Estetica (din greacă - referitor la sentiment) este o disciplină filosofică. Subiectul său este definit în moduri diferite. Estetica este adesea considerată o știință filozofică a frumosului, a frumosului și a sublimului. Conform definiției sale mai moderne, estetica este o metaștiință în relație cu întregul complex de discipline de istoria artei, cum ar fi critica literară, muzicologia, teoria teatrului și teoria cinematografiei. Pentru a introduce cititorul în problemele discutate, prezentăm principalele tendințe estetice.
Tabelul 8.1.
Deci, există multe tendințe estetice, unele dintre ele, și într-o formă simplificată în mod deliberat, sunt prezentate în Tabel. 8.1. Mai sus, aceste direcții au fost doar menționate. Dar acum este timpul să punem o întrebare cu adevărat relevantă din punct de vedere filozofic. Cum se poate înțelege tărâmul esteticii? Este timpul să începeți să căutați un răspuns la această întrebare.
Marea majoritate a filozofilor cred că estetica a fost prezentată pentru prima dată într-o formă sistematică de I. Kant în cartea sa Critica capacității de judecată (1790). Ideea sa decisivă a fost că gustul estetic, care se manifestă ca o înclinație spre cutare sau cutare subiect, își are premisa a priori în minte și aceasta este facultatea de a judeca. În interiorul nostru există o astfel de armonie care permite oricărei percepții senzoriale să fie evaluată ca aducătoare sau nu de plăcere. Astfel, estetica, ca și alte științe, își are premisele a priori în minte. Dar, după Kant, estetica, spre deosebire de etică, nu dezvoltă anumite scopuri care trebuie atinse. Judecata frumuseții exclude interesul pentru obiectiv. Nu este instrumental și absolut. Arta este dezinteresată, iar în această calitate este universală. Universalul în artă acționează ca un sentiment general. „În toate judecățile în care recunoaștem ceva frumos, nu permitem nimănui să aibă o altă părere, deși ne bazăm judecata nu pe concepte, ci doar pe sentimentul nostru, pe care, prin urmare, îl luăm ca bază, nu ca un sentiment privat, dar ca general. După cum putem vedea, Kant, în dorința sa de a justifica estetica ca disciplină filozofică, a degradat conceptele în favoarea simțurilor. Nu a făcut-o întâmplător. Mulți artiști, cu fiecare ocazie, subliniază că, spre deosebire de știință, arta nu se ocupă de concepte, ci de sentimente. După Kant, teoria estetică a fost revizuită de multe ori, dar, de regulă, ținând cont de ceea ce a făcut el. Să ne întoarcem și la cele mai relevante probleme în ceea ce privește înțelegerea naturii esteticii.
În primul rând, nu există nicio îndoială că în artă ei operează cu valori. Nu există nicio îndoială că eroii operelor literare sunt ghidați de valori diferite. Dar orice operă de artă are un conținut de valoare conceptuală. Dacă, de exemplu, blues-ul exprimă melancolie, singurătate și tragedie, atunci marșul muzical exprimă bravura și solemnitatea. Valoarea estetică este întotdeauna un concept prin care se interpretează conținutul unei opere de artă.
În al doilea rând, ni se pare că valorile estetice nu trebuie calificate drept sentimente generale. Conceptele, indiferent căreia îi aparțin, apar întotdeauna în unitatea sentimentului și gândirii. Este ciudat să spunem că, de exemplu, celebrele poezii ale lui K. Simonov „Așteaptă-mă” exprimă sentimente, dar nu gânduri. Estetica sunt concepte speciale, dar nu rezultă de aici că sunt lipsite de conținut mental.
În al treilea rând, arta este un domeniu cu cea mai largă variație de valori. Abundența valorilor caracteristice artei nu se regăsește în nicio altă zonă a realității.
În al patrulea rând, arta se ocupă de ficțiune, toate lumile ei sunt pur imaginare. Este absurd să argumentăm că realitatea trebuie reconstruită în conformitate cu o operă de artă. Moraliștii se găsesc adesea printre artiști, iar uneori, ca în cazul lui F.M. Dostoievski și L.N. Tolstoi, chiar etica remarcabilă. Dar acest lucru are loc numai în măsura în care valorile etice sunt imputate valorilor estetice.
În al cincilea rând, este extrem de îndoielnic că arta, așa cum se pretinde adesea, este lipsită de criterii de adevăr. Credința în cauză se bazează pe faptul că arta nu este o descriere a realității și, prin urmare, nu poate fi adevărată sau falsă. Dar nu este deloc necesar să asociem criteriul adevărului cu o descriere a realității. Adevărul are loc acolo unde există o anumită separare, ceva este acceptat și ceva este respins. Acest tip de proces nu este mai puțin caracteristic artei decât oricărui alt domeniu al activității umane. Adevărul estetic este un fel de adevăr pragmatic, este stabilit în conformitate cu conținutul teoriilor criticii de artă. Munca care este mai pricepută este mai semnificativă.
În al șaselea rând, artistul se străduiește să creeze o operă de artă. În consecință, el este ghidat de un principiu specific al responsabilității, care acționează ca principiu al priceperii.
În al șaptelea rând, oamenii implicați în domeniul artei, din punct de vedere al conceptelor, sunt cu siguranță ghidați de anumite teorii. Strict vorbind, aceste teorii nu sunt estetice, ci istoria artei.
În al optulea rând, potențialul filosofiei este realizat prin problematizarea și critica teoriilor criticii de artă. În forma sa metafizică, estetica înlocuiește critica de artă. Dezvoltarea lui duce la transferul esteticii la nivel metaștiințific. Sisteme respectiv K.S. Stanislavsky și B. Brecht sunt varietăți de teorii ale teatrului. Dar aceste teorii nu sunt lipsite de probleme de conținut. Pentru a-i face față, este nevoie de filozofie, și anume de estetică.
În al nouălea rând, lumea diversă a valorilor istoriei artei este grupată prin anumite teorii. Nu poate fi reprezentat de o singură categorie, cum ar fi conceptul de frumusețe. Prin urmare, toate încercările de a defini frumusețea sunt sortite eșecului.
În al zecelea rând, opoziția artei, a criticii de artă și a esteticii față de știință este o relicvă metafizică. Vitalitatea sa este determinată de natura subdezvoltată a criticii și esteticii de artă contemporană. Foarte des, critica de artă și estetica sunt pur și simplu identificate.
Deci, estetica este o zonă extrem de conceptuală a cunoștințelor axiologice filozofice, care, contribuind la îmbunătățirea unei persoane, ocupă un loc proeminent în viața sa. Cât despre valorile istoriei artei, acestea sunt inventate. Dacă o persoană nu ar avea o capacitate creativă, atunci, probabil, nu ar exista deloc sferă de artă.
Valorile artistice pot fi imputate altor concepte. Dacă se întâmplă acest lucru, atunci există o conexiune interdisciplinară bine definită. În acest sens, statutul designului, unul dintre domeniile designului de produs industrial, este foarte orientativ. Conceptele de design sunt originale, dar pot fi „încărcate” cu conținut artistic. Uneori sportul este echivalat cu arta. Dar această identificare este, de asemenea, insuportabilă. Au spus, de exemplu, că pentru M. Tal șahul este o artă, iar pentru M. Botvinnik este o știință. Dar într-un meci unul cu celălalt, ambii se străduiau să câștige, iar acesta este conceptul de sport.
Trebuie remarcat faptul că în ceea ce privește interpretarea statutului esteticii, filozofii moderni sunt foarte activi. Statutul eticii este interpretat în conformitate cu conținutul principalelor tendințe filozofice.
Tabelul 8.2.
Dezavantajul mesei. 8.2 concepte este că toate nu iau în considerare de ultimă oră discipline de istoria artei (teorii ale teatrului, cinematografiei etc.). Dar, pe de altă parte, ele sunt relevante ca interpretări ale acestor discipline (conținutul lor nu poate fi luat în considerare în cadrul acestei cărți).
În încheierea paragrafului, să ne întoarcem la problema relevanței artei în viața oamenilor. Arta însăși și teoriile ei, așa cum sa menționat deja, nu sunt orientate spre reconstrucția realității. Cu toate acestea, este foarte relevant. Acest lucru se explică prin faptul că, în cadrul culturii umane, estetica este vecinul cel mai apropiat al eticii. Este imposibil să-i ții izolați unul de celălalt. Prin urmare, într-o formă sau alta, estetica este inevitabil încărcată de etic. Estetica devine un simbol al eticii. Din această cauză, estetica capătă nu doar un caracter pur teoretic, ci și un caracter practic. Mii de filme spun despre relația dintre detectivi și criminali. Niciunul dintre aceste filme nu este un ghid pentru comportamentul vreunuia oameni adevărați. Dar spectatorul le poate interpreta astfel. Drept urmare, unul ia un indiciu de la criminalul de ecran, iar celălalt de la detectivul de ecran. Este posibil ca regizorul filmului să nu-și dorească acest lucru, dar spectatorul interpretează conținutul filmului nu la cererea lui, ci în conformitate cu propriile idei estetice și etice.
Sfera esteticii (arta, critica de arta si estetica), desigur, nu este orientata in mod unic catre bine. În acest sens, aforismul prințului Mișkin din celebrul roman al lui F.M. „Frumusețea va salva lumea” a lui Dostoievski nu trebuie luată ca o lege științifică. Dostoievski însuși a remarcat în mod repetat că răul și rușinea sunt adesea asociate cu frumusețea. Lumea va fi salvată nu prin frumusețe, ci prin vigilența oamenilor care folosesc în mod responsabil potențialul subștiinței și metaștiinței, inclusiv estetica și mai ales etica.
