Rembrandt Harmenszoon van Rijn
Cel mai mare reprezentant al Epocii de Aur, artist, gravor, mare maestru al clarobscurului - și toate acestea sunt într-un singur nume: Rembrandt.
Rembrandt s-a născut la 15 iulie 1606 la Leiden. Acest mare artist olandez a reușit să întrupeze în lucrările sale întregul spectru al experiențelor umane cu o asemenea bogăție emoțională pe care arta plastică nu o mai cunoscuse până acum.
Viaţă
A crescut într-o familie numeroasă a unui proprietar bogat de moară, Harmen Gerritszoon van Rijn. Printre altele, proprietatea lui Rhein includea încă două case, iar el a primit și o zestre semnificativă de la soția sa Cornelia Neltje. Mama viitoarei artiste era fiica unui brutar și știa gătit. Chiar și după Revoluția olandeză, familia mamei ei a rămas fidelă credinței catolice.
În Leiden, Rembrandt a urmat școala de latină la universitate, dar nu i-au plăcut științele exacte și a arătat cel mai mare interes pentru pictură. Dându-și seama de acest fapt, părinții săi la vârsta de 13 ani l-au trimis pe Rembrandt să studieze arta plastică cu pictorul istoric din Leiden Jacob van Swanenburch, care era catolic. Lucrările lui Rembrandt, variate ca gen și temă, sunt impregnate de idei de moralitate, frumusețe spirituală și demnitate persoana normala, înțelegând complexitatea de neînțeles a lumii sale interioare, versatilitatea bogăției sale intelectuale, profunzimea experiențelor sale emoționale. Foarte puține informații au ajuns la noi despre Jacob, motiv pentru care istoricii și criticii de artă nu pot spune cu siguranță despre influența lui Swanenberg asupra stilului creativ al lui Rembrandt.
Apoi, în 1623, a studiat la Amsterdam cu pictorul la modă de atunci Pieter Lastman, după care, întorcându-se la Leiden, și-a deschis propriul atelier în 1625 împreună cu compatriotul Jan Lievens.
Pitera Lastman s-a format în Italia și s-a specializat în subiecte istorice, mitologice și biblice. Când Rembrandt a deschis un atelier și a început să recruteze studenți, a devenit semnificativ celebru în scurt timp. Dacă te uiți la primele lucrări ale artistului, poți înțelege imediat că stilul lui Lastman - o pasiune pentru diversitate și meschină de execuție, a avut un impact. un impact imens tânărului artist. De exemplu, lucrarea sa „Lapidarea Sf. Stephen” (1629), „Scena din istoria antică” (1626) și „Botezul eunucului” (1626), foarte strălucitoare, neobișnuit de colorate, Rembrandt se străduiește să descrie cu atenție fiecare detaliu al lumii materiale. Aproape toți eroii apar în fața privitorului îmbrăcați în ținute orientale fanteziste, strălucind de bijuterii, care creează o atmosferă de fast, fast și festivitate.
În 1628, artistul în vârstă de douăzeci și doi de ani a fost recunoscut ca un maestru „foarte faimos”, un renumit pictor portretist.
Tabloul „Iuda returnează bucățile de argint” (1629) a evocat o recenzie entuziastă a celebrului cunoscător de artă Constantin Huygens, secretar al statholderului Frederick Hendrik de Orange: „... acest trup tremurând de jalnic trepidare este ceea ce prefer bunului gust. din toate timpurile."
Datorită legăturilor lui Constantin, Rembrandt a dobândit în curând admiratori bogați de artă: datorită medierii lui Hagens, Prințul de Orange a comandat artistului mai multe lucrări religioase, precum „Hristos înaintea lui Pilat” (1636).
Succesul real pentru un artist vine la Amsterdam. La 8 iunie 1633, Rembrandt a cunoscut-o pe fiica unui burghez bogat, Saskia van Uylenburch, și a câștigat o poziție puternică în societate. Artistul și-a pictat majoritatea picturilor în timp ce se afla în capitala Țărilor de Jos.
Amsterdam - un port plin de viață și un oraș industrial, în care mărfurile și curiozitățile s-au adunat din întreaga lume, unde oamenii s-au îmbogățit prin tranzacții comerciale și bancare, unde proscrișii Europei feudale s-au adunat în căutarea refugiului și unde bunăstarea celor bogați. burghezii au coexistat cu sărăcia deprimantă, are legături puternice cu artistul.
Perioada Amsterdamului lui Rembrandt a început cu succesul uluitor pe care i-a adus-o Lecția de anatomie a doctorului Tulp (1632, Haga, Mauritshuis), care a schimbat tradiția portretelor de grup olandeze. Rembrandt a contrastat demonstrația obișnuită a oamenilor de profesie generală care pozează pentru artist cu dramaturgia unei scene liber hotărâte, ai cărei participanți - membri ai breslei chirurgilor, ascultându-și colegul, sunt uniți prin includerea activă din punct de vedere intelectual și spiritual în procesul de cercetare științifică.
Rembrandt este inspirat de frumusețea iubitei sale, așa că adesea îi pictează portretele. La trei zile după nuntă, van Rijn a înfățișat o femeie cu un creion argintiu purtând o pălărie cu boruri largi. Saskia a apărut în picturile olandezului într-un mediu de acasă confortabil. Imaginea acestei femei plinuțe apare pe multe pânze, de exemplu, fata misterioasă din tabloul „Night Watch” seamănă foarte mult cu iubita artistului.
Anii treizeci din viața lui Rembrandt au fost o perioadă de faimă, bogăție și fericire în familie. A primit multe comenzi, a fost înconjurat de studenți, a fost pasionat de colecția de lucrări ale pictorilor italieni, flamand și olandezi, sculpturi antice, minerale, plante marine, arme antice și obiecte de artă orientală; Când lucrați la picturi, exponatele din colecție au servit adesea drept recuzită pentru artist.
Lucrările lui Rembrandt din această perioadă sunt extrem de variate; ele mărturisesc o căutare neobosit, uneori dureroasă, a unei înțelegeri artistice a esenței spirituale și sociale a omului și a naturii și demonstrează tendințe care necruțător, pas cu pas, îl aduc pe artist în conflict cu societatea.
În portrete „pentru el însuși” și autoportrete, artistul experimentează liber cu efecte de compoziție și clarobscur, schimbă tonalitatea schemei de culori, își îmbracă modelele în haine fantastice sau exotice, variază ipostaze, gesturi, accesorii („Flora”, 1634). , Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat ).
În 1635, a fost pictat faimosul tablou bazat pe povestea biblică „Sacrificiul lui Avraam”, care a fost foarte apreciat în societatea seculară.
În 1642, van Rijn a primit o comandă de la Shooting Society pentru un portret de grup pentru a decora noua clădire cu pânză. Pictura a fost numită greșit „Night Watch”. Era pătată de funingine și abia în secolul al XVII-lea cercetătorii au ajuns la concluzia că acțiunea care se desfășura pe pânză avea loc în timpul zilei.
Rembrandt a descris cu meticulozitate fiecare detaliu al muschetarilor în mișcare: ca și cum la un moment dat timpul s-a oprit când miliția a ieșit din curtea întunecată, astfel încât van Rijn i-a capturat pe pânză.
Clienților nu le-a plăcut faptul că pictorul olandez s-a abătut de la canoanele care s-au dezvoltat în secolul al XVII-lea. Apoi portretele de grup au fost ceremoniale, iar participanții au fost înfățișați pe față, fără nicio statică.
Potrivit oamenilor de știință, acest tablou a fost motivul falimentului artistului în 1653, deoarece a speriat potențialii clienți.
Schimbări tragice în soarta personală a lui Rembrandt (moartea copiilor nou-născuți, a mamei sale, în 1642 - boala și moartea lui Saskia, care i-a lăsat un fiu de nouă luni, Titus), deteriorarea situației sale financiare din cauza reticenței sale încăpățânate. a sacrifica libertatea de spirit și creativitatea pentru a mulțumi gusturile schimbătoare ale burghezilor, a agravat și demascat conflictul care se coace treptat între artist și societate.
Informații despre viața privată a lui Rembrandt în anii 1640. Mai rămâne puțin în documente. Dintre studenții acestei perioade, doar Nicholas Mas din Dordrecht este cunoscut. Aparent, artistul a continuat să trăiască în stil grandios, ca înainte. Familia regretatului Saskia și-a exprimat îngrijorarea cu privire la modul în care a dispărut de zestrea ei. Bona lui Titus, Geertje Dirks, l-a dat în judecată pentru că și-a încălcat promisiunea de a se căsători; Pentru a rezolva acest incident, artistul a trebuit să scoată bani.
La sfârșitul anilor 1640, Rembrandt s-a împrietenit cu tânăra sa servitoare Hendrickje Stoffels, a cărei imagine apare în multe lucrări de portrete din această perioadă: („Flora” (1654), „Femeia care face baie” (1654), „Hendrickje la fereastră” (1655)). Consiliul parohial l-a condamnat pe Hendrickje pentru „coabitare păcătoasă” când fiica ei Cornelia s-a născut artistului în 1654. În acești ani, Rembrandt s-a îndepărtat de temele care aveau o rezonanță națională sau universală grandioasă.
Artistul petrece mult timp lucrând la portretele gravate ale burgmasterului Jan Six (1647) și ale altor burghezi influenți. Toate tehnicile și tehnicile de gravură cunoscute de el au fost folosite la producerea gravurii elaborate „Hristos vindecând bolnavii”, mai bine cunoscută sub numele de „Frunza de o sută de florin”, care a fost vândută cândva la un preț atât de mare pentru al 17-lea. secol. A lucrat la această gravură, izbitoare prin subtilitatea ei a luminii și umbrelor, timp de șapte ani, din 1643 până în 1649.
În 1653, întâmpinând dificultăți financiare, artistul și-a transferat aproape toată proprietatea fiului său Titus, după care a declarat faliment în 1656. După vânzare în 1657-58. casă și proprietate (s-a păstrat un catalog interesant al colecției de artă a lui Rembrandt), artistul s-a mutat la periferia Amsterdamului, în cartierul evreiesc, unde și-a petrecut restul vieții.
Moartea lui Titus în 1668 a fost una dintre ultimele lovituri ale destinului pentru artist; el însuși a murit un an mai târziu.
Rembrandt Harmens van Rijn a murit în octombrie 1669. Avea 63 de ani. Era bătrân, bolnav și sărac. Notarul nu a trebuit să petreacă mult timp întocmind un inventar al proprietății artistului. Inventarul a fost scurt: „trei hanorace uzate, opt batiste, zece berete, rechizite pentru pictură, o Biblie”.
Picturi
Întoarcerea Fiului Risipitor
Celebrul tablou „Întoarcerea fiului risipitor”, una dintre ultimele lucrări ale lui Rembrandt. A fost scrisă în anul morții sale și a devenit punctul culminant al talentului său.
Aceasta este cea mai mare pictură a lui Rembrandt pe o temă religioasă. Pictură de Rembrandt bazată pe pilda Noului Testament a Fiului risipitor.
Pilda fiului risipitor o găsim în Evanghelia după Luca. Povestește despre un tânăr care a părăsit casa tatălui său și și-a risipit moștenirea. Și-a petrecut zilele în lenevire, desfrânare și beție până s-a trezit într-o curte, unde a mâncat din același jgheab cu porcii. Aflându-se într-o situație disperată și sărăcie deplină, tânărul se întoarce la tatăl său, gata să devină ultimul său sclav. Dar, în loc de dispreț, el găsește o primire regală, în loc de mânie - iubirea părintească atot-iertător, profundă și duioasă.
1669 Rembrandt joacă o dramă umană în fața privitorului. Vopselele se află pe pânză în mișcări groase. Sunt întunecate. Artistului nu îi pasă de personajele minore, chiar dacă sunt destul de multe. Atenția este din nou concentrată pe tată și fiu. Bătrânul tată, cocoșat de durere, se înfruntă cu privitorul. Pe această față există durere și ochi obosiți de lacrimi plânsate și fericirea unei întâlniri mult așteptate. Fiul este cu spatele la noi. S-a îngropat ca un copil în haina regală a tatălui său. Nu știm ce exprimă chipul lui. Dar tocurile crăpate, craniul gol al vagabondului, hainele sărace spun destul. Ca mâinile tatălui care strâng umerii tânărului. Prin liniștea acestor mâini, iertătoare și susținătoare, Rembrandt, pentru ultima oară, spune lumii o pildă universală despre bogăție, patimi și vicii, pocăință și iertare. „... Mă voi ridica și mă voi duce la tatăl meu și îi voi spune: Părinte! Am păcătuit împotriva cerului și înaintea ta și nu mai sunt vrednic să fiu numit fiul tău; acceptă-mă ca pe unul dintre angajații tăi. S-a ridicat și s-a dus la tatăl său. Și pe când era încă departe, tatăl său l-a văzut și i s-a făcut milă; și, alergând, a căzut pe gâtul lui și l-a sărutat”.
Pe lângă tată și fiu, imaginea înfățișează încă 4 personaje. Acestea sunt siluete întunecate care sunt greu de distins pe un fundal întunecat, dar cine sunt ele rămâne un mister. Unii i-au numit „frații și surorile” protagonistului. Este caracteristic faptul că Rembrandt evită conflictul: pilda vorbește despre gelozia unui fiu ascultător, iar armonia imaginii nu este perturbată în niciun fel.
Van Gogh spunea foarte exact despre Rembrandt: „Trebuie să mori de mai multe ori pentru a picta așa... Rembrandt pătrunde atât de adânc în mister, încât vorbește despre obiecte pentru care nu există cuvinte în nicio limbă. De aceea Rembrandt este numit: un vrăjitor. Și acesta nu este un simplu meșteșug.”
