempo.
En la infancia, en la ermita, con las historias del profesor-padre. En la adolescencia, en las lecciones de MHC en el Instituto, con diapositivas antiguas en la audiencia oscura en las largas noches de diciembre. En su juventud, en un increíble Amsterdam, alegremente riendo en los rayos del escenario de August Sun. Leí sobre Rembrandt ya cientos de conferencias, no pasó una docena de excursiones, pero sigue siendo la sensación de que ahora tiene que sumergirse en algo desconocido, enorme, incomprensible.
Esto es como un salto del muelle en el mar del mar, donde resultó ser por primera vez. No sabes si el agua hace frío allí como piedras en la parte inferior. Esta anticipación y duda, obligándote a temblar nerviosamente tus manos. Solo puedes ganar esto de una manera: saltar de la pista, sintiendo cómo se rompe el corazón y cómo en un momento todo el mundo que lo rodea se usa en algún lugar de la distancia, y ahora estás solo con algo completamente nuevo ... ¡bien que! Saltamos, abre los ojos y nos fijamos!
A los 27 años, tenía todo lo que el artista podía soñar. Gloria, fama, dinero, amada mujer, cientos de pedidos. Fue considerado el mejor maestro de la pintura de retratos en una de las ciudades más ricas de su época, en la perla del norte de Europa - Ámsterdam.
Sí, nunca ha habido un artista que haya podido crear esto! El retrato tenía que ser perfecto, tenía que preguntar todas las deficiencias de un hombre, pero Rembrandt pensó lo contrario. Sus retratos estaban vivos. Fueron trasladados en la naturaleza, tenían un conflicto. Aquí está un retrato del principal coleccionista de impuestos en la provincia de los Países Bajos, Yana Budbogart.
Casi todo el estado de la república tuvo lugar a través de las manos de esta persona. Y su ropa es un collar de encaje de aire, un abrigo de piel largo de la piel de Sobular rusa, testifica claramente a su condición. Ahora solo mira estos ojos. En ellos ves tristeza ... e inmediatamente recuerda la belleza del gran predecesor de Rembrandt,. ¿El apóstol no mira a Cristo con la misma expresión cuando se lo llama a sí mismo? Este retrato es una historia de una persona muy rica, pero muy desafortunada, y el pintor holandés pudo mostrarlo en un momento congelado.
Todo el tiempo libre Rembrandt Harmens Wang Rin gastó en aprender las expresiones faciales. Se paró con un reloj con el espejo y se construyó caras, que luego soportó el carbono en papel. Era importante que él atrapara los más mínimos tonos de las emociones.
La cara del hombre, según el artista, era un espejo del alma, todavía estaba mucho antes de Oscar Wilde con su "Retrato de Dorian Gray". Pero los retratos no son lo único que Rembrandt tuvo éxito. Su gran lienzo nos impresiona menos. El juego de iluminación, que estaba tan desarrollado en su pintura Caravaggio, en nuestro maestro adquiere un alcance verdaderamente gigante.
Tenía solo 28 años cuando creó su primera obra maestra absoluta. Este es un paño "eliminando la cruz". Simplemente no puedes pasar por esta imagen en la ermita. En un momento, el artista logró retratar la esencia del cristianismo, a decirle a una de las mejores historias humanas como sea posible y conmovedor, como nadie hizo antes, ni después de él.
Jerusalén en el fondo se está hundiendo en la oscuridad. El Salvador está muerto. Su cuerpo sin vida vemos en el centro de la imagen. Este es el momento de la desesperación más alta, nadie más cree en el domingo. La gente ve solo el cadáver de un hombre que amó y de quien adoraban a Dios, y Virgin Mary cae en desmayos, su piel es mortal, pálida, solo perdió su suela.
Hay un detalle en esta web, que no es inmediatamente llamativo. Esta iluminación. La fuente de luz es una linterna en manos del niño, pero el cuerpo de Cristo y la ropa del apóstol, sosteniéndolo en las manos, reflejan la luz como un espejo. Y es a través de la luz que se cuenta la verdadera historia aquí, se revela el significado filosófico de la imagen.
La luz de la linterna es la luz de la fe, y lo que vemos en la imagen es una introducción a su misterio. La sensación de que el cuerpo del Salvador se convierte en la fuente de la luz aquí. Desde la oscuridad, todavía hay la cara de la madre de Dios y destacó la vela de luz aburrida, que debería envolver el cuerpo de Cristo. En esta web, Rembrandt primero aplicó la recepción, que en los últimos años de vida se convirtió en lo principal en su trabajo.
Y aquí vemos cómo una persona que poseía perfectamente la técnica de escritura, en el detalle más pequeño todas las cifras centrales en el lienzo, pero, como eliminan de la luz, las caras de las personas se volvieron más borrosas, casi indistinguibles. Todo es muy simple, el sacramento de lo que está sucediendo pasó por ellos.