Astfel, sfera esteticii este ambiguă din punct de vedere etic. Nu tot ceea ce se întâmplă în el merită laude. În acest sens, arta pop (arta populară sau cultura de masă) este adesea evaluată negativ. Se observă că, în variabilitatea sa, este supusă modei, comercialismului, gusturilor de bază. Dintr-un alt punct de vedere, arta pop este doar un mod de viață de zi cu zi.
Destul de des, sfera esteticii este identificată cu cultura. Totuși, această poziție nu este dominantă. Pentru informarea cititorului, prezentăm semnificația unui număr de termeni culturali.
Tabelul 8.3.
Societatea umană în timpul existenței sale a creat o cultură ramificată.Viitorul ei depinde de oameni. În furnizarea sa, nu există un suport mai de încredere decât știința și metaștiința, în special estetica și etica.
- - În opinia mea, arta contemporană este inacceptabilă de luat în considerare în afara economiei. Iar ideea aici nu este că economia paralizează arta. Tocmai în era dezvoltată relaţiile de piaţă arta devine diferită.
- - Legătura dintre artă și economie, desigur, există. Dar, în opinia mea, subestimezi în mod clar independența relativă a artei față de economie.
- - Nu neg această independență. Dar nu văd nimic în neregulă cu artiștii care încearcă să facă mulți bani.
- - Prin orice mijloace?
- - Nu oricare, ci cele care sunt eficiente din punct de vedere economic.
- - Arta nu este o afacere, ci o sferă de activitate a oamenilor legată de economie.
- - Dar de ce să nu evaluăm arta pur și simplu ca pe o afacere?
- - În istoria artei prevalează valori diferite decât în economie. Și asta este ideea. Dacă toate sferele activității vieții oamenilor sunt reduse la economie, atunci veți obține o societate descrisă în filmul lui G. Danelia „Kin-dza-dza”.
- 1. Arta se ocupă de domeniul ficțiunii.
- 2. Istoria artei este un set de teorii despre artă. Îndeplinește toate cerințele care se aplică științei.
- 3. Estetica este o metaștiință în raport cu istoria artei.
- 4. În interpretarea metafizică a esteticii, ea înlocuiește istoria artei.
- 5. Principalele tendințe estetice contemporane sunt avangarda, modernismul și postmodernismul.
- 6. În cadrul fiecărei direcții filosofice principale, statutul esteticii este definit în mod special.
- 7. Valorile estetice fac parte din teoriile istoriei artei.
- 8. Estetica poate fi un simbol al eticii.
- 9. Viitorul culturii umane depinde de oameni.
Valorile estetice sunt acele lucruri, obiecte, stări și fenomene (de exemplu, opere de artă sau mediul natural), care poate provoca o reacție pozitivă sau negativă la o persoană în timpul evaluării sale estetice.
Semnificația conceptului
Valoarea poate avea semnificații diferite. de exemplu, în obiectele de artă poate fi sentimental, istoric sau financiar. În deșert, poate fi atât economic, cât și recreațional. Se crede că marile opere de artă au un fel de valoare non-intelectuală și non-utilitara, care are importanță centrală când sunt privite ca opere de artă. S-ar putea crede că această proprietate a culturii estetice se bazează pe frumusețe, dar multe opere de artă nu sunt frumoase. Prin urmare, ar fi mai plauzibil să spunem că frumusețea este un tip special din această categorie în cauză.
Atitudine față de artă
Valorile artistice și estetice pe care o operă de artă le posedă (și majoritatea care va fi extins la mediu inconjurator) sunt legate de experiența pe care o oferă atunci când sunt percepute în mod corespunzător. Dacă aceasta oferă plăcere în virtutea percepției unei persoane asupra frumuseții, eleganței, grației, armoniei, proporției, unității etc., atunci vom vorbi despre valoarea estetică pozitivă a culturii. Dacă acest lucru provoacă neplăcere din cauza urâțeniei sau a dezgustului, putem spune că acest obiect va avea această proprietate negativă din punct de vedere al esteticii. Este important de remarcat faptul că sensul estetic al plăcerii sau neplăcerii care merită atenție este cel mai bine văzut ca fiind îndreptat către obiectul în cauză, mai degrabă decât pur și simplu cauzat de acesta.
Estetica în filozofie
Termenul „estetic” (derivat din cuvântul grecesc „estetică”, adică percepție senzorială) a căpătat semnificație filosofică în secolul al XVIII-lea prin teoreticienii iluminismului britanic precum Shaftesbury (1711), Hutcheson (1725) și Hume (1757). Ei au dezvoltat teorii ale simțului frumosului și ale facultății gustului - acele proprietăți care se presupune că ne permit să judecăm frumusețea sau urâțenia.
Baumgarten (1750), introducând termenul „estetică”, a subliniat mai degrabă natura senzorială decât cea intelectuală a unor astfel de judecăți. Ideea s-a dezvoltat apoi în conceptul lui Kant (1790) de judecăți estetice, care au fost văzute ca conceptuale și au provenit numai din plăcere sau neplăcere. Kant identifică o subcategorie a judecăților estetice (și anume judecățile frumosului), pe care le caracterizează ca fiind dezinteresate, adică indiferent de interesul pentru existență sau de valoarea practică a obiectului. Această concepție kantiană despre judecata dezinteresată, înrădăcinată în experiența hedonistă, stă la baza multora teorii moderne valoarea estetică a unei persoane.
Subiectivitatea esteticii în filosofie
Accentul pus pe plăcere și neplăcere a fost întotdeauna o provocare la adresa obiectivității valorii estetice și estetice. judecăți de valoare. Această întrebare a devenit subiect de controversă în rândul filosofilor. Dar, în timp ce unii cred că valorile estetice sunt o chestiune de preferință personală, a existat întotdeauna o puternică rezistență filozofică împotriva subiectivismului atât de radical. La urma urmei, oamenii se ceartă despre probleme estetice, iar aceste dezbateri par consistente. Dacă estetica ar fi doar o chestiune de preferință personală, astfel de argumente ar părea nemotivate și iraționale.
Kant, de exemplu, ia în considerare judecățile estetice subiective în măsura în care acestea sunt înrădăcinate în plăcere sau neplăcere, dar susține, de asemenea, că judecățile de frumos sunt legate de pretenția de universalitate; adică decizia că ceva este frumos (și, prin urmare, valoros din punct de vedere estetic) este legată de afirmația că ceilalți trebuie să fie de acord. Și, așa cum subliniază Hume, oamenii nu tratează toate judecățile de gust cu aceeași corectitudine. În plus, capacitatea unor obiecte culturale de a trece „testul timpului” pare să sugereze că valorile estetice ale artei nu sunt pur și simplu legate de oameni sau culturi.
Astfel, subiectivismul radical sau relativismul cu privire la valoarea estetică pare neplauzibil. Cu toate acestea, în timp ce mulți filozofi resping relativismul cu totul, unii cred că valoarea estetică este un domeniu caracterizat de un anumit grad de relativism (Hume, 1757; Goldman, 2001; Eaton, 2001).
Dispute filozofice
Inspirați de disocierea lui Kant dintre judecățile estetice și judecățile practice, teoreticienii atitudinii estetice din secolul al XX-lea (Bullow, 1912; Stolnitz, 1960) au apărat punctul de vedere conform căruia un mod particular, nepractic, de a contempla un obiect permite recunoașterea trăsăturilor estetice ale obiectelor. şi, prin urmare, valoarea lor estetică. Cu toate acestea, ideea unei relații specifice a fost criticată, atât pe motiv de neplauzibilitate psihologică, cât și pentru că separă în mod nejustificat estetica de valoarea cognitivă și morală.
Extindere în filosofie
Treptat, evenimentele au dus la extinderea categoriei de estetică. Astfel, valorile estetice nu sunt doar trăsături formale ale operelor de artă, ci sunt considerate din ce în ce mai mult ca depind de alte proprietăți sau pot interacționa cu diverse alte aspecte, în primul rând factori contextuali, cognitivi și morali.
O altă tendință este dezvoltarea esteticii virtuții, care explorează dispozițiile psihologice și comportamentale cele mai propice recunoașterii și producerii valorii estetice. Domeniile emergente ale esteticii de mediu și de zi cu zi extind sfera valorii mult dincolo de arte, pentru a include practic orice obiect. Departe de a fi o simplă întreprindere teoretică, provocarea centrală a acestor evoluții recente este de a înțelege cât mai mult posibil rolul pe care valoarea estetică îl poate juca în politica de mediu și modul în care promovează bunăstarea și viața bună.
feluri
Formarea valorilor educației estetice are loc în acest proces dezvoltare istorica societate. Acest lucru provoacă diversitatea lor. Calitatea relațiilor de valoare este influențată nu numai de subiecți și obiecte, ci și de condițiile și circumstanțele în care se formează această relație.
Distincția dintre diferitele tipuri de valori se bazează pe temeiuri diferite. În special, ele pot fi pragmatice, adică bazate pe relații care sunt asociate cu nevoi umane pragmatice (materiale, vitale, utilitare). În acest caz, ele pot fi determinate de utilitatea obiectului. Valorile pot fi, de asemenea, super-pragmatice, adică dezvăluie valoarea spirituală, non-utilitară a lumii. În același timp, specificul lor poate fi explicat prin intermediul unui astfel de concept ca sens.