Veghea de noapte
Numele cu care portretul de grup al lui Rembrandt „Performanța companiei de pușcași a căpitanului Frans Banning Cock și a locotenentului Willem van Ruytenburg”, pictat în 1642, este cunoscut în mod tradițional.
Pânza maestrului olandez este plină de multe „surprize”. Să începem cu faptul că titlul imaginii cu care suntem obișnuiți nu corespunde realității: patrula înfățișată pe ea nu este de fapt deloc noaptea, ci foarte mult în timpul zilei. Doar că lucrarea lui Rembrandt a fost lăcuită de mai multe ori, motiv pentru care s-a întunecat foarte mult. În plus, timp de aproape 100 de ani (de la începutul secolului al XVIII-lea până la începutul secolului al XIX-lea), pânza a decorat unul dintre holurile Primăriei din Amsterdam, unde a atârnat chiar vizavi de șemineu, devenind acoperită cu funingine de la an la rând. an. Nu este surprinzător faptul că, la începutul secolului al XIX-lea, numele „Night Watch” a fost ferm stabilit în spatele picturii: în acest moment istoria creării sale a fost complet uitată și toată lumea era sigură că maestrul a descris momentul întunecat al zilei. . Abia în 1947, în timpul restaurării de la Rijksmuseum din Amsterdam, unde pictura rămâne până astăzi, a devenit clar că colorarea sa era incomparabil mai deschisă decât se credea în general. Mai mult, umbrele scurte aruncate de personaje indică faptul că are loc între prânz și ora două după-amiaza. Cu toate acestea, restauratorii nu au îndepărtat toate straturile de lac închis de teamă să nu deterioreze vopseaua, motiv pentru care „Night Watch” este încă destul de amurg.
Adevăratul titlu al picturii este „Performanța companiei de puști a căpitanului Frans Banning Cock și a locotenentului Wilhem van Ruytenburg”. Acesta este un portret de grup al mușchetarilor-milițieni ai unuia dintre cartierele din Amsterdam. Din 1618 până în 1648, Războiul de 30 de ani a izbucnit în Europa, iar locuitorii orașelor olandeze au luat armele pentru a-și apăra casele. Creația lui Rembrandt, împreună cu portretele altor companii de pușcași, a fost să decoreze sala principală din Kloveniersdolen - sediul pușcarilor orașului. Clienții au fost însă dezamăgiți: Rembrandt nu a realizat un portret ceremonial monumental, ci o pictură de gen în care au avut dificultăți în a-și găsi propriile fețe, adesea pe jumătate ascunse de alte personaje. Încă ar fi! La urma urmei, artistul, pe lângă cei 18 clienți (fiecare a plătit circa 100 de guldeni de aur pentru portretul său - o sumă foarte impresionantă pentru acele vremuri), a mai strâns pe pânză încă 16 oameni! Cine sunt ei nu se știe.
Muzeu – Muzeul de Istorie din Amsterdam?
Trei cruci
Una dintre cele mai faimoase gravuri ale lui Rembrandt, are cinci stări. Doar al treilea este semnat și datat, prin urmare, Rembrandt a considerat restul ca fiind intermediar. A cincea condiție este foarte rară, fiind cunoscute doar cinci exemplare.
Gravura descrie momentul dramatic al morții lui Hristos pe crucea Calvarului, descris în Evanghelii. În această gravură, Rembrandt a folosit tehnicile daltă și vârful uscat la o scară fără precedent, ceea ce a crescut contrastul imaginii.
Pe 2 decembrie 2008, la Christie's, această gravură (condiție IV) a fost vândută pentru 421.250 de lire sterline.
Pogorârea de pe Cruce
În 1814, Alexandru I a achiziționat Galeria Malmaison, care îi aparținea, de la împărăteasa Josephine. Unele dintre picturi provin de la celebra galerie Kassel, inclusiv Coborarea de pe cruce. Anterior, aceste picturi erau proprietatea doamnei de Roover din Delft și, împreună cu alte picturi din colecția ei, au fost achiziționate de landgravul de Hesse-Kassel Ludwig VII. În 1806, galeria sa a fost confiscată de Napoleon și prezentată lui Josephine.
Succesorul landgravului de Hesse-Kassel, Ludwig al VII-lea, fost aliat al lui Alexandru I, a prezentat împăratului în 1815 o cerere de returnare a picturilor capturate de Napoleon. Această cerere a fost respinsă decisiv de Alexandru I, care a plătit bani pentru picturi și a arătat atenția lui Josephine fiicei sale Hortensia în toate modurile posibile. În 1829, Hortense, care la acea vreme purta titlul de ducesă de Saint-Leu, a cumpărat treizeci de tablouri de la Galeria Malmaison.
Tema „Coborârea de pe Cruce” a avut o mare tradiție iconografică în arta europeană. A ei cea mai mare realizare A fost luată în considerare pictura de altar de Rubens din Catedrala din Anvers, cunoscută pe scară largă după gravura lui Worstermann.
Gândul creator al lui Rembrandt rătăcește undeva aproape de această tradiție, folosind-o și, în același timp, alegând constant alte căi. Neobișnuite pentru dezvoltarea anterioară a artei europene, ele sunt foarte caracteristice stilului creativ personal al lui Rembrandt; nu degeaba „Coborârea de pe cruce” seamănă atât de mult cu „Necredința apostolului Toma”.
Rubens a descris durerea sublimă a unui grup de oameni maiestuoși și frumoși despre un erou maiestuos și frumos; Scena agitată a nopții de masă a lui Rembrandt. Numeroase figuri fie se retrag în întuneric, fie cad într-o rază de lumină și se pare că mulțimea se mișcă, trăiește, întristându-se pentru bărbatul răstignit și compătimindu-și mama. Nu există nimic ideal în înfățișarea oamenilor; mulți dintre ei sunt nepoliticoși și urâți. Sentimentele lor sunt foarte puternice, dar acestea sunt sentimentele oamenilor obișnuiți, neluminați de acel catharsis sublim care este în pictura lui Rubens.
Hristos mort este un om ca ei; Tocmai din cauza intensității durerii lor, suferința și moartea lui capătă o semnificație deosebită. Cheia conținutului imaginii este, poate, nu atât Hristos, cât omul care îl sprijină și îi strânge obrazul de el.
Din punct de vedere artistic, compoziția fragmentară, agitată este inferioară atât celebrului tablou al lui Rubens, cât și unor lucrări ale lui Rembrandt însuși, executate în aceiași ani. De exemplu, „Necredința apostolului Toma”, care este mai puțin semnificativă în conținut, pare în exterior mai armonioasă în ansamblu. Cu toate acestea, în „Coborârea de pe cruce”, înțelegerea inerentă a lui Rembrandt a temelor biblice și ale Evangheliei reiese mai clar.
Opera tânărului Rembrandt diferă de prototipul său prin cele mai de bază caracteristici. În primul rând, nu a fost creat nici formal, nici în mod esențial ca imagine de altar de rugăciune. Dimensiunea cabinetului său nu se adresează percepției mulțimii, ci experienței individuale. Acest apel la sentimentele și conștiința unei persoane, stabilirea unui contact spiritual strâns cu privitorul, l-au forțat pe artist să creeze un sistem nou mijloace şi tehnici artistice. Rembrandt a văzut scena legendei Evangheliei ca pe un eveniment real tragic, privând-o fundamental de patos mistic și eroic.
Luptând pentru cea mai mare sinceritate și veridicitate a imaginii, Rembrandt a arătat o mulțime apropiată de oameni lângă cruce, șocați de durere, căutând unirea familiei unul cu celălalt în fața morții cumplite. Colorarea tonală maro-măsliniu a unit întreaga compoziție, iar fluxul de lumină i-a evidențiat dramatic centrul semantic principal. Cea mai mare profunzime a suferinței este întruchipată în chipul Maicii Domnului, care a căzut inconștient, cu chipul ei subțire și slăbit de muncitor. Al doilea grup de îndoliați este situat la capătul din stânga diagonalei spațiale - femeile așează cu reverență giulgiul, îndeplinindu-și datoria directă față de decedat. Trupul lăsat al lui Hristos susținut de bătrân - întruchiparea cărnii umane chinuite - trezește, în primul rând, un sentiment de profundă compasiune.
mireasă evreiască
Unul dintre ultimele și cele mai misterioase picturi ale lui Rembrandt. Numele i-a fost dat în 1825 de colecționarul din Amsterdam Van der Hop. El a crezut în mod eronat că înfățișa un tată dând un colier fiicei sale evreiești pentru nunta ei. Poate că acesta este un portret comandat, dar hainele personajelor sunt în mod clar asemănătoare cu cele vechi, biblice, așa că „Artaxerxe și Estera”, „Iacob și Rahela”, „Avram și Sara”, „Boaz și Rut” au fost propuse ca titlul.
Saskia ca Flora
Un tablou de Rembrandt, pictat în 1634, care o înfățișează probabil pe soția artistului, Saskia van Uylenbuch, ca vechea zeiță italiană a florilor, florilor, primăverii și fructelor de câmp, Flora.
În 1633, Saskia van Uylenburch a devenit mireasa lui Rembrandt van Rijn. Portretul fermecător al tinerei Saskia în ținuta Florei este un martor tăcut, dar elocvent, al acestui „timp al primăverii și al iubirii” a genialului pictor.
Chipul gânditor, dar fără îndoială fericit al fetei, este destul de în concordanță cu sentimentele miresei. Nu mai este un copil jucăuș, care se uită fără griji pacea lui Dumnezeu. Se confruntă cu o sarcină serioasă: a ales Metoda nouași trebuie să se răzgândească și să experimenteze multe, multe, înainte să intre în viata adulta. Coiful și toiagul împletite cu flori indică cu siguranță Flora, vechea zeiță romană a primăverii. Ținuta zeiței a fost pictată cu o măiestrie uimitoare, dar adevărata măreție a talentului lui Rembrandt se dezvăluie în expresia tandreței pe care artista i-a dat-o chipului.
Iubita lui soție a adus o lumină de fericire și mulțumire sinceră în casa singuratică a modestului artist. Rembrandt îi plăcea să o îmbrace pe Saskia în catifea, mătase și brocart, conform obiceiului din acea vreme, îl împovărea cu diamante și perle, urmărind cu dragoste cum chipul ei tânăr și minunat beneficia de ținuta strălucitoare.
Muzeul – Schitul de Stat
Stil
Profund umanistă în esența sa și perfectă în forma sa artistică unică, opera lui Rembrandt a devenit unul dintre vârfurile dezvoltării civilizației umane. Lucrările lui Rembrandt, variate ca gen și temă, sunt impregnate de idei de moralitate, frumusețe spirituală și demnitate a omului obișnuit, o înțelegere a complexității de neînțeles a lumii sale interioare, versatilitatea bogăției sale intelectuale și profunzimea experiențelor sale emoționale. . Ascunzând multe mistere nerezolvate, picturile, desenele și gravurile acestui artist remarcabil captivează prin caracteristicile psihologice perspicace ale personajelor, prin acceptarea filozofică a realității și prin justificarea convingătoare a deciziilor artistice neașteptate. Interpretarea sa a poveștilor din Biblie, mituri antice, legende antice și trecutul țării sale natale ca evenimente cu adevărat semnificative din istoria omului și a societății, a simțit profund ciocniri de viață. anumite persoane a deschis calea unei interpretări libere și multi-valorice a imaginilor și temelor tradiționale.
Dragoste de Rembrandt
Celebra muză a lui Rembrandt, Saskia, a fost fiica cea mai mică a primăriei orașului Leeuwarden. Această frumusețe cu pielea albă și cu părul roșu a crescut într-o familie mare și foarte bogată. Când fata avea 12 ani, mama familiei a murit. Dar fata tot nu știa ce să refuze, iar când a venit momentul, a devenit o mireasă foarte de invidiat.
O întâlnire semnificativă între artistă și domnișoară a avut loc în casa vărului fetei, artistul Hendrik van Uylenburg, care era și negustor de antichități. Rembrandt este literalmente încântat de fată: luminos piele moale, păr auriu... Adaugă la asta capacitatea de a conduce o conversație obișnuită. În glumă, l-a invitat pe celebrul pictor să-și picteze portretul. Și asta este tot ce este necesar: Saskia este un model ideal pentru subiecții lui Rembrandt în culori închise și dezactivate.
Rembrandt începe să picteze un portret. O întâlnește pe Saskia nu numai în timpul ședințelor. Înfrângându-și principiile, încearcă să participe la plimbări și petreceri de plăcere. Când s-au terminat lucrările la portret și s-au oprit întâlnirile dese, Rembrandt și-a dat seama: acesta este cel cu care vrea să se căsătorească. În 1633, Saskia van Uylenburgh a devenit mireasa artistului, iar pe 22 iulie 1634 a avut loc nunta mult așteptată.
Căsătoria cu Saskia deschide artistului calea către înalta societate. Părintele burgmaster a lăsat favoritului său o moștenire colosală: 40.000 de florini. Chiar și cu o mică parte din această sumă s-ar putea trăi confortabil mulți, mulți ani.
Cuplul fericit și iubitor a început să-și aranjeze o casă comună. Curând a început să semene cu un muzeu. Pereții au fost decorați cu gravuri ale lui Michelangelo și picturi ale lui Rafael. Saskia a fost de acord cu totul, și-a iubit foarte mult soțul. Iar el, la rândul său, a dus-o cu bijuterii și a plătit pentru cele mai rafinate toalete. Și, bineînțeles, am încercat să surprind imaginea mea preferată. Rembrandt, s-ar putea spune, a devenit un cronicar al vieții sale de familie. În primele zile ale lunii de miere a cuplului, a fost pictat celebrul „Autoportret cu Saskia în poală”.