Sin embargo, hay otro personaje en esta web, que no es visible a primera vista. A pesar de que está en las sombras, Rembrandt lo describe muy claramente. En la esquina inferior derecha del lienzo, desde el lugar más oscuro, ocultándose detrás de los tallos de Chertopoloch, te mira al diablo en la imagen del perro y como si te hiciera una pregunta:
"¿Te uniste lo que está pasando?"
Sí, el Maestro holandés siempre ha sido un pequeño marco de fotos, soñó que sus lienzos se convertirían en parte de este mundo, y el espectador es un miembro directo de lo que está sucediendo. Pero es este deseo y lo sigue de los vértices de la gloria en la puchadora del antiguo olvido.
La desgracia y el olvido vienen tan rápido como la suerte y la gloria. Rembrandt Harmens Wang Rane lo sintió en sí mismo en 1642. Por supuesto, había gustos y antes de eso: sus hijos murieron en la infancia. Solo un hijo, el Tito nacido en 1641 sobrevivió. Pero un año después, su amada esposa Saskovia, con la que vivió durante muchos años. Y junto con esta pérdida, el artista se apartó y la buena suerte, se dio la vuelta en el momento en que creó una de sus mejores pinturas.
Sobre el "Dosor nocturno" Rembrandt se puede decir infinitamente. Este lienzo en gran medida de acuerdo con su contenido, tan único en la composición construida que la historia de su creación es bastante digna de un libro separado, y no artículos. Pero, como ocurre a menudo en la vida, es esta creación que más tarde, en el RAD que cambió todo el desarrollo de la pintura mundial, fue rechazada por los contemporáneos.
A los clientes no les gusta cómo fueron representados, y muchos de ellos se negaron a pagar el trabajo del artista. Esta humillación es el pintor más famoso de los Países Bajos nunca experimentado. Durante un año, Rembrandt perdió a su amada esposa y sufrió un fiasco con su mejor trabajo. Parecería que esto es suficiente, pero no, fue solo el comienzo de la tragedia. Los pedidos se volvieron cada vez menos (el clasicismo y las estilísticas de los retratos de desfile), y pronto la propiedad del artista se vendió por deudas. Desde una enorme mansión en el mismo centro de Ámsterdam, se vio obligado a pasar a las afueras de la ciudad, en el barrio judío, donde varias habitaciones con su amado hijo, tomaron un tatuaje.
Lo más interesante es que Rembrandt podría adaptarse fácilmente con las últimas tendencias de moda en el arte y volver a recibir un gran dinero para su web. Pero el pintor estaba convencido de que el nuevo estilo debería crear. En sus retratos ahora no eran personas ricas, sino a los ciudadanos más comunes de Ámsterdam. Tal, por ejemplo, "Retrato de un viejo judío".
Rembrandt no estaba interesado en la imagen detallada de todos los elementos de la ropa, se esforzó por una mayor abstracción, buscó mostrar los sentimientos de sus personajes en perfecto precisión. Por su perseverancia, solo recibió sufrimiento y bofetada. Así sucedió con su foto "Conspiracy Yulia Civilis".
En lugar de patriotismo clásico, pomposo, saliente, el antiguo maestro se presentó al público al público.
Antes de nosotros es una foto de la Pyr Barbárica, áspera, antiestética. Eran casi 300 años, anticipando la pintura del expresionismo. No es sorprendente que la obra maestra del maestro fue rechazada, y su nombre estaba cubierto con una vergüenza impermerable. Pero son estos últimos ocho años de vida gastados en la pobreza absoluta e impenetrable, son uno de los períodos más fructíferos en el trabajo de Rembrandt.
Creo que sobre las fotos de ese período, incluso sobre su "regreso del hijo pródigo", escribiré en un artículo separado. Ahora quiero contar sobre otro. Siempre me sorprendió lo que Rembrandt podía trabajar y desarrollar mi talento cuando los golpes de destino le volaron desde todas partes. Durante mucho tiempo no podía continuar, y el artista lo predicó.
El golpe final siempre se aplica al lugar más dolorido. Tenían el único hijo de Tito, un niño muy doloroso, similar a su madre fallecida. Fue su remambrandt que con mayor frecuencia: y en forma de ángel en la imagen "Mateo y ángel", y leyendo, y en varios trajes. Tal vez el pintor pareciera que con la ayuda de su talento, de alguna manera podía posponer lo inevitable ... Falló ...
En mi opinión, el "Retrato de un Tito en Monastic Ryasa" es una de las pinturas más sinceras de Rembrandt. Se manifestó todo el amor paterno, todo el talento del pintor. En todos estos trazos brutos, en esta oscuridad, llegando a la izquierda del joven, en las plantas ya rodeadas por su cuerpo, una, la cara pálida del hijo del artista con desplegado, lleno de humildes ojos.
Titus murió en 1668, Rembrandt sobrevivió solo por un año.
Murió en las afueras de Ámsterdam, absolutamente solo, habiendo recibido todo en esta vida y lo perdió todo. Olvidó a sus lienzos durante mucho tiempo ... pero han pasado 150 años, y ya otros artistas han escuchado lo que un maestro trata de decirle a sus contemporáneos, en lugar de gloria y dinero, eligió su camino único.