Relații de valoare
Semnificația subiectului se formează atunci când se creează o relație cu o persoană. Prin urmare, în cadrul culturii, se formează modalități speciale de consolidare și transmitere a valorilor din generație în generație, reprezentate de tradiții sau obiceiuri, instituții publice speciale: sistemul de învățământ, instituții de cultură etc.
Conservarea și transmiterea acestora este una dintre cele mai importante sarcini. Ambele pot fi pierdute cu ușurință, iar restaurarea lor poate deveni foarte dificilă. Așa se explică un fel de „redundanță” a mecanismelor de stabilire a valorilor morale și estetice, care tind să dezvăluie suprasemnificația acestora din urmă. În special, în religie, valorile spirituale sunt puse pe primul loc, iar cele pragmatice, de fapt, pot fi chiar ignorate. Această abordare duce la apariția unor forme extreme de asceză.
Valorile morale
Această categorie, în funcție de conținut, este împărțită în tipuri. În special, etica este studiul valorilor morale, estetica - estetică și artistică, studiile religioase sunt studiul religiosului. Toate aceste discipline științifice se preocupă și de studiul modalităților culturale respective prin care diferitele lor forme pot fi păstrate și transmise.
Cele mai semnificative valori morale sunt considerate în primul rând libertate, dreptate, fericire. Din punct de vedere al moralității, o persoană și viața lui sunt cele mai importante categorii. În același timp, ele au fost adesea considerate ca valori doar în raport cu un cerc restrâns de oameni și, în același timp, depreciate pentru toți ceilalți.
La nivelul relaţiilor interpersonale, aceasta ia forma unor metode violente de educaţie, care sunt folosite ca o restrângere a libertăţii, umilire sau încălcare a justiţiei în raport cu copilul. Într-un sens mai larg, aceasta poate lua forma discriminării rasiale și de altă natură, restrângerea drepturilor și libertăților pe una sau alta bază etc.
Sensul moralității
Morala asigură transmiterea și păstrarea sistemului său de valori morale și estetice. Este un fel de bază pentru aceste procese. Formarea valorilor, estetice și morale, are loc în cursul creării în condițiile unei anumite epoci și mediului cultural a unui anumit tip de persoană care este ideal moral a acestei culturi, pe care oamenii obișnuiți aspiră să o întruchipeze.
VALOARE ESTETICĂ - termen folosit pentru a desemna un obiect de atitudine estetică în el valoare pozitivă. Diferența dintre conceptele de valoare estetică constă în modul în care este înțeleasă sursa, baza, esența acesteia. Acesta este fie Dumnezeu (Thomas Aquinas, neo-tomism), idee (Platon, Hegel), sentimente umane (D. Santayana, D. Dewey), „suprareal” (N. Hartman), regularitate naturală (E. Burke, W. Hogarth), esența înțeleasă antropologic a unei persoane (D. Feuerbach), sau relații sociale care se formează în procesul practicii socio-istorice.
Valoarea estetică are obiectivitate în două privințe, în primul rând, reprezintă unele obiecte, lucruri, fenomene cu anumite proprietăți și, în al doilea rând, are o anumită valoare obiectivă pentru o persoană și societate. Dezvoltarea valorii estetice se realizează în procesul de evaluare, inclusă în experiența estetică, gust, ideal. Conformitatea evaluării estetice cu valoarea estetică determină adevărul judecăţii estetice. Valorile estetice pot fi create în diferite tipuri de activitate umană, deoarece creativitatea se manifestă în ele „tot după legile frumuseții” (K. Marx). Valoarea artistică este un tip special de valoare estetică.
Valoarea estetică este interconectată cu alte valori materiale și spirituale. Specificul său se manifestă în particularitățile structurii și conținutului valorii estetice „se intersectează” cu valorile materiale și practice, în măsura în care acestea din urmă combină nevoile individului și ale societății și exprimă cea mai mare oportunitate. Pe această bază, există o întrepătrundere a acestora și a valorii estetice în produse de înaltă calitate a muncii industriale și artistice (arhitectură, artă aplicată, design). În același timp, valoarea estetică se opune unor astfel de valori utilitare care au un caracter îngust de consumator și o orientare egoistă, deoarece atitudinea estetică se caracterizează prin faptul că este o zonă a celor mai înalte interese ale individului și, în acest sens, dezinteresat. Spre deosebire de valori spirituale precum morală, socio-politică, cognitivă, religioasă, forma joacă un rol foarte important în valoarea estetică. Importanța formei se datorează particularităților conținutului său; valoarea estetică întruchipează o multitudine de sensuri diferite: semnificație psihofiziologică pentru simțurile umane, valori asociate cu esența muncii umane, cu diverse relații sociale; valori pentru cunoaștere, autocunoaștere, pentru educație și autoeducare, pentru orientare spre valoare, pentru comunicarea între oameni, ca stimulent pentru activitatea creativă, pentru distracție. Toate aceste semnificații sunt combinate într-un singur complex, unic pentru fiecare fenomen specific. Caracteristicile unice ale formei fenomenului fac posibilă combinarea, unirea, captarea complexelor inimitabile, unice, de diferite valori de valoare estetică. Esența valorii estetice este afirmarea unei persoane în realitate, manifestarea dezvoltării libere și dezvoltării libertății omului și a societății. Potrivit lui F. Engels, „fiecare pas înainte pe calea culturii a fost un pas către libertate” valorile estetice sunt repere pe această cale.
Deținând specificul său, valoarea estetică nu este autonomă în raport cu alte valori. Pe baza comunității sale cu alte valori spirituale, se formează valori estetico-morale, estetico-politice, estetico-cognitive, atunci când umanismul, oportunitatea și libertatea, care stau la baza oricărei valori adevărate, își găsesc expresia și întruchiparea într-o formă senzuală concretă. . Unul dintre scopurile artei este descoperirea principiului estetic în diverse relații publiceși îmbină valorile morale și socio-politice cu valoarea estetică.
Valoarea estetică are diverse forme de manifestare, fixate pe categorii estetice. Frumosul este principala valoare estetică, standardul său. Sublimul este și un fel de valoare estetică. Dacă frumosul și sublimul sunt întruchiparea directă a valorii estetice, atunci urâtul și baza sunt antipozii lui, ele aparțin antivalorilor estetice, adică obiectului unei atitudini estetice care are o valoare negativă. Tragicul și comicul se formează ca urmare a unei împletiri complexe de forțe care apar în contradicție între valoarea estetică și antivaloarea estetică. Tragicul din punct de vedere axiologic poate fi considerat ca o afirmație a valorii unui fenomen care piere sau suferă în confruntarea cu forțele ostile. Comicul, în schimb, este autodezvăluirea fenomenelor și a oamenilor, descoperirea adevăratului lor sens, care se dovedește a fi nesemnificativ, antivaloric, în contrast cu adevărata valoare estetică. Astfel, afirmarea comică a valorii estetice prin negația negației sale.
Datorită universalității sale, valoarea estetică prin artă și dincolo de aceasta joacă un rol deosebit în formarea calităților sociale ale individului, introducând o persoană nu numai în diferitele comunități de oameni, grupuri sociale și colective, ci și în umanitate, în „esența generică a omului” (K. Marx) și, prin urmare, în timpul percepției și creării sale, evocă cea mai înaltă plăcere umană - sentimentul „fericirii de a fi bărbat” (G. Uspensky).
Principalele valori estetice includ: estetică adecvată, frumos, armonie, artă, sublim, catharsis, tragic, comic, grațios. Desigur, valorile estetice nu sunt în niciun caz epuizate de aceste categorii. Deci, putem vorbi, de exemplu, despre atingere, fermecătoare, grațioasă și alte valori posibile de ordin estetic. Într-o oarecare măsură, principalele valori estetice le absorb pe altele posibile. Estetica este un fel de metacategorie. Pe de altă parte, este imposibil să enumerați toate valorile estetice posibile (la fel cum este imposibil să enumerați toate valorile în general). Vom lua în considerare aici caracteristici valorile estetice de bază.
Încă din cele mai vechi timpuri, frumusețea a fost considerată principala categorie estetică. Și meta-categoria estetică în sine a fost asociată tocmai cu frumosul. Acest lucru poate fi dedus din relația tradițională armonioasă dintre om și lume. Inițial, în cultura antică, o persoană este o ființă contemplativă. Se știe că grecii aveau abilitate unică să simtă și să vadă frumusețea naturii din jurul lor și a spațiului în general. Până acum, statuia lui Samson este un model de frumusețe masculină.
Cu toate acestea, în prezent, estetic și frumos nu sunt deloc concepte identice, așa cum relația dintre om și lume este acum destul de dizarmonică. Mulți dintre cei mai mari artiști de astăzi simt acest lucru în mod intuitiv și îl exprimă în propria lor lucrare. Astfel, se poate auzi adesea un reproș la adresa compozitorilor secolului trecut că muzica lor nu este melodioasă, că abuzează de disonanțe, că, în sfârșit, în general, lucrările lor nu au o formă finită (fragmentarea structurală este una dintre trăsături). a artei moderne). Sau se poate observa că în poezia occidentală (spre deosebire de poezia rusă, care încă nu are capacitatea de a depăși netezimea artificială exterioară a normelor estetice sovietice), rima tradițională, care părea a fi veche de secole, a fost de mult abandonată și chiar ritmul de armonizare a fost înlocuit cu un cu totul alt ritm, ca să spunem așa, tulburător.