În 1635, s-a născut primul fiu al familiei, dar nu a trăit foarte mult, iar aceasta a devenit o lovitură teribilă pentru tânăra mamă.
Multă vreme nu a vrut să se despartă de trupul fiului ei, i-a alungat pe toți de ea, fără a da drumul copilului mort. Nefericita mamă s-a plimbat cu el prin casă, legănându-l și strigându-i toate numele tandre pe care ea și soțul ei le-au numit Rembrantus în primele zile fericite.
Rembrandt și-a dat seama că, cu excepția orelor petrecute la șevalet, nu putea locui decât lângă Saskia. Numai cu ea se simte om: iubirea este sursa vieții și o iubește doar pe Saskia și pe nimeni altcineva.
După moartea lui Rembrantus, Saskia a mai pierdut copii la naștere de două ori. Doar al patrulea copil, Titus, născut în 1641, a reușit să supraviețuiască anilor grei ai copilăriei. Băiatul a fost numit cu acest nume în memoria regretatei Titia, sora Saskiei.
Cu toate acestea, travaliul constant a avut un efect dăunător asupra sănătății lui Saskia. Apariția imaginilor pur peisagistice ale artistului la sfârșitul anilor 1630 se explică uneori prin faptul că la acea vreme, din cauza bolii soției sale, Rembrandt petrecea mult timp în afara orașului cu ea. Artistul a pictat relativ puține portrete în anii 1640.
Saskia van Uylenburgh a murit în 1642. Avea doar treizeci de ani. În sicriu părea vie...
În acest moment, Rembrandt lucra la faimosul tablou „The Night Watch”.
Muzeul Casa Rembrandt
Muzeul de Artă de pe Jodenbreestraat din Cartierul Evreiesc din Amsterdam. Muzeul a fost deschis în 1911 în casa pe care Rembrandt a cumpărat-o la apogeul faimei sale în 1639 și a locuit până la falimentul său în 1656.
Timp de aproape 20 de ani din viața sa (din 1639 până în 1658) pe strada Jodenbrestraat, Rembrandt a reușit să creeze multe lucrări frumoase, să devină celebru, să adune o colecție unică de picturi și rarități din întreaga lume, să dobândească studenți, să risipească averea prima soție, își pierde principalii clienți, face datorii uriașe și pune casa sub ciocan.
Rembrandt a trebuit să vândă și el cel mai colecția sa luxoasă de picturi și antichități, inclusiv lucrări ale unor mari artiști europeni, busturi romane ale împăraților și chiar armuri de luptă japoneze, și se mută într-o casă mai modestă. După ce a supraviețuit ambelor soții și chiar a propriului fiu, Rembrandt a murit în sărăcie și singurătate.
Două secole și jumătate mai târziu, în 1911, din ordinul reginei Wilhelmina, casa a fost transformată într-un muzeu, care, spre deosebire, de exemplu, de Muzeul Van Gogh, este, în primul rând, nu o galerie de artă, ci cea restaurată. apartamentele marelui artist: o bucătărie imensă la parter, camera de recepție, dormitorul maestrului și dormitorul pentru oaspeți sunt pe a doua, cea mai mare cameră a conacului - garsoniera - este pe a treia, iar la mansardă sunt atelierele elevilor săi.
A fost posibilă restaurarea interiorului cu ajutorul unui inventar al proprietății întocmit de un notar atunci când toată proprietatea artistului a fost vândută la licitație și cu desene ale artistului însuși, în care acesta își înfățișa casa.
Aici puteți vedea obiectele sale personale, mobilier din secolul al XVII-lea și alte exponate interesante, precum o frumoasă presă de gravură sau rarități de peste mări.
Muzeul expune aproape toate gravurile marelui Rembrandt - 250 din 280, autoportrete magnifice ale artistului, desene care îi înfățișează pe părinții, soția și fiul său Titus, priveliști minunate ale Amsterdamului și împrejurimilor sale.
Chiar și toaleta muzeului necesită o atenție deosebită: acolo puteți vedea desene ale lui Rembrandt pe o temă corespunzătoare: o femeie ghemuită în tufișuri și un bărbat în picioare într-o ipostază caracteristică acestui stabiliment.
Rembrandt - tot ce trebuie să știi despre celebrul artist olandez actualizat: 13 noiembrie 2017 de: site-ul web
Republica Bashkortostan
Școala de artă pentru copii nr 2
Rezumat pe tema:
Rembrandt Harmens van Rijn
Efectuat Student 33 gr.
Pilyugina Anna
L-am verificat pe Sevastyanova I.A.
Ufa, 2007
1. Introducere
2. Biografie
3. Creativitate
4. Analiza muncii
5. Concluzie
Introducere.
Olanda în secolul al XVII-lea a fost una dintre cele mai bogate țări din Europa. Mărfuri din întreaga lume s-au adunat în capitala sa, Amsterdam. Negustorii și bancherii olandezi bogați și-au dorit ca opere de artă să reflecte întreaga lor viață. Pictura era cea mai populară și dezvoltată formă de artă la acea vreme. Fiecare olandez mai mult sau mai puțin bogat a considerat tabloul cel mai bun decor al casei sale. Potrivit unui contemporan, în orașele olandeze „toate casele erau pline cu tablouri”. În ciuda faptului că unii artiști au pictat în principal portrete, alții - scene de gen, alții - naturi moarte, iar alții - peisaje, toți au căutat să înfățișeze viața din jurul lor în mod realist: sincer, simplu, fără înfrumusețare. Au reușit și mulți dintre ei au devenit faimoși timp de secole. Dar oricât de înaltă a fost priceperea pictorilor olandezi din secolul al XVII-lea, Rembrandt van Rijn, un pictor, gravor și desenator olandez, cel mai mare artist al tuturor timpurilor, i-a întrecut pe toți cu marea sa artă. El a trăit într-o epocă în care rațiunea făcea deja încercări de a triumfa asupra credinței, când dreptul celor puternici era contestat de dreptul celor bogați, iar cei slabi și săracii erau disprețuiți și profanați. Lumea s-a extins în interiorul granițelor sale, datorită celor mari descoperiri geograficeși studiul universului, dar în același timp s-a restrâns la scara unei case private sau chiar a unui suflet individual, deoarece credința a fost declarată o chestiune privată, nefiind în niciun caz afectată procesele din societate. Uneori, scara unui suflet poate depăși scara universului și atunci acest suflet se dovedește a fi capabil să-și genereze propriile lumi, propriile universuri. Astfel de oameni se nasc o dată pe secol, dacă nu mai rar. Rembrandt a fost tocmai o astfel de persoană, în care a trăit universul și nu singur. Este grozav în simplitatea și umanitatea sa uimitoare. Prin mijloacele picturii, Rembrandt a putut, ca nimeni înaintea lui, să dezvăluie lumea interioară a omului, experiențele sale emoționale complexe.
Rembrandt nu a fost niciodată înconjurat de onoruri, nu a fost niciodată în centrul atenției generale, nu a stat în primul rând, nici un poet din timpul vieții lui Rembrandt nu a cântat laudele sale. La serbările oficiale, în zilele de mari sărbători, uitau de el. Și nu i-a iubit și i-a evitat pe cei care l-au neglijat. Compania lui obișnuită și iubită era formată din negustori, orășeni, țărani, artizani - cei mai simpli oameni. Îi plăcea să viziteze tavernele din port, unde se distrau marinarii, zdârlenii, actorii ambulanți, hoții mici și prietenele lor. A stat fericit acolo ore în șir, urmărind forfota și uneori schițând chipuri interesante, pe care ulterior le-a transferat pe pânzele sale.
Biografie.
La 15 iulie 1606, la Leiden, un morar bogat Harmen Gerrits și soția sa Neeltge Willems van Zeitbroek au dat naștere celui de-al șaselea copil, pe nume Rembrandt. Moara era situată nu departe de Rinul care traversa orașul, așa că Harmen Gerrits a început să se numească van Rijn, iar întreaga familie a primit această adăugare la nume de familie.
Părinții, dându-i lui Rembrandt o educație bună, doreau ca acesta să devină om de știință sau funcționar. A studiat la școala latină, iar apoi din 1620 la Universitatea din Leiden, pe care a părăsit-o fără să absolve. Pofta de desen, care s-a manifestat încă din copilărie, l-a condus la atelierul pictorului local Jacob van Swanenburg, care l-a învățat pe Rembrandt elementele de bază ale desenului și picturii și l-a introdus în istoria artei. După ce a studiat cu el timp de trei ani, Rembrandt s-a mutat la Amsterdam în 1623 și și-a continuat studiile cu celebrul pictor Pieter Lastman (1583–1633). Dar antrenamentul a durat doar șase luni. În 1624, Rembrandt s-a întors la Leiden și acolo, împreună cu prietenul său Jan Lievens, și-a deschis atelierul de pictură.
Rembrandt învață de la artiștii din trecut și de la contemporanii săi, stăpânind tehnicile picturii și gravurii. Studiază arta Italiei din turnări, gravuri, copii și percepe începutul umanist al artei italiene. La sfârșitul anului 1631, Rembrandt, un renumit pictor portretist și autor de picturi istorice, s-a mutat la Amsterdam, cel mai mare oraș comercial. Unul dintre primele tablouri pictate de Rembrandt la Amsterdam a fost tabloul „Lecția de anatomie a doctorului Tulp” (1632, Haga, Mauritshuis), care aparține tradiției portretelor de grup. Tabloul a stârnit un mare interes, iar Rembrandt a devenit unul dintre cei mai la modă tineri portretişti din Amsterdam.
În 1634, Rembrandt s-a căsătorit cu fiica fostului burgomastru din Leeuwarden, Saskia van Uylenburg, un patrician nobil și bogat.Imaginea ei a fost imortalizată de Rembrandt în multe portrete cu tandrețe și dragoste extraordinare.Din această căsătorie se naște un fiu, Titus, un copil al iubirii și bucuriei. În munca sa, Rembrandt a avut succes și fericit ca și în căsnicia sa. Cei mai bogați oameni din oraș îi comandă portrete, bogate corporații de artizani comandă portrete de grup, magistratul îi cere să picteze pe subiecte diferite, inclusiv religioase, gravurile sale sunt vândute în magazinele celor mai cunoscuți anticari. Are mulți studenți. Rembrandt cumpără o casă mare cu trei etaje pe strada Breestraat, unde are un atelier, camere de zi și chiar un magazin. Mobilând casa cu lucruri de lux, artistul creează o colecție bogată, care a cuprins lucrări ale lui Raphael, Giorgione, Dürer, Mantegna, van Eyck, gravuri din lucrări ale lui Michelangelo, Tițian. Rembrandt a colecționat miniaturi persane, vaze, scoici, busturi antice autentice, porțelan chinezesc și japonez, sticlă venețiană, țesături orientale scumpe, costume ale diferitelor națiuni, tapiserii și instrumente muzicale.
La începutul anilor '40, Rembrandt era un pictor popular și foarte plătit. În anii 1930, a pictat aproximativ 60 de portrete la comandă. Are vreo 15 elevi. Una dintre cele mai faimoase picturi ale lui Rembrandt din această perioadă este „Danae” (1636–1646, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat). A început să lucreze la pictură într-o perioadă de fericire a familiei, la apogeul faimei. Dar în anii următori, multe s-au schimbat: cei trei copii ai lui Rembrandt au murit, iar câteva luni mai târziu a murit iubita lui soție Saskia (1642), care l-a lăsat pe tânărul Titus în brațele sale. Curând își pierde mama și surorile. După moartea lui Saskia, viața lui Rembrandt părea să arate o crăpătură care nu avea să se vindece până la sfârșitul zilelor sale. În anii 1650 avea din ce în ce mai puține comenzi. Bogații nu-și mai comandă portretele de la el, magistratul nu asigură fonduri pentru picturi pentru clădiri publice. În bisericile vremii nici picturile nu erau necesare, întrucât protestantismul, care avea o atitudine negativă față de arta religioasă, a câștigat în Olanda. Gravurile lui Rembrandt, care s-au vândut atât de bine în urmă cu doar câțiva ani, nu găsesc acum niciun cumpărător. De ceva vreme, Rembrandt, obișnuit să trăiască mare, continuă să trăiască, dar nu mai este în posibilitățile sale. Din cauza datoriilor neplătite, creditorii depun procese formale și solicită o hotărâre judecătorească de închisoare. În 1656, printr-o hotărâre judecătorească, Primăria din Amsterdam l-a declarat pe Rembrandt debitor insolvent, a fost făcut un inventar al proprietății, iar în 1656–1658 a fost vândut. Valoarea reală a proprietății artistului a fost de câteva ori mai mare decât mărimea datoriilor sale: colecția a fost evaluată la 17 mii de guldeni. Cu toate acestea, a fost vândută cu doar 5 mii, casa a fost evaluată la jumătate din costul inițial. Dar nu toți creditorii au fost mulțumiți. Iar instanța a decis că toate tablourile pe care artistul le-ar crea trebuie vândute pentru a plăti datorii; instanța l-a lipsit și de dreptul de a avea proprietate, cu excepția articolelor purtate și a rechizitelor pentru pictură, ceea ce a însemnat o existență mizerabilă. Campania de persecuție a artistului include și rudele lui Saskia, cu care Rembrandt a avut un conflict în timpul vieții lui Saskia, pentru că susțineau că artistul risipește averea soției sale. Deși la acea vreme Rembrandt a făcut o avere prin munca sa care o depășește pe cea a soției sale, el a adunat o colecție magnifică de valori artistice. Faimosul pictor, care a cunoscut devreme faima și averea, s-a dovedit a fi un om sărac până la vârsta de cincizeci de ani, trăiește singur, uitat de admiratori și prieteni. Adevărat, încă pictează mult, dar toate pânzele îi sunt luate imediat de creditori...
Pe lângă pictură, a doua soție a lui Rembrandt, Hendrikje Stoffels, a devenit o consolare pentru situația dificilă a lui Rembrandt. Mai exact, ea era menajera lui, iar el locuia cu ea, după cum se spune, într-o căsătorie civilă. Societatea puritană l-a condamnat aspru pentru această „coabitare”. Artista nu s-a putut căsători oficial cu ea, pentru că. Conform testamentului lui Saskia, Rembrandt, la intrarea într-o nouă căsătorie, ar fi fost privat de dreptul de a fi gardianul moștenirii fiului său Titus. Cu toate acestea, Hendrikje nu a fost doar o femeie economică, ci și o femeie bună; pentru Titus a devenit o adevărată mamă. În 1654 a născut pe fiica lui Rembrandt, Cornelia. Imaginea lui Hendrikje Stoffels este reprezentată și în picturile lui Rembrandt. Nu este la fel de tânără și frumoasă ca Saskia, dar artista o privește cu ochii iubirii și o înfățișează cu mare căldură. Din nou, biserica condamnă coabitarea sa cu Hendrickje, fiica lor Cornelia fiind declarată ilegitimă. Familia lui Rembrandt se mută în cel mai sărac cartier din Amsterdam. După ruinarea tatălui său, Titus, pentru a-și face proprietatea complet inaccesibilă creditorilor lui Rembrandt, întocmește un testament în care își lasă întreaga avere surorii sale Cornelia și îl numește pe Rembrandt tutore cu drept de folosință a banilor. . În ciuda situației dificile, Rembrandt continuă să picteze.
În 1660, Titus și Hendrickje au deschis un magazin de antichități, unde Rembrandt a fost angajat ca expert. Și deși, potrivit hotărârii judecătorești, picturile proaspăt pictate de Rembrandt urmau să fie trecute la dispoziția creditorilor, contractul de angajare i-a oferit artistului posibilitatea de a-și transfera lucrările la magazinul de antichități. Acest lucru a permis familiei să-și mărească veniturile și să-și cumpere o casă.
Necazurile nu încetează să apară artistului: în 1663, el și-a pierdut iubitul Hendrikje Stoffels, care, conform voinței ei, îi lasă lui Titus un magazin de antichități și o mică moștenire lui Rembrandt. În 1668, fiul Titus moare. Alături de el a rămas doar fiica sa Cornelia, care avea la acea vreme 14 ani. Rembrandt devine gardianul fiicei sale Cornelia. Și totuși, în ciuda tuturor lucrurilor, Rembrandt continuă să picteze, să taie gravuri și să creeze din ce în ce mai multe planuri noi.
În februarie 1668, Titus s-a căsătorit cu Magdalena van Loo, dar a murit la scurt timp după aceea. Acest lucru a dat o lovitură zdrobitoare lui Rembrandt, iar la 8 octombrie 1669 a murit în brațele fiicei sale Corneille.
Creare.
Opera lui Rembrandt este, fără îndoială, apogeul școlii olandeze. Acest maestru era singur printre colegii săi artiști. L-au considerat „primul eretic în pictură”, deși mai târziu ei înșiși au început să fie numiți „mici olandezi” - pentru a sublinia cât de mult îi depășise Rembrandt.
Stilul baroc, care își are originea în secolul al XVII-lea, a avut, de asemenea, o mare influență asupra operei sale, dar sofisticarea, fastul și teatralitatea accentuată a acestui stil erau departe de căutările lui Rembrandt. A fost un fan al operei lui Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573–1510), fondatorul mișcării realiste în pictura europeană din secolul al XVII-lea.
Rembrandt a pictat ceea ce a observat în viață și tot ceea ce a descris a devenit neobișnuit de poetic. Acest miracol a fost săvârșit de pensula unui mare maestru. În picturile lui Rembrandt domină amurgul, iar lumina aurie moale face ca figurile să iasă în evidență. Culorile în sine, parcă ar fi încălzite de căldura interioară, pâlpâie ca
pietre prețioase Tema religioasă ocupă un loc aparte în opera lui Rembrandt; aici se manifestă originalitatea maestrului. Principala sursă de inspirație a lui Rembrandt a fost Biblia. Chiar și atunci când picturile pe teme religioase nu erau solicitate, artistul le-a pictat pentru el, pentru că simțea o nevoie reală de el. Aceste picturi întruchipează sufletul său, rugăciunea sa, lectura profundă a Evangheliei.Artistul a citit Biblia în limba sa maternă, care nu se distinge prin har. El o pune într-o formă înțeleasă și apropiată de contemporanii săi, oameni de viață simplă și credință simplă. Există un astfel de grajd în care s-a născut Mântuitorul în fiecare sat olandez. Templul din Ierusalim, unde bătrânul Simeon îl ia pe Pruncul Divin în brațe, seamănă cu catedralele antice din Amsterdam. Și toate personajele din picturile sale biblice, și chiar și îngerii, sunt asemănătoare cu burgerii și țăranii care se găsesc peste tot în această țară.
În maniera artistului de-a lungul anilor totul valoare mai mare dobândește clarobscurul, cu ajutorul căruia pune accente spirituale și emoționale; peste tot lumina este „personajul principal” al tabloului și cheia interpretării intrigii. Este interesat de esența ascunsă a fenomenelor, lumea interioară complexă a oamenilor. În 1648, a pictat pictura „Hristos la Emaus”, unde clarobscurul creează o atmosferă emoțională tensionată. „Expulzarea negustorilor din templu” a fost pictată de Rembrandt la vârsta de douăzeci de ani. Unele trăsături ale acestei lucrări indică lipsa de experiență a maestrului novice, deși mult prefigurează deja viitoarele sale capodopere. Nu este greu de observat păcatele profesionale în tabloul: erori de perspectivă și proporții.Totuși, însăși alegerea subiectului este o dovadă a aspirațiilor independente ale tânărului pictor.Spre deosebire de atașamentul majorității pictorilor olandezi față de genul cotidian, el apelează la un tablou istoric pe un subiect biblic și o pictează cu o intensitate dramatică de pasiune neobișnuită pentru „micul olandez”. Stările emoționale extreme recreate pe pânză – teamă, groază, furie – sunt dovada interesului timpuriu al artistului pentru lumea interioară a omului. Această ascuțire oarecum grotească a manifestărilor spirituale a fost punctul de plecare în calea creatoare a lui Rembrandt, care l-a condus mai târziu la descoperirea vieții cu mai multe fațete a sufletului uman.
Cu toate acestea, limbajul pictural al lui Rembrandt este surprinzător de subtil și sofisticat, artistul realizează nuanțe incredibile de culoare, joc de lumini și umbre și construiește cu măiestrie o compoziție. Tipurile picturilor sale sunt în mod deliberat comune, dar sentimentele și experiențele lor sunt profunde și sublime. Acest contrast oferă picturilor maestrului unicitate. Rembrandt atinge o sofisticare deosebită în grafică. Aici atinge o subtilitate incredibilă a liniilor și a loviturii, dar acesta este doar un mijloc de pătrundere profundă în complot. În esență, Rembrandt este creatorul gravurii, dar chiar și după el, rareori a reușit cineva să transmită atât de precis din punct de vedere psihologic starea spirituală a personajelor. Tema biblică este cea principală și aici. Versiunile grafice ale pildei fiului risipitor uimesc prin intensitatea dramei lor și afectează privitorul nu mai puțin decât celebrul tablou pe această temă.
Picturile și gravurile lui Rembrandt sunt mult mai cunoscute publicului decât desenele sale, care au rămas multă vreme subiectul de interes pentru un cerc restrâns de colecționari și experți. Între timp, figura lui Rembrandt desenator nu este în niciun fel inferioară lui Rembrandt pictorul sau gravorul. Desenele maestrului, păstrate în cantități uriașe - aproximativ 1.700 de coli, constituie o zonă autonomă a lucrării sale. Și una dintre cele mai remarcabile trăsături ale desenelor lui Rembrandt este capacitatea lor de a face din privitor un martor și un participant la nașterea gândirii artistice a unui maestru genial. Printre aceste foi se află o mică schiță „O femeie cu un copil”. Executat cu pix de stuf, păstrează toată libertatea și spontaneitatea unei schițe instantanee din viață sau din memorie, când mâna artistului abia are timp să contureze liniile principale.
Ultimele lucrări ale maestrului uimesc prin rafinamentul stilului lor, profunzimea pătrunderii în lumea interioară a imaginilor, efectele de lumină și umbră sunt și mai intense, transformând pânzele în tablouri strălucitoare ca pietrele prețioase. În grafică, Rembrandt atinge, de asemenea, culmi incredibile de îndemânare.
Chiar și acum, el pictează adesea autoportrete, uitându-se în ele ca într-o oglindă, poate încercând să-și dezlege propriul destin sau să înțeleagă planul lui Dumnezeu, care îl conduce în mod atât de bizar prin viață. Autoportretele lui Rembrandt nu sunt doar culmea creativității sale, ci nu au analogi în galeria de portrete din lume. În autoportretele din ultimii ani, vedem o persoană îndurând eroic încercări dificile și amărăciunea pierderii. Ca portretist, a fost creatorul unui gen unic de portret-biografie, în care viața lungă a unei persoane și lumea sa interioară au fost dezvăluite în toată complexitatea și contradicțiile sale. Opera lui Rembrandt din anii 1650 este marcată în primul rând de realizări în domeniul portretului. În exterior, portretele acestei perioade diferă, de regulă, marime mare, forme monumentale, ipostaze calme. Modelele stau de obicei în fotolii adânci, cu mâinile pe genunchi și cu fața către privitor. Fața și mâinile sunt evidențiate cu lumină. Aceștia sunt întotdeauna oameni în vârstă, înțelepți din experiență de viață îndelungată, bătrâni și bătrâne cu pecetea gândurilor sumbre pe față și munca grea pe mâini. Astfel de modele i-au oferit artistului oportunități strălucitoare de a arăta nu numai semnele exterioare ale bătrâneții, ci și aspectul spiritual al unei persoane. În portretele neobișnuit de emoționante și pline de inimă ale lui Rembrandt, se pare că simți viața trăită de o persoană. Înfățișându-și pe cei dragi, prieteni, cerșetori și bătrâni, de fiecare dată cu o vigilență uimitoare, el a transmis mișcările schimbătoare ale sufletului său, trepidarea plină de viață a expresiilor faciale și schimbările de dispoziție.
Analiza lucrărilor.
1. “ Întoarcerea Fiului Risipitor ”
La mijlocul anilor 1660, Rembrandt și-a încheiat lucrarea cea mai sinceră, „Întoarcerea fiului risipitor”. Poate fi văzută ca o mărturie pentru Rembrandt bărbatul și Rembrandt artistul. Aici ideea pe care Rembrandt a servit-o de-a lungul vieții sale își găsește cea mai înaltă, cea mai perfectă întruchipare. Și tocmai în această lucrare întâlnim toată bogăția și varietatea picturii și tehnicilor tehnice pe care artistul le-a dezvoltat de-a lungul multor decenii de creativitate. Zdrențuit, epuizat și bolnav, risipindu-și averea și părăsit de prieteni, fiul apare în pragul casei tatălui său și aici, în brațele tatălui său, găsește iertarea și consolarea. Bucuria imensă și strălucitoare a acestor doi bătrâni, care și-au pierdut orice speranță de a-și întâlni fiul, și fiul, copleșit de rușine și remușcări, ascunzându-și fața pe pieptul tatălui său, constituie principalul conținut emoțional al operei. Martorii involuntari ai acestei scene au stat în tăcere, șocați. Artistul se limitează extrem de la culoare. Imaginea este dominată de tonuri de ocru auriu, roșu scorțișoară și negru-maro, cu o bogăție nesfârșită de tranziții subtile în această gamă slabă. O perie, o spatulă și un mâner de pensulă sunt implicate în aplicarea vopselei pe pânză; dar chiar şi aceasta i se pare insuficientă lui Rembrandt. El aplică vopsea pe pânză direct cu degetul (așa este scris, de exemplu, călcâiul piciorului stâng al fiului risipitor). Datorită unei varietăți de tehnici, se obține o vibrație crescută a suprafeței vopselei. Culorile fie ard, fie scânteie, fie mocnesc slab, fie par să strălucească dinăuntru, și nici un singur detaliu, nici un singur colț al pânzei, chiar și cel mai nesemnificativ, nu-l lasă pe privitor indiferent. Numai o persoană înțeleaptă, cu o experiență de viață enormă și un mare artist care a călătorit mult, ar putea crea această lucrare genială și simplă. În Întoarcerea fiului risipitor nu se întâmplă nimic și nu se spune nimic. Totul a fost spus, gândit, suferit și simțit cu mult timp în urmă, în anii de lungă așteptare, dar există bucuria unei întâlniri, liniștită și strălucitoare... „Întoarcerea fiului risipitor” a fost ultima mare lucrare. a maestrului. 2. “ Danae ”
Când regele vechiului oraș grecesc Argos a aflat de o profeție conform căreia era sortit să moară din mâna fiului lui Danae, fiica sa, a închis-o într-o temniță și i-a repartizat o servitoare. Zeul Zeus a venit însă la Danae sub forma unei ploaie de aur, după care a născut un fiu, Perseus.