Astfel, estetica este acum asociată nu numai și nu atât cu frumosul, cât și cu ceea ce este expresiv. Aparent, este necesar să recunoaștem că ceva dizarmonic în timpul nostru este mai expresiv decât armonios. Cunoscuta frază că este absurd să scrii poezie după Auschwitz s-ar putea concretiza astfel: după Auschwitz este absurd să scrii poezie armonioasă. Și acest lucru nu este legat de schimbările care apar exclusiv în sfera esteticii, ci de o schimbare a atitudinii unei persoane față de lume și față de sine. Rețineți că expresivitatea se manifestă nu numai în estetic, dar aici expresivitatea este importantă în superlativ. Estetica nu are de-a face doar cu expresivitatea, ci, ca să spunem așa, cu expresivitatea condensată. Estetica este saturată de expresivitate.
Pe de altă parte, odată cu trecerea timpului are loc o expansiune a sferei însăși a esteticii. Omul modern pare estetic ceea ce a fost scos anterior din ea. În linii mari, acest lucru se întâmplă tocmai pentru că estetica a părăsit patul procustean al frumosului și a devenit o valoare independentă care nu trebuie susținută de altceva.
Deci, am făcut distincția între conceptele de estetic și frumos. Acum este important să facem distincția între estetic și utilitar, deoarece încă din antichitate există o viziune care identifică aceste concepte. De exemplu, un astfel de raționament al lui Platon, pe care l-a pus în gura lui Socrate, este cunoscut: un scut decorat cu pricepere, care nu protejează un războinic de dușmani, nu poate fi considerat frumos (aici se identifică și esteticul și frumosul). Un scut care este util în luptă este frumos, chiar dacă nu este deloc decorat. În acest raționament, specificul valorii estetice este ignorat în mod deliberat. Strict vorbind, nu este un scut decorat sau un scut util care este estetic, ci scutul care va rezista la evaluarea estetică. Adevărata frumusețe nu are nevoie de înfrumusețare. În consecință, se poate spune că estetica scutului nu constă deloc în a fi decorat și chiar frumos în general. Scutul ar trebui să fie un purtător de cuvânt pentru ceva. Un scut complet inestetic care a fost în lupte, cu cicatrici de la loviturile de sabie, poate chiar doar un fel de ciot de scut, care exprimă soarta nu a acestui scut și nu a scutului ca atare, ci a scutului ca atare. existent lucruri mult mai expresive decât doar un scut decorat. Dar este, de asemenea, mai expresiv și doar un scut puternic. Altfel, ar trebui să ne identificăm simțul estetic cu un simț al aprobării utilitariste și identifică arta cu meșteșugul.
Cel mai faimos teoretician al inutilității esteticii este marele filozof german al Iluminismului, Immanuel Kant, care a susținut că gustul estetic al unei persoane este capabil să recunoască valori care nu stau în beneficiul direct pentru această persoană. Astfel, esența relației estetice constă în bucuria dezinteresată a lucrului. Într-adevăr, mâncarea ne saturează, dar de ce ar trebui să ascultăm un lucru atât de ciudat și efemer precum muzica? Plăcerea din care iei Mâncare gustoasă, este asociat cu interesul propriu al saturației, iar plăcerea muzicii este plăcerea în care se află formă pură. Toate ființele vii au nevoie de saturație și numai oamenii au capacitatea de a primi satisfacție estetică.
Valoarea estetică este asociată într-o măsură mai mare cu forma, iar utilitar - cu conținutul. Care este diferența dintre o casă care poate mulțumi nu doar instinctul posesiv al proprietarului ei, ci și ochii lui, față de unul obișnuit? În primul rând, desigur, forma, deoarece puteți trăi în orice formă a casei. Cu toate acestea, abia atunci când linia fragilă dintre simpla bunătate și estetică va fi depășită va începe aprecierea estetică pură. În linii mari, nu numai că este imposibil să trăiești într-o casă perfectă din punct de vedere estetic, dar este chiar imposibil să-ți imaginezi că cineva poate locui în ea.
Important în sistemul de valori estetice este conceptul frumoasa. Inițial, în estetica antică, frumusețea, frumusețea este obiectivă și este poate cea mai semnificativă trăsătură care distinge tot ceea ce există de inexistent. Și cum poate tot ceea ce există să nu fie frumos dacă nu există undeva, ci în cosmosul însuși? Cuvântul „cosmos” pentru greci înseamnă în același timp întreaga lume, și decor, și frumusețe desăvârșită, și ordine perfectă și armonie stabilită de creatorul cosmosului, demiurgul. Și astăzi rădăcina cuvântului „cosmos” nu și-a pierdut încă toată bogăția acestor semnificații. Să ne amintim cel puțin cuvântul „cosmetice” care este adesea folosit în lexicul maselor de oameni.
Platon a exprimat înțelegerea metafizică și idealistă a frumosului: „Frumosul există pentru totdeauna, nu se distruge, nu crește, nu scade. Nu este nici frumos aici, nici urât acolo, ... nici frumos într-o privință, nici urât. in alt." Frumosul, după Platon, este o idee eternă și, prin urmare, „nu apare sub forma vreunei forme, sau a mâinilor, sau a oricărei alte părți a corpului, nici sub forma vreunui discurs, nici sub formă de nicio știință, nici sub forma existenței în altceva într-o ființă vie sau pe pământ, sau în cer, sau într-un alt obiect... „În alt fel, o astfel de înțelegere a frumuseții (sau a frumuseții) poate fi numită ontologice şi non-subiective. Din acest punct de vedere, frumusețea aparține lumii eterne ideale și datorită acestei apartenențe poate fi „recunoscută” în lucruri contradictorii schimbătoare. Frumusețea însăși iese în evidență și scoate în evidență ceea ce a înnobilat din cercul devenirii, deoarece este din cercul ființei eterne.
Aristotel a prezentat câteva idei remarcabile despre esența frumuseții. În primul rând, a legat conceptul de frumos cu conceptul de măsură: „nici o ființă excesiv de mică nu ar putea deveni frumoasă, întrucât trecerea în revistă, făcută într-un timp aproape insesizabil, se contopește, nici una excesiv de mare, întrucât trecerea în revistă a ei nu se finalizează imediat. , dar unitatea și integritatea ei se pierd. O astfel de frumusețe depinde de proporționalitate, simetrie, proporționalitate a părților în relație între ele și cu întregul. În al doilea rând, Aristotel a legat conceptele de frumos și bunătate. Frumusețea, după părerea lui, este în același timp bună. O persoană neplăcută nu poate fi frumoasă; este perfect frumoasă doar atunci când este pură din punct de vedere moral. Astfel, apare conceptul de estetică nu autosuficientă, ci un fel de frumusețe etică. Estetica și etica se îmbină împreună datorită acestei înțelegeri a frumuseții. Până acum, cuvântul frumos are un sens care trece dincolo de estetic. De exemplu, folosim cuvântul bine pentru a însemna foarte bine.
Viziunea etică asupra frumuseții devine larg răspândită în estetică până în New Age. Chiar și în Renaștere, frumusețea se identifică cu morala. Cu toate acestea, în acest moment, antropocentrismul în înțelegerea frumuseții este deja în curs de dezvoltare. Corpul uman, atât de mult ascuns în Evul Mediu, începe să acționeze ca etalon al frumuseții.
În epoca clasicismului, conceptul graţios. Grațios este, desigur, și frumusețe, dar un fel aparte de frumusețe rafinată; nu frumusețea naturală, dată de natură, ci frumusețea crescută și înnobilată prin îngrijire. Amintiți-vă că clasicismul apreciază în special parcul ca natură, adusă într-o formă fină de mâinile omului și, mai ales, de rațiune. La urma urmei, nu iarba ca atare este grațioasă. Pentru ca iarba să dobândească un aspect elegant, trebuie să fie tăiată din când în când (la fel este și cu părul uman: pentru a face o coafură din ele, trebuie să fie scurtate din când în când într-un mod special). Astfel, parcul și pădurea sunt la fel de diferite ca și frumusețea grațioasă și naturală. Aparent, în viziunea estetică europeană modernă, nu este suficient să ai frumusețe din natură, trebuie și să o educi, să o „rafinezi”.
Desigur, nu este o coincidență faptul că conceptul de bun gust, inclusiv în ceea ce privește frumusețea, devine la modă în acest moment. Începe subiectivizarea frumuseții. Voltaire, de exemplu, a exprimat în mod viu dependența ideii de frumusețe de gust, după cum urmează: pentru o broască râioasă, întruchiparea frumuseții este o altă broască râioasă. Ce se poate spune împotriva unei astfel de afirmații? Platon ar răspunde probabil că un om este mai frumos decât o broască râioasă, deoarece are un suflet ca principiu etern, iar o broască râioasă nu are nimic din toate acestea.
Astfel, se pot distinge două vederi principale asupra frumuseții în estetică. Primul provine din izontologia frumuseții, independența ei față de gusturile subiective, iar al doilea subliniază relativitatea tuturor ideilor despre frumos: unul consideră un lucru frumos, celălalt - altul. A doua vedere poate veni și din istoricitatea tuturor gusturilor.
concept armonie depinde si de conceptul de frumusete. Această teză poate fi inversată: conceptul de frumusețe depinde de conceptul de armonie. În acest cadru pitagoreicii au vorbit despre frumusețe. În general, pentru greci, întregul cosmos este cosmos pentru că este aranjat în mod natural și oportun. Dacă ne uităm la cerul nopții, vom vedea că acolo domnește armonia. Toate planetele se învârt armonios în jurul luminilor lor, iar această stare de lucruri practic nu s-a schimbat de secole. Nu din cauza acestei armonii cosmosul este frumos?