Rembrandt a început să picteze pictura „Danae” în 1636, la 2 ani după căsătoria sa cu Saskia van Uylenburch. Artistul își iubește cu drag tânăra soție, deseori înfățișând-o în picturile sale. „Danae”, scris de Rembrandt nu pentru vânzare, ci pentru casa lui, nu a făcut excepție. Pictura a rămas la artist până la vânzarea proprietății sale în 1656. A fost mult timp un mister de ce asemănarea cu Saskia nu este la fel de evidentă ca în alte picturi ale artistului din anii 1630 și de ce stilul pe care l-a folosit este în unele locuri mai asemănător cu creațiile unei perioade ulterioare a operei sale. Abia relativ recent, la mijlocul secolului al XX-lea, cu ajutorul fluoroscopiei a fost posibil să găsim răspunsul la această ghicitoare. Pe raze X asemănarea cu soția lui Rembrandt este mai evidentă. Se pare că pictura a fost schimbată după moartea soției artistului (1642), într-o perioadă în care acesta se afla într-o relație intimă cu Gertje Dirks. Trăsăturile feței lui Danae în pictură au fost modificate în așa fel încât au combinat ambele femei preferate ale artistului. În plus, fluoroscopia a arătat că imaginea originală arăta o ploaie aurie căzând asupra lui Danae, iar privirea ei era îndreptată în sus, nu în lateral. Îngerul din capul patului avea o față care râdea, iar mâna dreaptă a femeii avea palma în sus.
În tablou, o tânără femeie goală în pat este iluminată de un flux de lumină caldă a soarelui care cade prin baldachinul tras înapoi de servitoare. Femeia și-a ridicat capul deasupra pernei, întinzându-și mâna dreaptă spre lumină, încercând să o simtă cu palma. Privirea ei încrezătoare este îndreptată către lumină, buzele ușor întredeschise într-un zâmbet pe jumătate. O coafura incurcata, o perna sifonata - totul sugereaza ca in urma cu doar un minut, invaluita in beatitudine somnorosa, femeia privea vise dulci in patul ei luxos. Danae a primit o caracterizare psihologică profundă și o gamă contradictorie a sentimentelor și experiențelor ei. „Danae”, datorită căruia i s-a dezvăluit cea mai interioară lume interioară a unei femei, întreaga gamă complexă și contradictorie a sentimentelor și experiențelor ei. „Danae” este astfel un exemplu concret clar al formării celebrului psihologism Rembrandt. Pictura „Danae” este recunoscută drept una dintre cele mai bune lucrări ale artistului. 3. “ Lecția de anatomie de la Dr. Tulpa ”
Identitățile celor două persoane din acest portret sunt cunoscute. Unul dintre ei este dr. Nicholas Tulp, care arată publicului structura mușchilor brațului uman. Celălalt este un cadavru: Aris Kindt, supranumit Pruncul, numele său adevărat era Adrian Adrianzon. Decedatul a rănit grav un gardian al închisorii din Utrecht și a bătut și a jefuit un bărbat din Amsterdam. Pentru aceasta, la 31 ianuarie 1632, a fost spânzurat și predat pentru o autopsie publică Breslei Chirurgilor din Amsterdam.
Astfel de lecții deschise de anatomie erau comune nu numai în Țările de Jos, ci și în toată Europa. Ele aveau loc doar o dată pe an, de obicei în lunile de iarnă, pentru a păstra mai bine corpul, erau de natură ceremonială și durau de obicei câteva zile. Spectatorii au fost colegi, studenți, cetățeni respectați și orășeni de rând.
Portretul de grup al bresleiAutopsiile aveau loc în teatrele anatomice, care aveau o formă rotundă, cu rânduri în sus. Masa cu cadavrul, stând în centrul teatrului, era clar vizibilă de pe orice scaun. Despre Amsterdam Teatrum Anatomicum se știe puțin; Rembrandt l-a conturat doar pe pânza sa. O cameră plină de spectatori poate fi imaginată în locul observatorului.
Tulpa are un rang mai înalt decât celelalte personaje; el este singurul înfățișat în tablou purtând o pălărie. Cel mai probabil, restul fraților din atelier nu au studii academice. Poate că au finanțat în comun această pictură - portretul de grup a servit la glorificarea celor reprezentați în el și la decorarea reședinței breslei.
Rembrandt a descris personajele pe pânza sa diferit de predecesorii săi. De regulă, ei au fost înfățișați stând în rânduri și privind nu la corp, ci direct la privitor. Artistul i-a înfățișat pe chirurgi în profil sau în jumătate de tură și i-a grupat în formă de piramidă, cu personajul principal neașezat în vârf.
În plus, el subliniază în mod deliberat interesul real al celor adunați. Doi oameni s-au aplecat în față, postura și privirile lor indică faptul că cu siguranță vor să vadă totul cât mai aproape și cât mai precis posibil, în timp ce este greu de crezut că ambii chirurgi au fost cu adevărat duși de acțiunea ceremonială care avea loc și au încercat să-și satisfacă științifice. interes. Este puțin probabil ca cei adunați să stea atât de aproape de scena acțiunii; Rembrandt a concentrat ceea ce se întâmpla într-un spațiu îngust, înconjurând mortul cu o atenție intensă și cu viață.
Autopsie
Este surprinzător că autopsia a început cu mâna. De obicei, chirurgii au deschis mai întâi cavitatea abdominală și au îndepărtat-o organe interne. 24 de ani mai târziu, Rembrandt a pictat pânza „Lectură despre anatomia Dr. Deyman”, care înfățișează un corp cu o cavitate abdominală deschisă - conform canoanelor existente atunci.
Acest lucru s-ar putea datora a două motive. Primul este un omagiu adus lui Andreas Vesalius, fondatorul anatomiei moderne, care a devenit faimos pentru studiile sale despre anatomia mâinii. Al doilea este că, înfățișând o mână, artistul ar putea aduce mai ușor în imagine un mesaj religios. Așa cum tendoanele controlează mâna, Dumnezeu controlează oamenii. Știința trebuia să dovedească oamenilor puterea lui Dumnezeu.
Dr. Nicolae Tulp
Dr. Nicholas Tulp se numea de fapt Klaus Pietersohn și s-a născut în 1593 și a murit în 1674. Numele de familie Tulp provine din casa părintească, unde odată a fost o licitație pentru vânzarea de flori.
Tulp aparținea în fruntea societății din Amsterdam; el a fost de mai multe ori primarul din Amsterdam. În momentul pictării, era membru al consiliului orășenesc și era prelectorul (președintele) breslei chirurgilor. Tulp a fost medic practicant în Amsterdam, anatomia fiind unul dintre domeniile în care s-a specializat. Rembrandt și-a subliniat poziția specială, înfățișându-l separat de chirurgii așezați unul lângă celălalt. În plus, artistul a descris-o pe singura Tulpa purtând o pălărie - în interior, a avea privilegiul de a purta o casă de cap a fost întotdeauna un semn de apartenență la înalta societate.
Corpul lui Aris Kindt
Artiștii dinaintea lui Rembrandt înfățișau de obicei chipul decedatului acoperit cu o eșarfă sau o persoană care stătea în fața lui. Observatorii au trebuit să uite că în fața lor se afla un bărbat care era dezmembrat în fața ochilor lor. Rembrandt a venit cu o soluție intermediară - și-a înfățișat fața pe jumătate acoperită de umbră. Un joc tipic Rembrandt pe contrastul luminii și umbrelor, parcă vizibil în amurg ombra mortis- umbra morții.
Deși Doctor Tulp este personajul central, corpul lui Aris Kindt ocupă o suprafață mai mare pe pânză. Lumina principală cade și asupra lui, goliciunea și amorțeala îl deosebesc de oamenii înfățișați în imagine. Se pare că abia atunci Rembrandt i-a înfățișat atât de îndeaproape pe chirurgi și a dat pânzei o astfel de dinamică pentru a sublinia astfel imobilitatea corpului, făcându-i tangibilă moartea.
Concluzie.
Moștenirea creativă a maestrului este enormă; Rembrandt a fost incredibil de productiv: a creat peste 250 de picturi, 300 de gravuri și 1000 de desene. Artistul a murit în sărăcie, dar după moartea sa lucrările sale au devenit extrem de valoroase.
Opera lui Rembrandt a avut o influență imensă asupra dezvoltării artei plastice mondiale. Lucrările sale se află astăzi în multe muzee din întreaga lume și în colecții private. Și în Olanda, ziua de naștere a lui Rembrandt - 15 iulie - este sărbătorită ca sărbătoare națională.
Artistul a ridicat arta plastică la un nou nivel, îmbogățindu-o cu lucruri fără precedent
Vitalitate și profunzime psihologică. Rembrandt a creat un nou limbaj pictural, în care rolul principal a fost jucat de tehnici fin dezvoltate de clarobscur și bogate,
colorare emoțională intensă.
Rembrandt Harmens van Rijn (baroc)
Resmbrandt s-a născut în Leiden, în familia unui proprietar de moară destul de bogat. Mai întâi a studiat la Școala Latină, apoi pentru scurt timp la Universitatea din Leiden, dar a părăsit-o pentru a studia pictura, mai întâi cu un maestru local puțin cunoscut, iar apoi cu artistul din Amsterdam Pieter Lastman.
După un scurt studiu, Rembrandt a plecat în orașul său natal pentru a practica în mod independent pictura în propriul său atelier. Acesta este momentul formării artistului, când a devenit interesat de opera lui Caravaggio. În această perioadă, a pictat o mulțime de portrete ale membrilor familiei sale - mamă, tată, surori și autoportrete. Deja în acest moment se dedică Atentie speciala iluminarea și transmiterea experiențelor spirituale ale modelelor lor. Tânăra artistă adoră să le îmbrace în diverse haine, drapându-le în țesături frumoase, transmițându-le perfect textura și culoarea.
În 1632, Rembrandt a plecat la Amsterdam, centrul culturii artistice din Olanda, care l-a atras firesc pe tânărul artist. Aici ajunge repede la faima, are multe comenzi. În același timp, el continuă cu entuziasm să-și îmbunătățească abilitățile. Anii 30 au fost perioada celei mai mari glorii, calea către care a fost deschisă pictorului prin marea sa pictură comandată „Lecția de anatomie”. Toate ipostazele și acțiunile din imagine sunt naturale, dar lipsite de un naturalism excesiv.
În 1634, Rembrandt s-a căsătorit cu o fată dintr-o familie bogată - Saskia van Uylenborch - și de atunci a intrat în cercurile patriciene. Începe cel mai fericit moment al vieții artistului: dragoste reciprocă pasională, bunăstare materială, multe comenzi. Pictorul își pictează adesea tânăra soție: „Flora”, „Autoportret cu Saskia în poală”. Dar fericirea nu a durat mult. În 1642, Saskia a murit, lăsând în urmă un fiu tânăr, Titus.
Depresia morală și pasiunea pentru colecționare care îl poseda pe Rembrandt l-au condus treptat la ruină. Acest lucru a fost facilitat și de o schimbare a gusturilor publicului, care a devenit fascinat de picturile luminoase pictate cu grijă. Rembrandt, care nu a cedat niciodată gusturilor clienților săi, era interesat de contrastele de lumină și umbră, lăsând lumina la un moment dat, restul imaginii era în umbră și umbră parțială. Au fost din ce în ce mai puține comenzi. Noul său prieten de o viață Hendrikje Stoffels și fiul său Titus au înființat o companie comercială de pictură și antichități pentru a-l ajuta pe artist. Dar eforturile lor au fost zadarnice. Lucrurile se înrăutăteau. La începutul anilor 1660, Hendrikje a murit, iar câțiva ani mai târziu și Titus.
Cu toate acestea, în ciuda tuturor, artistul continuă să lucreze. Mai ales zilele astea ani grei creează o serie de lucrări remarcabile: „Sindicații”, „Întoarcerea fiului risipitor”, cu o dramă interioară uimitoare.
Cel mai mare artist a murit în sărăcie extremă la 4 octombrie 1669. Contemporanii au reacționat rece la această pierdere. A fost nevoie de aproape două sute de ani pentru ca puterea realismului lui Rembrandt, psihologia profundă a pânzelor sale și uimitoarea sa abilitate de pictură să-și ridice numele din uitare și să-l plaseze printre cele mai mari nume ale lumii.
Întoarcerea fiului risipitor (1668-69)
Unul dintre ultimele tablouri ale lui Rembrandt. Aceasta este o dramă psihologică profundă. În pânza cu o putere uimitoare există un apel la umanitate profundă, o afirmare a comunității spirituale a oamenilor, frumusețea iubirii părintești.
Înfățișează o poveste biblică despre un fiu destrămat care, după lungi rătăciri, s-a întors la casa tatălui său. Întreaga cameră este cufundată în întuneric, doar tatăl și fiul sunt puternic luminați. Fiul, cu capul ras de condamnat, în zdrențe, cu tocul gol din care căzuse un pantof găurit, a căzut în genunchi și s-a lipit de tatăl său, ascunzându-și fața în piept. Bătrânul tată, orbit de durere în timp ce își așteaptă fiul, îl simte, îl recunoaște și îl iartă, binecuvântându-l.
Artistul transmite în mod natural și sincer întreaga putere a iubirii paterne. În apropiere se află figuri amorțite de spectatori, care exprimă surpriza și indiferența - aceștia sunt membri ai societății care l-au corupt mai întâi și apoi l-au condamnat pe fiul risipitor. Dar dragostea paternă triumfă asupra indiferenței și ostilității lor.
Pânza a devenit nemuritoare datorită sentimentelor umane universale exprimate în ea - iubirea părintească fără fund, amărăciunea dezamăgirii, pierderii, umilinței, rușinii și penitenței.