Armonia înseamnă armonie. Armonia se naște din haos și nu invers. Orchestră, Minunat interpretarea în concert a unei simfonii complexe, scrisă pentru cântarea simultană a diferitelor instrumente de către mulți muzicieni, devine orchestră în cursul repetițiilor repetate. Scopul repetițiilor este să se asigure că armonia înlocuiește haosul, consistența învinge inconsecvența. Mai mult, armonia ar trebui să devină din ce în ce mai armonioasă, până când nimic altceva decât frumusețea ne apare în fața noastră. Armonia face ca nu o parte, anume, ci întregul să devină vizibilă. Astfel, o interpretare mai perfectă a unei opere muzicale va fi, desigur, una în care să nu remarcăm calitatea și talentul individual al orchestriștilor, soliştilor sau dirijorului; toate, parcă, se estompează în fundal, „dispar” de dragul simfoniei în sine, a apariției ei imediate în fața ascultătorilor uluiți. Totuși, dacă nu ar fi orchestriștii (care de fapt sunt doar particulari), dacă nu ar fi armonia lor perfectă, atunci nu ar exista nici un fenomen, nici măcar o simfonie ca atare, ci muzica însăși, în element din care se află ascultătorii în timpul concertului, uitând în ce fel de lucrare ascultă acest moment. Deci, armonia este un mijloc puternic de influență estetică.
Mai sus, atenția a fost atrasă asupra disonanței ca pe ceva nearmonios. Trebuie clarificat faptul că disonanța nu este haos din care se naște armonia. Nu, disonanța se naște din armonie și are sens doar într-un cadru armonic. Nicio muzică de avangardă nu constă în întregime din disonanțe, o astfel de muzică nu ar avea expresivitate. Disonanța poate fi comparată cu mitologizarea. De asemenea, se străduiește să devină haos direct, la fel cum mitologizarea mitologizează ceva care nu este un mit. Cu toate acestea, haosul intenționat și mitul intenționat nu sunt haos primordial sau mit primordial. Sincretismul și sinteza sunt două lucruri diferite.
Dacă observăm că relația modernă dintre om și lume este mai mult dizarmonică decât armonioasă, atunci aceasta se datorează faptului că distingem între armonie și dizarmonie. Totuși, dacă am avea de-a face exclusiv cu haosul ca atare, atunci nu am ști ce sunt armonia și dizarmonia. De asemenea, o persoană cu o viziune mitologică asupra lumii nu are nevoie de nicio mitologizare. Un compozitor care nu cunoaște armonia nu are nevoie de disonanțe pentru a-și face muzica mai expresivă. Dacă vedem că muzicii moderne serioase lipsesc melodiile, atunci asta înseamnă că suntem răsfățați de melodiozitatea muzicii clasice și romantice în persoana lui Bach, Mozart, Beethoven, Schumann și Wagner.
Astfel, relația omului cu lumea în prezent ar putea fi altfel numită post-armonică sau, dacă vreți, post-antica.
Categorie sublim ocupă un loc aparte în sistemul valorilor estetice. De fapt, sublimul se află în pragul esteticii și eticii. Există un concept al așa-numitului stil sublim. Comparați, de exemplu, cuvintele viață și viață. La prima vedere, se pare că sensul ambelor cuvinte este același, doar cuvântul viață este plin de ceva sublim sublim: nu poți spune viață despre fiecare viață. Însuși cuvântul viață, așa cum spune, exaltă ceea ce vorbește.
Retoricii antici au scris multe despre sublim. Pseudo-Longinus a văzut originea sublimului din combinarea gândurilor semnificative cu frumusețea exprimării lor formale. Deci, din nou, este nevoie de categoria frumuseții în justificarea unui alt concept estetic. Într-adevăr, înălțimea vorbirii dă nu numai conținut, ci și formă. Uneori, chiar și, după cum se știe, oratorii de seamă abuzează cu succes de influența formei asupra maselor. Cu toate acestea, acest efect fascinant dispare imediat ce devine clar că, de fapt, nu există niciun conținut remarcabil ascuns în spatele formularului. A fi un lector remarcabil nu înseamnă a fi un gânditor sau un scriitor remarcabil.
Cu toate acestea, se pot distinge două forme ale celor mai sublime, externă și interioară. Exteriorul este întruchipat în grandiozitate, monumentalitate. Astfel, piramidele faraonului au căutat prin vastitatea lor să arate că faraonul aparține sferei sublimului de deasupra sferei căreia îi aparțin supușii săi. Dar acesta este un sublim mai primitiv. Sublimul interior este sublimul subtil realizat prin rezervele ascunse în tot ceea ce există. Fiecare creatură poate să se ridice - este doar necesar vreiîn sensul deplin al cuvântului pentru ea însăși. Acest gând, poate, exprimă adevăratul sens al existenței. Din cele mai vechi timpuri, se știe o frază care spune că nu este nevoie de sublimitate exterioară, este suficientă doar interioară: „a te mulțumi cu puțin este divin”. Cuvinte frumoase, V complet exprimând esența sublimului. Să ne amintim că pentru egoismul fiecăruia dintre noi, tocmai a ne mulțumi cu puțin este cel mai dificil lucru. Aceasta înseamnă că dacă faraonul ar fi avut o înălțime interioară, atunci nu ar fi avut dorința de a-și construi o piramidă care merge spre cer. Pe de altă parte, piramida construită trebuia să înlocuiască absența internă a sublimului. Este formă fără conținut.
Sublimul este asociat cu catharsis.
În estetică, Aristotel este considerat cel mai cunoscut interpret din categoria catharsis. Cu toate acestea, Aristotel este extrem de rar în descrierea sa despre catharsis. Într-un pasaj binecunoscut din capitolul al șaselea din Poetică, doar câteva cuvinte spun: „Tragedia, cu ajutorul compasiunii și al fricii, realizează purificarea...”
Un cunoscut cercetător al esteticii antice A.F. Losev oferă o interpretare noologică originală a esenței catharsisului (din grecescul nous - minte). Mintea, de fapt, este un fel de focus al filozofiei aristotelice. După Aristotel, toate forțele spirituale, eliberându-se treptat de fluxul devenirii, în care sunt singurele posibile, se transformă într-o singură Minte. Nous, însă, nu este o latură intelectuală a sufletului sau, dacă vrei, a psihicului. Nous este mai înalt decât sufletul însuși și reprezintă cea mai înaltă concentrare a întregii multitudini de viață mentală care se răspândește într-o ședere autosuficientă într-unul. Nu se poate spune că concentrarea în minte este dominată de sentiment sau intelect. Concentrarea în minte este superioară sufletului însuși cu toate puterile sale separate. Prin urmare, catharsis ca concentrare în minte, după Aristotel, este în afara caracterului din punctul de vedere al actelor mentale individuale. De exemplu, catarsisul este în afara compasiunii sau fricii, adică cu sentimentele cu care este asociat în mod tradițional în estetică.
Potrivit lui Aristotel, catarsisul poate fi experimentat doar prin obișnuirea cu ceea ce este reprezentat, adică privitorului i se pare că i se întâmplă ceea ce este reprezentat. Losev atrage atenția asupra diferenței importante dintre purificare și inferență. Una este să experimentezi purificarea, iar alta este să tragi concluzii exclusiv mental, ca să spunem așa, intelectual.
Interpretarea catharsisului ca satisfacție morală este tradițională (cum o înțelege Lessing, de exemplu). Cu toate acestea, moralitatea este asociată cu conceptul de voință, iar starea de catharsis este dusă dincolo de granițele eticii și ale voinței. În teoria morală, conceptul de normă este important. Norma morală cere pentru sine, în primul rând, viața mentală a voinței. Voința acționează de obicei aleatoriu și inutil, fiind purtată de impulsuri senzuale, iar norma spune cum ar fi necesar să se acționeze în acest cazși cum ar trebui și ar trebui să trateze impulsurile senzuale.
Catharsis se descurcă fără toate acestea. În catharsis nu există aspirație volitivă, ci norma pentru aceasta. Această stare este spirituală și este deasupra actelor voliționale. De aici putem concluziona că nu are nevoie de moralitate. Moralitatea umilește, subminează starea de catharsis. Catarsisul are loc nu în domeniul voinței, ci în mintea aristotelică.
În multe tragedii grecești, după cum știți, moralitatea este redusă la extrem. nivel scăzut. Tragediile grecești se ocupă de numeroase crime, scandaluri și așa mai departe. Moralismul este una dintre „descoperirile” Occidentului iluminat; înalta artă antică a făcut fără el.
De asemenea, starea occidentală de calm moral (manifestată acum, de exemplu, în diferite forme o asemenea „virtute” falsă precum caritatea occidentală). Catharsisul nu este calm, ci iluminare, după ce am experimentat că nu numai toate ideile noastre despre ceva și viziunea noastră asupra lumii se schimbă, ci și noi înșine ca un întreg. Mai exact, nu ne schimbam, dar „întoarcerea” la starea inițială.
Artă este cea mai complexă valoare estetică, întruchipând trăsăturile diverselor valori, inclusiv cele non-estetice. Deci, în Rusia, în a doua jumătate a secolului al XIX-lea. arta era considerată mai mult o valoare etică. Și din acest punct de vedere se poate înțelege frază celebră„Un poet în Rusia este mai mult decât un poet”. De asemenea, în ora sovietică la noi nu numai poeţii, ci şi prozatorii au acţionat ca anumite autorităţi morale. Încă din antichitate, arta a fost înțeleasă și ca revelatoare a adevărului, care s-a manifestat, de exemplu, în gândurile poetului romantic al secolului al XIX-lea. Novalis: „Cu cât mai poetic, cu atât mai adevărat”.
Cu toate acestea, arta, desigur, absoarbe sensul estetic. Arta este un lucru ciudat și, din punct de vedere pragmatic, ciudat, formă estetică de viață fără de care mulți dintre noi nu ne putem imagina pe noi înșine. Vom lua în considerare principalele interpretări ale esenței artei în istoria filozofiei și a gândirii estetice.
Pentru o lungă perioadă de timp arta a fost interpretată ca mimesis (imitație). Doctrina imitației este cunoscută încă din antichitate și până în secolul al XVIII-lea a ocupat locul principal în explicarea a ceea ce este arta. Cu ce este legat? Cu reprezentări ontologice ale acestor perioade ale gândirii umane. Lumea a fost concepută ca o ierarhie, în vârful căreia se află Dumnezeu, demiurgul, creatorul lumii. În mod tradițional, el a fost considerat a fi artistul ideal care a creat cosmosul în același mod în care artiștii și artizanii pământești își creează lucrările. Prin urmare, artiștii pământeni trebuie să imite un model deja existent - natura sau creatorul ei. Printre reprezentanții acestei doctrine pot fi numiți Platon, Aristotel, Plotin, Seneca, Lessing. Ultimul mare gânditor care vorbește despre imitație în învățătura sa despre artă a fost Schelling. După critica de Hegel a teoriei imitației, filosofia artei nu atribuie imitația esenței artei.
Din punctul de vedere al lui Platon, lumea în care trăim este doar o umbră a lumii ideilor. Prin urmare, el caracterizează arta drept imitație a imitației. Platon pune în contrast imitația, pe care o folosește în sens negativ, cu creația. În creație, artizanul imită adevărata idee a unui lucru și, prin urmare, este primul imitator în ordine și într-o oarecare măsură un creator, deoarece ideile nu există în această lume, iar artistul într-o operă de artă nu imită. ideea adevărată deloc, dar imitația ei, adică el este al doilea imitator în ordine.
Prin urmare, Platon pune mestesugul deasupra artei. Meșterul, după Platon, creează lucruri, iar poetul nu este decât „apariția” lucrurilor, „fantome”. Artistul vrea să-și transmită imaginea fantomatică a unui lucru ca pe un lucru și, cu condiția să fie un artist „bun”, poate chiar „s-o arate de la distanță copiilor sau oamenilor care nu sunt foarte deștepți, să-i inducă în eroare”. Artistul se angajează în înșelăciune, pentru că nu are cunoștințe despre existența adevărată și nu stăpânește meșteșugul creator, ci cunoaște doar „aspectul”, colorându-l cu culorile artei sale.
După cum puteți vedea, Platon nu poate justifica arta, în același timp justifică meșteșugul, care este o chestiune complet serioasă, iar arta este doar distracție, totuși - o rezervă caracteristică - distracție plăcută. Platon „justifică” arta doar, așa cum am spune, din punct de vedere estetic, recunoscând că el însuși este fascinat de arta imitativă, dar observă imediat că „a trăda ceea ce consideri adevărat este nelegiuit”.
Din punctul de vedere al lui Platon, creatorul de artă este un creator care vrea, dar nu știe să creeze. Pentru a înțelege mai bine ce este în joc, să dăm un exemplu nu de la Platon: odată unui musulman (și credința musulmană nu permite imagini, portrete) i s-a arătat o poză cu pește pictat. Musulmanul a fost uimit și a remarcat: „Când acest pește se va opune creatorului său (adică creatorului acestei imagini) în Ziua Judecății și va spune: mi-a dat un trup, dar nu a dat un suflet viu, ce va spune el în apărarea lui?” Aici, specificul artei ca creație artistică deosebită este complet ignorat.
Potrivit lui Aristotel, imitația este o proprietate primordială, înnăscută a oamenilor și se manifestă deja în copilărie. Prin imitație omul se deosebește de animale și prin imitație dobândește primele cunoștințe. În centrul imitației, care este esența artei, se află asemănarea imaginii cu imaginea. Cu toate acestea, nu ne bucurăm de ceea ce este înfățișat de artist, ci de modul în care este înfățișat. De exemplu, ceva negativ și chiar urât poate fi înfățișat într-o lucrare, de exemplu, unele vicii umane, dar ele pot fi descrise cu atâta succes încât privitorul sau cititorul începe să se bucure tocmai de reproducerea lor cu succes. Amintiți-vă că Platon a văzut întreaga artă a artiștilor prin aceea că ei se străduiesc să transmită „fantomele” lucrurilor pe care le-au creat drept lucruri înșiși și, cu cât sunt mai pricepuți, cu atât reușesc mai mult acest lucru. Aristotel, pe de altă parte, subliniază că artistul poate înfățișa ceva în mod clar inconsecvent cu realitatea, iar acest lucru nu va indica deloc o lipsă a artei sale: „Arta nu poate fi criticată pentru că înfățișează lucruri greșite, imposibile sau incredibile. Dacă, de exemplu, este înfățișat un cal cu două picioare drepte, atunci cei care critică pictorul pentru aceasta nu critică deloc arta picturii, ci doar inconsecvența acesteia cu realitatea. Subiectul unei reprezentări artistice poate fi obiectiv destul de imposibil. Astfel, Aristotel ajunge la conștientizarea că arta are propriul ei specific artistic. El înțelege deja îndeaproape arta în cadrul patului procustean al teoriei imitației. Concluzie: După Aristotel, creatorul de artă nu numai că imită, ci și creează din sine.
În Renaștere, principiul imitației naturii continuă să se dezvolte în estetică. Originalitatea constă în adâncirea subiectivismului imitației. Ca motto, se pot lua în considerare cuvintele unui artist: trebuie să creezi ca Dumnezeu și chiar mai bine decât el. Imitația renascentist se bazează pe propriul gust estetic al artistului, adică fenomenele naturale care trebuie imitate sunt supuse selecției subiective. Apare conceptul de fantezie subiectivă. Leonardo da Vinci: „Mintea unui pictor ar trebui să fie ca o oglindă, care se transformă întotdeauna în culoarea obiectului pe care îl are ca obiect și este plină de atâtea imagini câte obiecte i se opune. Deci, nu poți fi un pictor bun dacă nu ești un maestru universal în a imita cu arta ta toate calitățile formelor produse de natură.”
Diferența este în înțelegerea creativității, în subiectivizarea ei. Dacă gânditorii antici au înțeles creativitatea ca fiind creația de obiecte reale pe baza celei mai înalte idei a acestor obiecte care există în afara omului, acum este interpretată creativ ca fiind creația tocmai a acestei idei care ia naștere în capul artistului. Ideea unei opere nu este o cauză rădăcină divină, ci un produs al gândirii umane.
Teoria clasicismului pornește de la conceptul de imitație a naturii frumoase sau grațioase. Boileau, principalul teoretician al clasicismului francez al secolului al XVII-lea. a fost influențat de Descartes, considerat principiul de bază al unei opere de artă a fi rațiunea și bunul simț, care ar trebui să suprime fantezia. El a cerut triumful datoriei asupra sentimentelor umane. Aceasta a dus, după cum se știe, în diverse reguli clasicism, pe care creatorii de artă trebuiau să-l respecte cu strictețe în munca lor individuală. Chiar și natura însăși, ca obiect al imitației, nu a fost concepută în felul ei. formă naturală, dar sub formă de parcuri artificiale ordonate, unde trebuia adus la eleganță.
În Baumgarten, creatorul esteticii ca disciplină filosofică, imitația este concepută ca imitație nu a fenomenelor naturale, ci a acțiunilor sale. Adică artistul nu creează același lucru ca natura, ci creează ca natura, ca natura (imitarea activității creatoare).
Hegel notează natura formală a imitației. Călăuziți de el, nu ne punem întrebarea care este natura a ceea ce ar trebui imitat, ci ne pasă doar cum să imităm corect. Prin urmare, imitația, după Hegel, nu poate constitui nici scopul, ci conținutul creativității artistice.
Hegel însuși interpretează arta ca cunoaștere senzorială directă. Din punctul său de vedere, arta ar trebui să dezvăluie adevărul într-o formă senzuală, iar scopul final al artei este tocmai această reprezentare și dezvăluire. Aceasta este și limitarea artei în comparație cu religia și filozofia, ca primă formă de înțelegere a spiritului absolut.
Potrivit lui Hegel, arta, ca aparținând sferei spiritului, este inițial mai înaltă decât natura. De exemplu, peisaj. Un artist, pictând un peisaj, nu copiază natura, ci o spiritualizează, deci nu se pune problema vreunei imitații aici. Comparați peisajul pictat de un artist remarcabil cu o fotografie.
Forma de artă, după Hegel, oferă cunoaștere directă și deci senzuală, în care absolutul devine subiect al „contemplării și simțirii”, adică nu este cunoscut într-o formă cu totul adecvată, este obiectivat. Religia, dimpotrivă, are forma reprezentării sale conștiinței și subiectivizează absolutul, care devine aici proprietatea inimii și a sufletului. Numai filosofia, fiind cea de-a treia formă, care unește obiectivitatea artei, care aici pierde „caracterul de sensibilitate exterioară și este înlocuită cu cea mai înaltă formă de obiectivitate, gândire și subiectivitatea religiei, care se purifică aici și se transformă în subiectivitatea gândirii.” Astfel, numai în gândire (filozofie) absolutul este capabil să se înțeleagă pe sine „sub forma lui însuși”.