Întoarcerea fiului risipitor (1668-1669) - fragment
Danae (1636)
Aceasta este cea mai bună lucrare a lui Rembrandt din anii '30.
Pictura este dedicată temei eterne a iubirii. Complotul s-a bazat pe mitul despre fiica regelui Acrisius Danae. Oracolul a prezis că Acrisie va muri din mâinile nepotului său.Apoi regele și-a închis fiica într-un turn pentru totdeauna.Dar atotputernicul Zeus s-a transformat în ploaie de aur și în această formă a pătruns pe Danae și a devenit iubitul ei. Au avut un fiu, Perseus, iar apoi, din ordinul lui Arixius, Danae și fiul său au fost aruncați în mare într-o cutie. Dar Danae și fiul ei nu au murit.
Artistul descrie momentul în care Danae îl așteaptă cu bucurie pe Zeus. Bătrâna servitoare își trage înapoi perdeaua patului și o strălucire aurie se revarsă în cameră. Danaya, în așteptarea fericirii, se ridică spre ploaia de aur. Voalul a căzut și a scos la iveală un corp nu mai tineresc, mai greu, departe de legile frumuseții clasice. Cu toate acestea, captivează prin veridicitatea vitală și rotunjimea moale a formelor. Și deși artistul abordează o temă din mitologia antică, tabloul este clar pictat în spiritul realismului.
Danae - fragment
Artemis (1634)
Artemis (Artemis) - fiica lui Zeus și Leto, sora lui Apollo. Inițial a fost venerată ca zeița lumii animale și vegetale. Ea este „stăpâna fiarelor”, Tavropola (protectorul taurilor), Limnatis (mlaștina), ursoaica (în această formă era venerată în Bavron). Mai târziu - zeița vânătorii, munților și pădurilor, patrona femeilor în travaliu. Artemis a implorat virginitatea eternă pentru sine de la Zeus. Șaizeci de oceanide și douăzeci de nimfe au fost tovarășii ei constanti de vânătoare, participanți la jocurile și dansurile ei. Funcția sa principală este de a proteja obiceiurile și sacrificiile stabilite către zei, pentru încălcarea cărora pedepsește aspru: trimite un mistreț teribil în regatul Calydonian și șerpi mortali în patul de căsătorie al regelui Admetus. Ea protejează, de asemenea, lumea animală, chemând socoteală pe Hercule, care a ucis căprița Kerynean cu coarne de aur și cere în schimbul căprioarei sacre ucise de Agamemnon un sacrificiu sângeros - fiica sa Ifigenia (pe altarul sacrificiului, Artemis a înlocuit-o în secret pe prințesă). cu o căprioară, iar Ifigenia a fost transferată la Taurida, făcând-o preoteasa ei). Artemis este protectorul castității. Ea îl patronează pe Hippolytus, care disprețuiește dragostea, îl transformă pe Acteon, care a văzut-o din greșeală pe zeiță goală, într-o căprioară, care a fost ruptă în bucăți de proprii câini, și pe nimfa Calypso, care și-a încălcat jurământul, într-un urs. Are hotărâre, nu tolerează competiția și își folosește săgețile bine îndreptate ca instrument de pedeapsă. Artemis, împreună cu Apollo, i-au nimicit pe copiii lui Niobe, care era mândru de mama zeilor Leto cu cei șapte fii și șapte fiice ale ei; săgeata ei l-a lovit pe Orion, care a îndrăznit să concureze cu zeița. Ca zeiță a vegetației, Artemis este asociată cu fertilitatea.Acest cult s-a răspândit în special la Efes (Asia Mică), unde a fost construit Templul lui Artemis din Efes (una dintre cele „șapte minuni ale lumii”) în cinstea ei, ars de Herostratus. Artemis era venerată aici ca o zeiță-asistentă, „muncitoare”; Ea este, de asemenea, patrona Amazonelor. Artemis era, de asemenea, venerata ca zeița războiului. În Sparta, înainte de bătălie, o capră era sacrificată zeiței, iar la Atena, anual, la aniversarea bătăliei de la Maraton (septembrie-octombrie), cinci sute de capre erau așezate pe altare. Artemis a devenit adesea apropiată de zeița lunii (Hecate) sau de zeița lunii pline (Selene). Există un mit binecunoscut despre Artemis-Selene, îndrăgostită de chipeșul Endymion, care și-a dorit tinerețe veșnică și nemurire și le-a primit într-un somn adânc. În fiecare noapte zeița se apropia de grota Muntelui Carian Latm, unde tânărul dormea și îi admira frumusețea. Atributul zeiței este o tolbă în spatele ei, un arc sau o torță în mâini; este însoțită de o căprioară sau de o haită de câini de vânătoare. La Roma, Artemis este identificat cu zeitatea locală Diana.
Avraam și trei îngeri
Dumnezeu i s-a arătat lui Avraam și soției sale Sara sub forma a trei călători, trei tineri frumoși (Dumnezeu Tatăl, Dumnezeu Fiul și Dumnezeu Duhul Sfânt). Cuplul în vârstă le-a arătat ospitalitate generoasă. După ce a acceptat tratarea, Dumnezeu le-a anunțat soților o minune: în ciuda bătrâneții lor extreme, ei vor avea un fiu și de la el va veni un neam mare și puternic și în el vor fi binecuvântate toate neamurile lumii.
Autoportret cu Saskia (1636)
Întreaga pânză este pătrunsă de bucurie de-a dreptul! Autoportretul înfățișează cuplul la o petrecere veselă. Rembrandt, uriaș în comparație cu soția lui zveltă, o ține în poală și ridică un pahar de cristal cu vin spumant. Ei par luați prin surprindere, în atmosfera intimă a vieții debordante.
Rembrandt, îmbrăcat într-un costum militar bogat, cu un baldric aurit și o rapieră pe lângă el, arată ca un reuter dandy care se distrează cu o fată. Nu-l deranjează că o astfel de distracție poate fi considerată un semn de prost gust. El știe doar că soția lui este iubită și, prin urmare, frumoasă în corsetul ei luxos, fusta de mătase, copacul magnific și colierul prețios și că toată lumea ar trebui să o admire. Nu se teme să pară nici vulgar, nici zadarnic. Trăiește într-o împărăție a viselor și a bucuriei, departe de oameni, și nu-i trece prin minte că ar putea fi învinuit. Și toate aceste sentimente sunt transmise de expresia simplă a chipului strălucitor al artistului însuși, care pare să fi obținut toate binecuvântările pământești.
Tabloul exprimă bucuria vieții, conștiința tinereții, sănătatea și bunăstarea.
Mireasa evreiască (1665)
Rembrandt a scris multe despre subiecte Povești biblice, și le-a avut pe toate în felul lui, actualizate în conținut. Adesea a pictat tablouri contrar logicii - iluminat, culori, totul era doar conform propriilor idei. Artistul arată aceeași independență în felul în care își îmbracă personajele. I-a îmbrăcat în haine ciudate - Saskia, Juno și alții... Același lucru s-a întâmplat cu cuplul din filmul „Mireasa evreiască”. Numele este ciudat, pentru că pânza înfățișează cuplu căsătorit, iar soția este însărcinată. Pe fundalul de verdeață vagă, se observă o parte a zidului mare și peisajul orașului. Un cuplu în haine roșii și aurii stă în fața unui pilastru. Două fețe și patru mâini, bărbatul se aplecă spre femeie, a cărei privire este îndreptată spre ea însăși, spre gândurile ei. Mâna ei dreaptă, ținând flori, se sprijină pe burtă. Chipul arată seriozitatea încrezătoare a unei soții, ocupată doar de prezența unei alte vieți în ea însăși. Bărbatul își pune brațul stâng în jurul umerilor ei. Mana dreapta se întinde pe rochie la nivelul pieptului, acolo unde mâna stângă a femeii o atinge. Degetele se ating. Atingere usoara. Bărbatul se uită la mâna femeii atingând-o pe a lui.
Floră
Flora este zeița italiană a florilor și tinereții. Cultul Florei este unul dintre cele mai vechi culte agricole din Italia, în special al tribului Sabine. Romanii au identificat Flora cu grecul Chloris și au celebrat așa-numita floralia în cinstea ei în primăvară, în timpul căreia au avut loc evenimente. jocuri amuzante, luând uneori un caracter neînfrânat. Oamenii s-au decorat și animalele cu flori, femeile purtau rochii strălucitoare. În arta antică, Flora era înfățișată ca o tânără care ținea flori sau împrăștia flori.
Frederick Riegel călare (1663)
În fața noastră este un portret ceremonial tipic. Rigel a fost un comerciant de succes, producând hârtie și tipărind cărți. O tipografie bogată l-a însoțit pe Prințul de Orange la Amsterdam în 1660, iar portretul poate să fi fost comandat pentru a comemora evenimentul. Un bărbat care stă pe un cal ne privește dintr-o pânză întunecată. Poartă haine scumpe, dar nu prea luxoase. Fața lui radiază inteligență, autoritate și stima de sine.
Hristos și păcătosul
Pânza înfățișează o întâlnire între Hristos și un păcătos într-un spațiu vast plin de oameni, a cărui vastitate este sporită de secțiunile arcuite ale pereților, ridicând tavanul spre cer. Totul este cufundat în întuneric, doar figura lui Hristos și tânăra sunt luminate. În acest tablou, Rembrandt a abordat mai întâi o soluție neconvențională a unei scene biblice, pe care alți artiști ar imita-o cu o consistență uimitoare.
Iacov se luptă cu un înger (1659)
Unul dintre cele mai misterioase episoade din Vechiul Testament. Când Iacov rămâne singur, apare Cineva (considerat a fi un înger) și se luptă cu el toată noaptea. Îngerul nu reușește să-l învingă pe Iacov, apoi atinge o venă de pe coapsă și o strică. Cu toate acestea, Iacov trece testul și primește un nou nume - Israel, adică „cel care se luptă cu Dumnezeu și va birui pe oameni”. De aceea, într-o oarecare măsură, posturile lui Iacov și ale îngerului, îmbrățișând mai degrabă decât luptă, sunt firești și justificate.
Veghe de noapte (1642)
Acesta este un portret de grup de Rembrandt „Performanța companiei de pușcași a căpitanului Frans Banning Cock și a locotenentului Willem van Ruytenburg”. Pictura a fost comandată de Shooting Society, o unitate de miliție civilă din Țările de Jos. În secolul al XVIII-lea, pânza a fost tăiată pe toate părțile pentru ca tabloul să se potrivească în noua sală a muzeului. Cel mai mult a avut de suferit partea stângă a imaginii, unde cei doi trăgători au dispărut. (Chiar și după tăiere, pictura este una dintre cele mai mari din muzeu). Pictura a fost supusă unor încercări de a fi deteriorată sau distrusă de trei ori. Artistul a înfățișat mușchetari ieșind dintr-o curte întunecată printr-un arc într-un pătrat luminat de soare. Jocul de lumini și umbre, caracteristic stilului marelui Rembrandt, este transmis cu măiestrie. El a descris momentul în care căpitanul Cock a dat ordin să se mute la locotenentul Reitenburg și totul a început să se miște. Ensignul desfășoară stindardul, toboșarul bate un sul, un câine latră la el, iar băiatul fuge. Chiar și detaliile îmbrăcămintei trăgătorilor se mișcă în imagine. Pe lângă cei 18 clienți pentru pictură, artistul a umplut pânza cu încă șaisprezece personaje. Semnificația acestor personaje, precum și multe simboluri din pictură, sunt cunoscute doar de Rembrandt însuși.
Orbirea lui Samson
Samson este un erou al legendelor Vechiului Testament, înzestrat cu o forță fizică incredibilă. Toată viața sa răzbunat pe filisteni pentru că și-au trădat mireasa în ziua nunții ei. Ea era filisteană, dar și acum stăpâna lui este filisteana Dalila. Conducătorii filisteni au mituit-o pentru a afla sursa puterii lui Samson și pentru a afla unde era punctul lui slab. Delilah a încercat să afle acest lucru de la Samson de trei ori și de trei ori a înșelat-o, înțelegând ce încerca ea să obțină. Dar totuși, până la urmă, cu ajutorul trucurilor feminine, Delilah l-a convins de dragostea și devotamentul ei și i-a dezvăluit că puterea lui l-ar părăsi dacă i s-ar tuns părul. Ea le-a povestit compatrioților săi despre asta și noaptea, când Samson dormea, i-au tuns părul. Trezindu-se la strigătul Dalilei: „Filistenii sunt peste tine, Samson!”, a simțit că puterea lui îl părăsește. Apoi, dușmanii l-au orbit pe Samson, l-au înlănțuit și l-au forțat să întoarcă pietre de moară într-o temniță din Gaza. Dar părul lui Samson a crescut treptat din nou, iar puterea i-a revenit și ea... Pentru a se bucura de umilința lui Samson, filistenii îl aduc la o sărbătoare în templul lui Dagon și îl obligă să-i amuze pe cei adunați. Samson îi cere ghidului tânăr să-l conducă la stâlpii templului pentru a se sprijini de ei. După ce a făcut o rugăciune lui Dumnezeu, Samson, simțindu-și din nou puterea, mută cei doi stâlpi din mijloc ai templului de la locul lor și, cu exclamația „Fie ca sufletul meu să moară împreună cu filistenii!”, dă jos întreaga clădire a templului. asupra celor adunaţi. Deci, în momentul morții sale, Samson a ucis mai mulți dușmani decât în întreaga sa viață...