Hegel proclamă că arta este stadiul prezent nu mai este ceva necesar pentru umanitate, deoarece absolutul îi este disponibil doar într-o formă sensibilă specială. De exemplu, această formă corespundea zei greci antici. Prin urmare, poeții și artiștii au devenit pentru greci creatorii zeilor lor. Dumnezeul creștin nu mai poate fi reprezentat de artă într-o formă adecvată.
Potrivit lui Hegel, arta contemporană, supunându-se direcției intelectuale a dezvoltării spiritului, își pierde esența originară. Astfel, scriitorul modern include tot mai multe gânduri în operele sale, uitând că trebuie să influențeze sentimentele cititorului. Pe de altă parte, cititorii și privitorii înșiși abordează arta din ce în ce mai mult din punctul de vedere al rațiunii, nu doar arta modernă, ci și arta antică. Hegel încheie acest argument remarcabil într-o manieră de neîntrecut în expresivitate: „Este posibil, totuși, să numim speranța că arta va continua să crească și să se îmbunătățească, dar forma ei a încetat să fie cea mai înaltă nevoie a spiritului. Putem găsi Statuile grecești ale zeilor excelente și imaginea părintelui lui Dumnezeu, Hristos și Maria demnă și perfectă - acest lucru nu va schimba nimic: încă nu ne vom îndoi genunchii.
Pe vremea lui Hegel, înțelegerea artei ca mit devine populară. Schelling și romanticii (Novalis, frații Schlegel) așa credeau.
Marele compozitor german al declinului romantismului, Richard Wagner, a exprimat bine percepția artei ca mit: „Lecțiile și sarcinile (în predarea alfabetizării muzicale și a compoziției) mi-au provocat curând neplăcere, datorită lor, mi s-a părut, uscăciunea.Muzica a fost și a rămas pentru mine un regat demonic, o lume a miracolelor sublime mistice: tot ce era drept, mi se părea, nu face decât să o desfigureze.Mai potrivit ideilor mele decât învățăturile unui muzician orchestral din Leipzig, am căutat-o. în Lucrările fantastice ale lui Hoffmann. Și apoi a venit momentul când m-am cufundat cu adevărat în această lume artistică a viziunilor și fantome și am început să trăiesc și să creez în ea”.
Persoana creativă pentru romantici (a cărei creativitate este înțeleasă extatic) este doar o parte a divinității care creează și devine mereu, iar creația artistică nu este altceva decât un mit. Cercetătorul englez al romantismului S.M. Bauer a văzut particularitatea romanticilor în următoarele: „Cei cinci poeți de frunte ai epocii romantice, și anume Blake, Coleridge, Wordsworth, Shelley și Keats, în ciuda numeroaselor diferențe, au fost de acord asupra principalului lucru: că creativ imaginația este strâns legată de o perspectivă specială din spatele lucrurilor vizibile ale legilor invizibile.
Arta, prin urmare, are o realitate mai mare pentru romantici decât realitatea exterioară.Novalis scria: „Poezia pentru mine este absolut reală. Acesta este miezul filozofiei mele. Cu cât mai poetic, cu atât mai adevărat. O gândire similară este dezvoltată de Percy Bysshe Shelley: „numai superstiția consideră poezia un atribut al profeției, în loc să considere arta un atribut al poeziei. Poetul este implicat în eternul, infinitul și unul, pentru planurile sale nu există timp, loc. sau pluralitate”. Mitul acționează ca un fel de adevărată realitate sacră.
Arta pentru un romantic nu este o retragere în „vise”, ci un mister, o fuziune cu absolutul și, ca urmare, revelarea acestui absolut într-o operă de artă mitologică.
Schelling este foarte aproape de teoria romantismului. De asemenea, pune arta mai presus de orice, inclusiv de filozofie, pentru că o consideră „singura și veșnică revelație, un miracol, chiar și o singură realizare a căruia ar trebui să ne asigure de realitatea absolută a ființei superioare”. În discursul său „Despre relația artei frumoase cu natura”, Schelling spune că ideea relației artei cu natura a apărut cu mult timp în urmă (teoria imitației). Dar practic a fost evaluat ca o relație cu „formele” naturii. Potrivit lui Schelling, aceasta este o amăgire, deoarece artistul care „copiază servil” natura exterioară produce doar măști, și nu opere de artă.
Sarcina artei este să înfățișeze ființa pură, cu adevărat existentă, „eternitatea vitală”. Imaginația nu creează nimic din nou, ci doar reunește ceva cu prototipul. Aceasta nu este atât o imitație, cât o realizare a realității. Cu toate acestea, această realizare, potrivit lui Schelling, nu aparține epistemologiei, deoarece cauza principală a artei nu este o persoană, ci un absolut care se manifestă prin geniu.
Geniul pentru Schelling, precum și pentru romantici, este o condiție pentru crearea unei opere de artă. Mai mult, după Schelling, ingeniosul se manifestă exclusiv în artă, căreia îi introduce „obiectivitatea”, datorită prezenței sale ca inconștiență în subiectivitate, conștiința artistului. Geniul, fiind inerent identității care este comună tot ceea ce este singular, intră în conflict cu eu-ul artistului, iar pentru a rezolva această contradicție, artistul creează.
Interpretarea artei ca joc este caracteristică lui Kant și Schiller.
Specificul înțelegerii artei ca joc este bine exprimat de cuvintele lui Pușkin: „Voi vărsa lacrimi pentru ficțiune”.
Kant mai susține că arta nu doar înșală simțurile, ci se „joacă” cu ele: „Înfățișarea care înșală dispare atunci când goliciunea și înșelăciunea ei devin cunoscute. Dar aparența de joc, așa cum este, nu este altceva decât adevăr. încă rămâne. în fenomen chiar şi atunci când starea de fapt devine cunoscută. Adică, după Kant, poetul face vizibil adevărul: „Această vizibilitate nu întunecă imaginea interioară a adevărului, care apare împodobită în fața ochilor, și nu-i induce în eroare pe cei neexperimentați și creduli cu prefăcătorie și escrocherie, ci folosind percepția sentimentelor aduce pe scenă adevărul uscat și incolor, umplându-l cu culorile sentimentelor.
În această „plinătate de culori”, filosoful german vede chiar avantajul poeziei față de filozofie, întrucât mintea este neputincioasă să cucerească o persoană îmbrățișată de „puterea nestăpânită a sentimentelor”, ea trebuie să fie cucerită nu prin violență directă, ci prin viclenie, pentru care adevărul sec și incolor este plin de culori ale sentimentelor. Astfel, există o interacțiune între poezie și filozofie: „Poezia îi întoarce pe cei care au fost ademeniți de splendoarea ei și și-au învins grosolănia, cu atât mai mult să urmeze învățăturile înțelepciunii”.
Potrivit lui Kant, „Poezia este cel mai frumos dintre toate jocurile, deoarece în ea intră în joc toate forțele spirituale ale omului”. Potrivit lui Schiller, arta combină seriozitatea muncii cu bucuria jocului. Și astfel se realizează unitatea generalului și a individului, necesitatea și libertatea.
ÎN În ultima vreme arta este văzută din ce în ce mai mult ca un fenomen estetic autonom, adică arta aparține în întregime sferei estetice. De exemplu, filozoful și esteticianul italian de la începutul secolului al XX-lea Croce credea că arta este o expresie a sentimentelor, un simplu act de imaginație. Și rodul acestei imaginații - o operă de artă are o naivitate primitivă. Arta nu își propune să reflecte lucrurile așa cum sunt ele cu adevărat, sau să moralizeze și nu este supusă niciunei legi, reguli sau canoane. Arta are propria ei realitate estetică și valoarea ei nu stă în gradul de apropiere de realitatea exterioară. Astfel, aici arta se îndepărtează în cele din urmă de a o înțelege ca imitație, și devine nu cunoaștere, ci exclusiv creativitate, mai mult, creativitate subiectivă.
Un teoretician al modernismului a exprimat esența picturii în acest fel: „Pictura nu este o mare oglindă comună tuturor (amintiți-vă cuvintele opuse ale lui Leonardo da Vinci), care reflectă lumea exterioară sau lumea interioara inerente artistului însuși; sarcina este de a face un obiect din pictură. A crea o operă înseamnă a crea o nouă realitate, care nu este identică nici cu natura, ci cu artistul, și care adaugă la ambele ceea ce fiecare datorează celuilalt. A crea o operă înseamnă a adăuga la repertoriul obiectelor cunoscute un lucru neprevăzut care nu are alt scop decât estetic și nici alte legi decât legile plasticității. Pe această cale, secolul XX de la cubism și-a găsit expresia cea mai originală.”
Deși mulți artiști cubiști credeau că arată esența lucrurilor, teoreticienii artei vorbesc adesea despre cubism ca fiind prima formă de artă abstractă. În cuvintele cărturarului cubist Saifor: „Cubiștii au distrus subiectul și l-au reconstruit din nou, improvizând liber cu mijloacele picturii, indiferent de realitatea obiectivă. Astfel, au descoperit inutilitatea subiectului și, de fapt, au devenit primii reprezentanți ai picturii abstracte.