Sărbătoarea lui Belşaţar (1635)
În mitologia biblică, Belșațar a fost ultimul rege babilonian; căderea Babilonului este asociată cu numele său. În ciuda asediului capitalei întreprins de Cirus, regele și toți locuitorii, având o cantitate bogată de hrană, se puteau răsfăța cu bucurie plăcerilor vieții. Cu ocazia unei sărbători minore, Belșațar a organizat o sărbătoare magnifică, la care au fost invitați până la o mie de nobili și curteni. Vase prețioase luate de cuceritorii babilonieni de la diferite popoare cucerite, printre altele, și vase scumpe de la Templul din Ierusalim, serveau drept boluri de masă. În același timp, după obiceiul vechilor păgâni, au fost glorificați zeii babilonieni, care mai înainte fuseseră biruitori și aveau să fie mereu învingători, în ciuda tuturor eforturilor lui Cirus și aliaților săi secreti, evreii, împreună cu Iehova lor. Dar apoi, în mijlocul sărbătorii, o mână de om a apărut pe perete și încet a început să scrie câteva cuvinte. Văzând-o, „regele s-a schimbat la față, gândurile i s-au încurcat, legăturile coapselor i-au slăbit și genunchii au început să se bată unul împotriva celuilalt de groază”. Înțelepții chemați nu au putut să citească și să explice inscripția. Apoi, la sfatul reginei, l-au invitat pe bătrânul profet Daniel, care a dat dovadă întotdeauna de o înțelepciune extraordinară. Și chiar a citit inscripția, care în aramaică scria pe scurt: „Mene, tekel, upharsin.” Aceasta însemna: „Mene - Dumnezeu ți-a numărat împărăția și i-a pus capăt; tekel - ești cântărit și te-ai găsit foarte ușor; upharsin - Împărăția ta este împărțită și dată mediilor și perșilor.” Chiar în acea noapte, povestea biblică continuă, Belşaţar, regele caldeenilor, a fost ucis.
Portretul lui Hendrikje Stoffels (c.1659)
După moartea lui Saskia, în viața lui Rembrandt a intrat o altă femeie, modesta servitoare Hendrikje Stoffels, care a înseninat singurătatea stăpânului. A pictat-o deseori, dar în titlurile lucrărilor la care a servit ca model, nu a menționat niciodată numele ei.
Portretul lui Saskia îmbrăcat ca o ciobănească (1638)
În această lucrare artistul își exprimă atitudinea față de soția sa. Ea este înfățișată pe o pânză întunecată înconjurată de o strălucire aurie. Fața moale și drăguță a înghețat într-o expresie de așteptare: în momentul picturii, Saskia era însărcinată cu primul lor copil, care a murit la scurt timp după naștere. Părul auriu îi învăluie umerii goi într-o acoperire luxuriantă. O ramură a unei plante este înfiptă în cercul care susține părul, ca o pană. Mânecile largi ale rochiei casei formează falduri fanteziste. Cu o mână se sprijină de un toiag de viță de vie, cu cealaltă ține un morman de flori împrăștiate. În această lucrare, artistul a transferat pe pânză tot sentimentul de fericire care l-a copleșit atunci.
Sindici (bătrâni ai atelierului de pânzători) - (1661-1662)
Ultima piesă din istoria portretelor de grup a fost reprezentarea de către Rembrandt a bătrânilor atelierului de pânze - așa-numiții „Sindici”, unde, cu mijloace slabe, evitând monotonia, artistul a creat tipuri umane vii și în același timp diferite, dar cel mai important, a fost capabil să transmită sentimentul de unire spirituală, înțelegere reciprocă și interconectare a oamenilor, uniți de o singură cauză și sarcini.
Adio lui David lui Ionatan (1642)
Regele evreu din Seul a căutat să-l distrugă pe tânărul David, temându-se că nu-și va lua tronul. Avertizat de prietenul său, Prințul Ionatan, câștigătorul lui Goliat, David, își ia rămas bun de la Ionatan la piatra Azail (înțelesul ebraic antic - despărțire, despărțire.) Ionatan este sever și rezervat, cu fața îndoliată. David cade disperat în pieptul prietenului său, este de neconsolat.
Sacrificiul lui Avraam (1635)
Personajele din imagine apar în fața noastră din unghiuri complexe. Din trupul lui Isaac, întins în prim plan și exprimând neputința completă a victimei, privirea privitorului se îndreaptă spre adâncuri - spre figura bătrânului Avraam și a mesagerului lui Dumnezeu - un înger - care iese din nori. Artistul a transmis sufletește starea de spirit a lui Avraam, care, la apariția bruscă a îngerului, nu a avut timp să simtă nici bucuria de a scăpa de teribilul sacrificiu, nici recunoștință, dar deocamdată nu trăia decât oboseală și nedumerire. .
Samson întreabă o ghicitoare la masa de nuntă (1637)
Lui Samson îi plăcea să rătăcească prin țară și într-o zi a venit în orașul Timnat. Acolo s-a îndrăgostit nebunește de o femeie filistenă impunătoare și a dorit să se căsătorească cu ea. A fugit acasă și și-a rugat părinții să-și curteze iubitul. Bătrânii s-au strâns îngroziți de cap: fiul lor le provocase deja multă mâhnire, iar acum, pe deasupra, s-a hotărât să se căsătorească cu un străin, fiica unui filistean. Samson, însă, a rămas în picioare. Părinții nu mai aveau nimic de făcut - oftând din greu, au ascultat de capriciul fiului lor excentric. Samson a devenit mire și de atunci mergea adesea să viziteze părinții miresei. Într-o zi, când Samson mergea cu viteză pe o potecă între podgorii, un tânăr leu care răcnește i-a blocat drumul. Omul voinic a sfâșiat leul și, de parcă nimic nu s-ar fi întâmplat, a mers la Timnath, fără să povestească nimănui despre aventura lui. Întorcându-se acasă, a fost surprins să vadă că un roi de albine cuibărește în gura leului ucis și se acumulase deja multă miere. Samson a adus fagurele părinților săi fără să spună un cuvânt de unde l-a luat. La Timnaf, potrivirea a mers bine, a fost un festin mare, toată lumea i-a felicitat pe miri și ziua nunții a fost stabilită. După obiceiul filistenilor, sărbătoarea nunții durează șapte zile. La sărbătoare, părinții miresei, temându-se de puterea extraordinară a lui Samson, i-au repartizat treizeci de tineri filisteni puternici ca mireli de nuntă. Samson, uitându-se la „gărzi” cu un rânjet, i-a invitat să rezolve ghicitoarea. Trebuia rezolvat până la sfârșitul nunții, în ziua a șaptea. Ghicitoarea a fost așa: „De la cel care mănâncă a venit otrăvitorul, iar de la cei puternici a venit dulce”. Desigur, nimeni nu a putut rezolva această ghicitoare, din moment ce nimeni nu știa că vorbim despre albinele care mănâncă nectar (albinele „mănâncă”), despre miere („mănâncă”) și despre un leu puternic. Totodată, Samson a pus condiții: dacă se rezolvă, vor primi 30 de cămăși și aceeași cantitate de îmbrăcăminte exterioară, iar dacă nu, îi vor plăti la fel. Filistenii uluiți s-au gândit trei zile la această ghicitoare ciudată. Disperați, s-au dus la tânăra lui soție și au amenințat că, dacă nu va afla răspunsul la ghicitoare de la soțul ei, îi vor arde atât pe ei, cât și pe casa tatălui ei. Filistenii chiar nu voiau să-i plătească lui Samson o sumă bogată. Prin viclenie și bunătate, soția a extras de la soțul ei răspunsul la ghicitoare, iar a doua zi filistenii au dat răspunsul corect. Furiosul Samson nu avea altceva de făcut decât să plătească datoria convenită, iar părinții lui erau foarte săraci. Apoi a ucis 30 de filisteni și le-a dat hainele ca datorie. Samson însuși, realizând că soția lui l-a trădat, a trântit ușa și s-a întors la părinți.
Tobit și Anna orb (1626)
Tobit, un israelian, s-a remarcat prin neprihănire în țara natală și nu a părăsit evlaviosul guvern asirian și a suferit în general o serie de încercări, inclusiv orbire, care s-a încheiat pentru el și descendenții săi cu binecuvântarea completă a lui Dumnezeu. Fiul său Tobias s-a vindecat cu ajutorul unui înger.
Sfânta Familie (1635)
Intriga este din Evanghelie, dar artistul descrie viața oamenilor obișnuiți. Doar îngerii care coboară în amurgul căminului sărac ne amintesc că aceasta nu este o familie obișnuită. Gestul mâinii mamei, aruncarea cortinei înapoi pentru a privi copilul adormit, concentrarea în figura lui Iosif - totul este profund gândit. Simplitatea vieții și aspectul oamenilor nu fac imaginea mondenă. Rembrandt știe să vadă în viața de zi cu zi nu lucrurile mici și obișnuite, ci cele profunde și durabile. Din această pânză emană liniștea pașnică a vieții de muncă și sfințenia maternității.
Bat-Șeba (1654)
Potrivit Bibliei, Bat-Șeba era o femeie de o frumusețe rară. Regele David, mergând de-a lungul acoperișului palatului său, a văzut-o pe Bat-Șeba scald dedesubt. Soțul ei, Urie, este plecat de acasă în acel moment, slujind în armata lui David. Bat-Șeba nu a încercat să-l seducă pe rege. Dar David a fost sedus de frumusețea Batșebei și a ordonat ca ea să fie dusă la palat. Ca urmare a relației lor, ea a rămas însărcinată și a născut un fiu, Solomon. Mai târziu, David a scris o scrisoare comandantului armatei în care lupta Urie, în care poruncea să-l plaseze pe Urie acolo unde va avea loc „cea mai puternică bătălie și să se retragă de la el, astfel încât să fie învins și să moară”. Într-adevăr, acest lucru s-a întâmplat, iar David s-a căsătorit ulterior cu Bat-Șeba. Primul lor copil a trăit doar câteva zile. David s-a pocăit mai târziu de acțiunile sale. Cu toată poziția ei înaltă ca cea mai iubită dintre soțiile lui David, Bat-Șeba a luat un loc în umbră și s-a comportat într-o manieră demnă. David l-a încoronat rege pe Solomon, fiul Bat-Șebei. Bat-Șeba a fost o femeie înțeleaptă și s-a încrezut mereu în Dumnezeu. Ea a devenit fidelă lui David și sotie iubitoareși o mamă bună pentru copiii ei - Solomon și Natan.
Juno
Artistul a descris-o pe Saskia, soția sa, în imaginea lui Juno. Juno este vechea zeiță romană a căsătoriei și a nașterii, a maternității femeilor și a puterii productive feminine. Patrona căsătoriilor, tutore al familiei și al regulamentelor de familie. Principalul atribut al acestei zeițe este un văl, o diademă, un păun și un cuc. Rembrandt are un păun în colțul din stânga jos al tabloului.
Soția lui Potifar îl acuză pe Iosif (1655)
Povestea patriarhului biblic Iosif este relatată în cartea Geneza. Chiar și în casa părintească a lui Iacov și Rahela, fiul lor iubit Iosif apare ca un visător. Tatăl lui Iosif îl deosebește printre frații săi, iar ei, geloși pe poziția sa specială și pe hainele frumoase, îl vând pe Iosif ca sclav caravanilor care se îndreptau spre Egipt. În Egipt, Iosif slujește ca sclav al nobilului bogat Potifar, șeful gărzilor de corp a lui Faraon. Potifar îi încrede în Iosif întreaga sa casă, dar soția lui Potifar îi încalcă castitatea, iar Iosif fuge, lăsându-și hainele în mâinile femeii. Soția lui Potifar, care s-a îndrăgostit de Iosif și nu a obținut reciprocitate, îl acuză de viol. În închisoarea unde a fost trimis Iosif, brutarul și paharnicul regelui sunt cu el. Iosif le interpretează visele, conform cărora brutarul va fi executat și majordomul va fi iertat în trei zile. Profeția lui Iosif se împlinește, iar paharnicul își amintește de el când preoților egipteni le este greu să interpreteze visul lui Faraon despre șapte vaci grase devorate de șapte slabe și șapte spice bune devorate de cele slabe. Iosif, chemat din închisoare, interpretează visul ca un vestitor că, după următorii șapte ani de recoltă bună, vor veni șapte ani de lipsă severă de recolte. El îl sfătuiește pe faraon să numească o persoană de încredere pentru a stoca provizii în timpul foametei. Faraonul îl numește pe Iosif ca confident al său, îl răsplătește cu inelul său, îi dă un nume egiptean și ca soție Asenat, fiica unui preot din Heliopolis.
Femeie care se scălda într-un pârâu
În pictură, Rembrandt a abandonat complet idealul clasic al figurii feminine nud. Aici l-a înfățișat pe Hendrikje, a doua sa soție, dezbrăcându-se înainte de a se îmbăia, contrar tuturor canoanelor frumuseții. Un halat de aur zace la marginea apei, iar o tânără dulce, ridicându-și timid cămașa, intră în apa rece. Pare să iasă din întunericul maro, timiditatea și modestia ei se citesc atât în chipul ei ușor scris, cât și în mâinile care îi susțin cămașa.
Alegoria muzicii (1626)
Femeie. încercarea de cercei (1654)
Lapidarea Sfântului Ștefan
Adorarea Magilor
Portretul lui Dirk Jan Pesser (c.1634)
Portretul lui Maartje Martens Domer
Portretul unui bărbat (1639)
Portret de familie (1666-1668)
Portretul unui bătrân în roșu (c.1654)
Portretul lui Titus (fiul artistului)
Lecție de anatomie (1632)
Venus și Cupidon (1642)
Tânărul Saskia (1633)
Rembrant Harmens van Rijn (1606-1669), pictor olandez.
După ce a intrat la Universitatea din Leiden în 1620, Rembrandt a părăsit-o curând și a început să studieze pictura. În 1625-1631 el a lucrat în oras natal. Principalele în opera sa din perioada timpurie au fost picturile pe subiecte religioase, precum și.
Anul 1632 s-a dovedit a fi un an fericit pentru Rembrandt. S-a mutat la Amsterdam și s-a căsătorit cu un oraș bogat, Saskia van Uylenburg, iar pictura „Lecția de anatomie a doctorului Tulp” i-a adus tânărului pictor recunoașterea universală.
Cel mai prosper deceniu al vieții sale a început pentru maestru. A avut mulți elevi (școala lui Rembrandt). În această perioadă, el a scris capodopere precum „Autoportret cu Saskia” (1635) și „Danae” (1636).
Arta extrem de veselă a lui Rembrandt din anii 1930. combină experiența maeștrilor renascentist și baroc și o abordare inovatoare a subiectelor clasice.
Perioada de succes s-a încheiat brusc în 1642: magnifica lucrare „Night Watch” - un portret de grup al membrilor Breslei Shooting din Amsterdam - a fost respinsă de clienții care nu au apreciat inovațiile artistului și l-au supus unor critici dure.
Rembrandt practic a încetat să mai primească ordine; aproape toți studenții săi l-au părăsit. Saskia a murit în același an.
Din anii 40 Rembrandt a abandonat efectele teatrale în opera sa; principiul mistic, contemplativ s-a intensificat în pictura sa. Artistul a apelat adesea la imaginea celei de-a doua soții, Hendrikje Stoffels.
Tabloul „Sfânta Familie” (1645), o serie de autoportrete, și cele mai bune peisaje sunt marcate de profunzime, calm și bogăție emoțională. Dar eșecurile au continuat să-l bântuie pe Rembrandt: în 1656 a fost declarat debitor în insolvență, proprietatea sa a fost vândută la licitație, iar familia s-a mutat într-o casă modestă din cartierul evreiesc din Amsterdam.
Tabloul „Conspirația lui Julius Civilis” (1661), comandat de primărie, a împărtășit soarta „Pazului de noapte”. În 1663, artistul și-a înmormântat soția și fiul.
În ciuda vederii sale deteriorate, Rembrandt a continuat să picteze. Un rezultat unic al lucrării sale a fost pânza „Întoarcerea fiului risipitor” (1668-1669).
Întotdeauna este greu să vorbești despre ceea ce iubești cu adevărat. Alegeți cu grijă cuvintele, figurile de stil potrivite, nu știți de unde să începeți... Prin urmare, voi începe cu o mică revelație: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- artistul meu preferat și l-am cunoscut de foarte mult timp.
În copilărie – în Schit, cu poveștile profesorului-tată. În tinerețe - în timpul orelor de MHC la institut, cu tobogane vechi într-o clasă întunecată în serile lungi de decembrie. În tinerețea mea - în uimitoarea Amsterdam, râzând cu bucurie în razele apusului soarelui de august. Am ținut deja sute de prelegeri despre Rembrandt, am făcut zeci de excursii, dar încă am senzația că acum ești pe cale să te cufunda în ceva necunoscut, imens, de neînțeles.
Este ca și cum ai sări de pe un dig în apele mării unde te-ai găsit pentru prima dată. Nu știi dacă apa este rece acolo sau câte pietre sunt în fund. Anticiparea și îndoiala îți fac mâinile să tremure nervos. Există o singură modalitate de a învinge asta - săriți în alergare, simțindu-vă inima bătând cu putere și cum, la un moment dat, întreaga lume din jurul vostru este dusă undeva în depărtare, iar acum sunteți singur cu ceva complet nou... Ei bine, bine! Să sărim, să deschidem ochii și să ne uităm!
La 27 de ani, avea tot ce putea visa un artist. Faimă, faimă, bani, femeie iubită, sute de comenzi. El a fost considerat cel mai bun maestru pictură portret într-unul dintre cele mai bogate orașe ale vremii sale, în perla nordului Europei - Amsterdam.
Da, nu a existat niciodată un artist în lume capabil să creeze așa ceva! Portretul trebuia să fie perfect, trebuia să lumineze toate deficiențele persoanei, dar Rembrandt a gândit diferit. Portretele lui erau vii. Ele transmiteau caracter; au conținut conflict. Iată un fragment dintr-un portret al colectorului șef de taxe din provincia Olanda, Jan Vtenbogaert.
Aproape întreaga avere a republicii a trecut prin mâinile acestui om. Iar hainele lui - un guler aerat din dantelă, o haină lungă de blană de samur rusesc - indică clar starea lui. Acum doar uită-te la acei ochi. Vedeți tristețe în ei... Și imediat vă vine în minte pânza marelui predecesor al lui Rembrandt -. Nu îl privește apostolul pe Hristos cu aceeași expresie atunci când îl cheamă la sine? Acest portret este povestea unui om foarte bogat, dar foarte nefericit, iar pictorul olandez a putut să arate acest lucru într-un moment înghețat.
Rembrandt Harmens van Rijn și-a petrecut tot timpul liber studiind expresiile faciale. A stat ore în șir la oglindă și a făcut fețe, pe care apoi le-a transferat cu cărbune pe hârtie. Pentru el era important să surprindă cele mai mici nuanțe de emoții.
Fața umană, potrivit artistului, era o oglindă a sufletului; el și-a dat seama de asta cu mult înainte de Oscar Wilde, cu „Portretul lui Dorian Gray”. Dar portretele nu sunt singurul lucru la care a excelat Rembrandt. Pânzele lui mari ne impresionează nu mai puțin. Jocul clarobscurului, pe care Caravaggio l-a dezvoltat atât de mult în pictura sa, capătă o amploare cu adevărat gigantică la maestrul nostru.
Avea doar 28 de ani când și-a creat prima sa capodopera absolută. Acesta este tabloul „Coborârea de pe cruce”. Pur și simplu nu poți trece pe lângă acest tablou din Schit. Într-o clipă, artistul a reușit să înfățișeze întreaga esență a creștinismului, să spună una dintre cele mai mari povești omenești cât mai sincer și emoționant, într-un mod pe care nimeni nu îl făcuse înainte sau după el.
Ierusalimul din fundal se îneacă în întuneric. Mântuitorul este mort. Îi vedem trupul fără viață în centrul imaginii. Acesta este momentul de cea mai mare disperare; nimeni încă nu crede în înviere. Oamenii văd doar cadavrul bărbatului pe care l-au iubit și l-au închinat ca zeu, iar Fecioara Maria leșină, pielea ei palidă de moarte - tocmai și-a pierdut singurul fiu.
Există un detaliu pe această pânză care nu este imediat vizibil. Aceasta este iluminarea. Sursa de lumină este un felinar în mâinile unui băiat, dar trupul lui Hristos și hainele apostolului care îl ține în brațe reflectă lumina ca o oglindă. Și tocmai prin lumină se spune aici povestea adevărată, se dezvăluie sensul filosofic al tabloului.
Lumina felinarului este lumina credinței, iar ceea ce vedem în imagine este o introducere în misterul său. Se simte că însuși trupul Mântuitorului devine aici sursa de lumină. Ceea ce iese în evidență din întuneric este chipul Maicii Domnului și giulgiul, luminate de lumina slabă a unei lumânări, în care urmează să fie înfășurat trupul lui Hristos. Pe această pânză, Rembrandt a folosit pentru prima dată o tehnică care, în ultimii ani ai vieții sale, a devenit centrală pentru munca sa.
Și acum vedem cum un om care a stăpânit perfect tehnica scrisului a pictat toate figurile centrale de pe pânză în cel mai mic detaliu, dar, pe măsură ce ne-am îndepărtat de lumină, fețele oamenilor au devenit din ce în ce mai neclare, aproape imposibil de distins. Totul este foarte simplu - misterul a ceea ce se întâmplă a trecut pe lângă ei.
Cu toate acestea, există un alt personaj pe această pânză care nu se observă la prima vedere. În ciuda faptului că se află în umbră, Rembrandt îl înfățișează foarte clar. În colțul din dreapta jos al pânzei, din cel mai întunecat loc, ascuns în spatele tulpinilor de ciulin, Diavolul în formă de câine se uită la tine și pare să-ți pună o întrebare:
„Te-ai implicat în ceea ce se întâmplă?”
Da, maestrul olandez nu a fost niciodată mulțumit de rama unui tablou; a visat că pânzele sale vor deveni parte din această lume și că privitorul va deveni un participant direct la ceea ce se întâmplă. Dar tocmai această dorință l-a coborât de pe culmile gloriei în abisul uitării de secole.
Nenorocirea și uitarea vin la fel de repede ca averea și gloria. Rembrandt Harmens van Rijn a experimentat acest lucru direct în 1642. Bineînțeles, au existat dureri înainte de asta: copiii lui au murit în copilărie. Un singur fiu a supraviețuit, Titus, născut în 1641. Dar un an mai târziu, iubita lui soție Saskia, cu care a trăit mulți ani, a părăsit această lume. Iar odată cu această pierdere, și norocul s-a întors de la artist, s-a întors în momentul în care a realizat unul dintre cele mai mari tablouri ale sale.
Putem vorbi la nesfârșit despre „Night Watch” al lui Rembrandt. Acest tablou este atât de mare în conținutul său, atât de unic în compoziția sa structurată, încât istoria creației sale este destul de demnă de o carte separată, nu de un articol. Dar, așa cum se întâmplă adesea în viață, această creație, care mai târziu a schimbat radical întreaga dezvoltare a picturii mondiale, a fost respinsă de contemporanii săi.
Clienților nu le-a plăcut felul în care au fost reprezentați și mulți dintre ei au refuzat să plătească pentru munca artistului. Cel mai faimos pictor al Țărilor de Jos nu a experimentat niciodată o asemenea umilință. Într-un an, Rembrandt și-a pierdut iubita soție și a suferit un fiasco cu cea mai bună lucrare a sa. S-ar părea că este suficient, dar nu, acesta a fost doar începutul tragediei. Comenzile au devenit din ce în ce mai puține (clasicismul și stilul portretelor ceremoniale au intrat în modă), iar în curând proprietatea artistului a fost vândută pentru datorii. Dintr-un conac imens din chiar centrul Amsterdamului, a fost nevoit să se mute la marginea orașului, în Cartierul Evreiesc, unde a închiriat mai multe camere cu fiul său iubit Titus.
Cel mai interesant lucru este că Rembrandt s-ar putea adapta cu ușurință la cele mai recente tendințe de modă în artă și ar putea primi din nou bani mari pentru pânzele sale. Însă pictorul era convins că trebuie să creeze un stil complet nou. Portretele sale nu mai erau ale oamenilor bogați, ci ale celor mai simpli cetățeni ai orașului Amsterdam. Acesta este, de exemplu, „Portretul unui evreu bătrân”.
Rembrandt nu mai era interesat de reprezentările detaliate ale tuturor articolelor de îmbrăcăminte; s-a străduit pentru o mai mare abstracție, străduindu-se să arate sentimentele personajelor sale cu o acuratețe perfectă. Pentru perseverența lui, a primit doar suferință și palme. Acest lucru s-a întâmplat cu pictura sa „Conspirația lui Julius Civilis”.
În loc de o imagine clasică, pompoasă, patriotică, bătrânul maestru a prezentat asta publicului.
În fața noastră este o imagine a unui festin barbar, nepoliticos, inestetic. Acest tablou a fost cu aproape 300 de ani înaintea timpului său, anticipând pictura expresionistă. Nu este surprinzător că capodopera maestrului a fost respinsă, iar numele său a fost acoperit de o rușine de neșters. Dar tocmai acești ultimi opt ani din viața lui, petrecuți într-o sărăcie absolută, de nepătruns, sunt una dintre cele mai fructuoase perioade din opera lui Rembrandt.
Cred că voi scrie despre picturile din acea perioadă, inclusiv „Întoarcerea fiului risipitor” într-un articol separat. Acum vreau să vorbesc despre altceva. Am fost mereu uimit de cum Rembrandt a putut să lucreze și să-și dezvolte talentul atunci când loviturile destinului plouau asupra lui de pretutindeni. Acest lucru nu a putut continua mult timp, iar artistul a avut un presentiment.
Lovitura finală este întotdeauna dată în zona care doare cel mai mult. Era singurul fiu, Titus, un băiat foarte bolnav care semăna cu mama lui moartă. El a fost cel mai des înfățișat Rembrandt la acea vreme: atât sub forma unui înger în pictura „Matei și îngerul”, cât și lectură, precum și în diverse costume. Poate că pictorul s-a gândit că cu ajutorul talentului său va reuși cumva să întârzie inevitabilul... Nu a fost posibil...
După părerea mea, „Portretul lui Titus în robe de călugăr” este una dintre cele mai pline de suflet picturi ale lui Rembrandt. Toată dragostea tatălui ei și tot talentul ei de pictor s-a manifestat în ea. În toate aceste mișcări aspre, în acest întuneric care înainta spre tânărul din stânga, în plantele care îi înconjoară deja corpul, un lucru iese în evidență - chipul palid al fiului artistului, cu ochii în jos, plini de smerenie.
Titus a murit în 1668, Rembrandt i-a supraviețuit doar cu un an.
Murea la periferia Amsterdamului, absolut singur, după ce a primit totul în această viață și a pierdut totul. Au uitat multă vreme de picturile lui... Dar au trecut 150 de ani, iar alți artiști au auzit deja ce încerca maestrul să le spună contemporanilor săi, care și-au ales propriul drum unic în loc de faimă și bani.