Fondatorul picturii abstracte (compatriotul nostru) Wassily Kandinsky caută să se îndepărteze de principiul imitației naturii: „Un artist care a devenit creator nu își mai vede scopul în imitație. fenomene naturale, vrea și trebuie să găsească expresie pentru lumea sa interioară.
Într-adevăr, arta poate avea valoare estetică în sine. Procesul început de Aristotel și-a găsit desăvârșirea în arta modernă, a cărei expresie extremă a fost arta de dragul artei.
Arta modernă a luat calea, ca să spunem așa, a sofisticarii formale, a îmbunătățirii artei în sine, priceperea artei, adică în dezvoltarea sa nu încearcă să treacă dincolo, ci rămâne în interiorul său. Consecința acestui lucru este că arta serioasă astăzi este lotul cunoscătorilor (mult mai mult ca niciodată), iar „masele” se mulțumesc cu arta divertismentului.
Arta contemporană se închide în mod conștient în sine. Aceasta este o consecință a faptului că arta ocupă acum un loc la periferia culturii. Iată cum spune despre aceasta cercetătorul modern K. Huebner: „Când la mijlocul secolului trecut triumful științei, împreună cu tehnologia și industrializarea, a devenit în cele din urmă de netăgăduit, arta s-a aflat într-o situație cu totul nouă, care nu a apărut niciodată. în istoria anterioară.Ce domeniu îi mai rămâne dacă accesul la realitate și adevăr este rezervat unei singure științe?Dacă eu și lumea, subiectul și obiectul, idealul și materialul nu mai pot fi uniți în mod plauzibil în idee, dacă , pe de altă parte, credința în transcendent a dispărut și ea, atunci cum își poate îndeplini sarcina anterioară - să se transforme în imaginea acestei unități, principiul divin, slujind astfel iluminarea senzualității sau esenței lumii?
Această abordare „desmintă” definitiv teoria imitației, o persoană nu mai are nevoie de sprijinul naturii, devine atât de independentă încât poate găsi în sine suport pentru creația artistică. Arta devine astfel o valoare estetică pură.
estetică numită ramură a cunoașterii filozofice, angajată în studiul conștiinței estetice și în activitatea creativității artistice, dezvoltarea culturii artistice. Prima încercare de fundamentare a categoriilor estetice a fost făcută de Socrate și Platon. De-a lungul istoriei filozofiei s-au creat concepte estetice în care există o schimbare clară către interesul pentru persoana creativă. Între timp, categoriile estetice sunt direct legate de existența unei persoane în ansamblu, de diferența calitativă a acesteia față de viața animală.
Teoria estetică are propriul său aparat categoric. Conceptul central aici este estetic. Uneori este identificat cu conceptul de „frumos”. Estetica este înțeleasă ca o latură specifică a ființei umane percepută senzual și care aduce plăcere și plăcere. Se opune esteticului (sau frumosului) - ființă inestetică (sau - urâtă). Ideile despre frumos și urât sunt asociate cu înțelegerea armoniei, corespondența părților cu întregul, consistența, moralitatea, spiritualitatea și sinceritatea.
Categoria „valori estetice” este utilizată pe scară largă în lexicul științific modern, dar asta nu înseamnă deloc că este la fel de veche ca lumea. Să ne uităm la istoria acestui concept. Estetica ca știință filozofică despre frumos se conturează ca disciplină independentă abia în secolul al XVIII-lea. Filosoful german Alexander Baumgarten în 1735 în disertația sa „Reflecții filozofice asupra unor chestiuni referitoare la opera poetică” folosește pentru prima dată termenul de „estetică”, formându-l din grecescul „percepție senzorială”. Potrivit gânditorului, estetica este știința cunoașterii senzoriale, care face posibilă „să pătrundă și în acele arte care pot îmbunătăți abilitățile cognitive inferioare, ascuți și aplica într-un mod mai favorabil în folosul lumii”. Meritul lui Baumgarten a fost că a găsit cheia unității sferei estetice, introducând nu numai termenul de „estetică”, ci și un derivat al acestuia „estetic”. Din acel moment, cunoașterea filozofică nu s-a mai despărțit de „esteticul” ca categorie independentă, acoperind întregul subiect al esteticii – atitudinea estetică a omului față de lume. Și deși Baumgarten nu are conceptul de „valoare estetică”, termenii „semnificație estetică”, „bogăție estetică”, „demnitate estetică” sunt pe abordările acestuia. Combinația de „estetică” cu conceptul de „valoare” apare în lucrarea lui Johann Sulzer „The General Theory of Fine Arts”: „Un artist care se pretinde a fi cu adevărat celebru trebuie să-și îndrepte atenția asupra valorii materialului estetic”. De remarcat că înainte acea „valoare” era folosită doar în sens moral.
Valori estetice(ca oricare altele) sunt o sinteză a trei sensuri de bază: material-obiectiv, psihologic, social. Sensul material-obiectiv include caracteristicile proprietăților externe ale lucrurilor și obiectelor care acționează ca obiect al unei relații de valoare. Al doilea sens caracterizează calitățile psihologice ale unei persoane ca subiect al relațiilor de valoare. semnificație socială indică relația dintre oameni, datorită căreia valorile dobândesc un caracter universal valabil. Particularitatea valorilor estetice constă în relația unei persoane cu realitatea, caracteristică esteticii. Implică o percepție senzual-spirituală, dezinteresată a realității, care are ca scop înțelegerea și evaluarea esenței interioare a obiectelor reale.
Toate obiectele și fenomenele realității reale și imaginabile pot avea valori estetice, deși valorile însele nu au nici o natură fizică, nici mentală. Esența lor constă în semnificație, nu în facticitate. Deoarece valorile estetice sunt de natură subiectiv-obiectivă, adică indică corelarea lor cu o persoană, prezența valorii estetice în aceste obiecte depinde de timpul în care sistem specific relaţiile socio-istorice sunt incluse. Prin urmare, valorile estetice au granițe șocante și conținutul lor este întotdeauna socio-istoric. Pe baza clasificării valorilor estetice dezvoltate de știința estetică, tipul său principal este frumosul, care la rândul său apare în multe variații specifice (ca elegant, grație, aspect frumos, splendoare etc.); un alt fel de valoare estetică - sublimul - are și o serie de variații (maiestuos, maiestuos, grandios etc.). Ca toate celelalte valori pozitive, frumosul și sublimul sunt corelate dialectic cu valorile negative corespunzătoare, „antivalori”, cu urâtul (urâtul) și baza.
grup special Valorile estetice sunt tragice și comice, caracterizând proprietățile valorice ale diferitelor situații dramatice din viața unei persoane și a societății și modelate figurativ în artă.
Celebra expresie a lui F.M. Dostoievski o – „Frumusețea va salva lumea” – ar trebui înțeleasă nu izolat, ci în contextul general al dezvoltării idealurilor omenirii. Termenul de „estetică” a apărut în uz științific la mijlocul secolului al XVIII-lea, deși doctrina frumosului, legile frumuseții și perfecțiunii, își au rădăcinile în antichitate. Atitudinea estetică este înțeleasă ca un tip special de legătură între subiect și obiect, atunci când, indiferent de interesul utilitar exterior, o persoană experimentează o plăcere spirituală profundă din contemplarea armoniei și perfecțiunii.
Valorile estetice pot acționa sub formă de obiecte naturale, persoana însăși, precum și obiecte spirituale și materiale create de om sub formă de opere de artă. În teoria esteticii, sunt explorate astfel de perechi categorice precum frumos și urât, sublim și josnic, tragic și comic etc.
Valorile estetice sunt strâns legate de valorile morale. Deci, „sublime” sau „jos” în societate sunt astfel de gânduri, impulsuri, acțiuni sau atitudini ale oamenilor care se bazează pe idei despre starea perfectă, ultimă a existenței umane, care are o evaluare pozitivă sau negativă a societății. În artă, baza poate fi reprezentată ca sublim, iar sublimul ca bază, iar apoi aceste valori estetice sunt actualizate, devin o sursă de reflecție și autodeterminare a unei persoane.
Prin „eroic” se înțelege, de obicei, activitatea altruistă a unei persoane asociată cu sacrificiul de sine sau pregătirea pentru aceasta în scopul de a aduce beneficii altor persoane. Eroismul poate fi nu numai extrem (de exemplu, într-un război), ci și cotidian, obișnuit (de exemplu, eroismul medicilor care operează și alăptează pacienți cu SIDA după răni; eroismul unei mame, în ciuda circumstanțelor, inspirând bunătate față de ea copii săraci etc.).
Tragicul și comicul sunt categorii antipodale: percepția primei determină o persoană să simtă șoc psihologic și fizic, frică, disperare, creează stres emoțional. Tensiunea emoțională provocată de trăirea tragicului, în artă aduce un sentiment de purificare (catharsis). Comicul, creând și tensiune emoțională, îl formează într-un mod pozitiv, aducând plăcere și râs. Râsul este de fapt o manifestare umană a sentimentelor, nu caracteristică altor ființe vii. La fel ca atunci când suferim, ne curățăm interior, atunci când râdem, suntem vindecați de propriile noastre imperfecțiuni. Comicul este una dintre cele mai misterioase categorii estetice (vezi prelegerea despre râs în subiecte opționale din acest ghid de studiu).
Sfera practică pentru realizarea ideilor estetice este activitatea estetică în artă. Restaurarea și exaltarea frumosului și condamnarea urâtului este una dintre funcții esențiale artă. Valorile estetice se realizează în viața unei persoane rolul fundamentelor tabloului lumii și principiile structurării acesteia.
Informații similare.
