Mendelssohna. Symfonia szkocka. Szkocka Symfonia: doświadczenie analizy Mendelssohn Symfonia 3 Szkocka

Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809–1847)

Twórczość Mendelssohna w zaskakujący sposób łączy romantyczne obrazy, które po raz pierwszy odkryto w świecie muzyki symfonicznej - lekką, zwiewną fantazję, obrazy ożywionej przyrody, poetyckie szkice życia ludowego jego rodzinnych Niemiec i innych odległych krajów z harmonijnie wyważoną, klasycznie harmonijną i wyraźną formą . Muzyka Mendelssohna nie zna powszechnych katastrof, wybuchów rozpaczy i światowego smutku. Jest przeważnie młodzieńczo podekscytowana, pogodna i liryczna, ogrzewana ciepłem naturalnych uczuć. Melodie kompozytora są elastyczne i piękne, harmonie świeże i kolorowe, a orkiestra, dość skromna w składzie i nie licząca rzadkich instrumentów, tworzy jednak subtelny romantyczny posmak, który pomaga ujawnić wszystkie odcienie przeżyć czy obrazów Natura. Mendelssohn pisał swoje kompozycje dla szerokiego kręgu amatorów, których gust chciał kształcić, podnosić do zrozumienia przykładów prawdziwie klasycznych i odwracać ich od wulgarności, która wokół nich brzmiała – czy to prymitywnej muzyki codziennej, czy efektownych modnych opusów, głosił nowe słowo w sztuce. Kompozytor nie oddzielał się od zwykłych słuchaczy i krytykując puste, wirtuozowskie dzieła, „narażające nasze biedne uszy”, konkludował: „I niech mi nie wmawiają, że tego żąda publiczność, bo ja też jestem publicznością, ale Żądam czegoś zupełnie odwrotnego”.

Mendelssohn to piękna, harmonijnie rozwinięta osobowość, jakby ucieleśniająca starożytny ideał osoby doskonałej. Posiadając zrównoważony i poważny charakter, stanowczy i zdecydowany charakter, wyróżniał się niesamowitą szerokością zainteresowań: kompozytor nie był obojętny na literaturę, malarstwo, teatr, przyrodę, życie i historię krajów, które odwiedzał w młodości . Od dzieciństwa dużo energii poświęcał ćwiczeniom fizycznym, uprawiał jazdę konną i pływanie. Władał biegle wieloma językami, tłumaczył z łaciny, lubił starożytną grekę, pozostawił po sobie piękne akwarele i rysunki. Mendelssohn, wcześnie wkraczając na drogę zawodowego muzyka, dał się tu poznać na wiele sposobów: jako kompozytor, pianista, organista, dyrygent, pedagog i jedna z największych postaci muzycznych w Europie. W wieku 26 lat objął stery słynnej orkiestry Gewandhaus w Lipsku i wyprowadził ją na najwyższy poziom, tworząc szczególną atmosferę bezinteresownej służby sztuce. Nazwisko Mendelssohna wiąże się z otwarciem pierwszego konserwatorium w Niemczech (1843), którego był faktycznym dyrektorem. Idolem Mendelssohna, jak wszystkich niemieckich romantyków, pozostał zawsze Beethoven, jednakże – i to odróżnia go od większości jemu współczesnych – fascynowali go także kompozytorzy epoki baroku – Handel i Bach, ich poprzednik Schutz i dawni mistrzowie włoscy, prawda aż do renesansu. Mendelssohn wszędzie szukał ich dawno zapomnianych dzieł i pod jego przywództwem zostały one wskrzeszone. Renesans bachowski w Niemczech rozpoczął się wraz z wykonaniem Pasji według św. Mateusza w Berlinie pod batutą dwudziestoletniego Mendelssohna. Wyprzedził w ten sposób charakterystyczne tendencje końca XIX, a zwłaszcza XX wieku – żeby wymienić chociażby tak różnorodnych kompozytorów, jak Brahms, Tanejew, Strawiński, których głębokie zainteresowanie nie tylko muzyką klasyczną, ale także przedklasyczną .

Mendelssohn jest twórcą symfonizmu programowego, dzieckiem sztuki romantycznej. Jednak jego pierwsza symfonia programowa, Reformacja, napisana wkrótce po wznowieniu Pasji Bacha, inspirowana była nie przeżyciami lirycznymi, literaturą współczesną czy bliskim romantyków Szekspirem, ale wieloletnim wydarzeniem historycznym – trzysetną rocznicą urodzin Bacha. zwycięstwo reformacji w Niemczech. Dziesięć lat później Mendelssohn ukończył kantatę „Pieśń pochwalna”, również kojarzoną z ideami Lutra, ale zbiegającą się w czasie z rocznicą wielkiego wydarzenia kulturalnego, które wchodzi jeszcze głębiej w historię - czterysetną rocznicą druku. Sam Mendelssohn, szczerze wierzący luteranin, wybrał do kantaty teksty z Biblii w przekładzie Lutra na język niemiecki i umieścił na jej stronie tytułowej motto Lutra: „I chciałem, aby wszystkie sztuki, zwłaszcza muzyka, służyły Temu, który dał i stworzył.”

Kilka lat wcześniej w jednym z listów do przyjaciela kompozytor tak przedstawił swoje credo: „Mówią, że stałem się pobożny. Jeśli rozumiesz to słowo tak, jak ja je zawsze rozumiałem... to niestety jeszcze taki nie stałem się; ale każdego dnia pracuję, aby stopniowo się do tego zbliżać... Jeśli przez osobę pobożną rozumiemy hipokrytę, który z założonymi rękami oczekuje, że Pan dla niego będzie pracował, czy też taką osobę, która zamiast osiągnąć doskonałość w swojej profesji mówi o powołaniu Bożym, rzekomo nie dającym się pogodzić z ziemskim, albo takim, które nie może całym sercem kochać ani człowieka, ani żadnego stworzenia na ziemi – tym, dzięki Bogu, nie stałam się i, mam nadzieję, , nigdy nie stanie się. Właśnie dlatego, że chcę być pobożny i żyć w pobożności, myślę, że o resztę nie mam się czym martwić”.

Życie Mendelssohna toczyło się szczęśliwie, jakby usprawiedliwiając jego imię (Feliks po łacinie oznacza szczęśliwy). Urodził się 3 lutego 1809 roku w Hamburgu w rodzinie wielkiego bankiera i nigdy nie zaznał potrzeby, która prześladowała wielu romantycznych kompozytorów. Otoczony uwagą wykształconych i inteligentnych rodziców chłopiec od dzieciństwa oddychał powietrzem literatury, nauki i sztuki. Jego dziadek ze strony ojca był znanym filozofem-pedagogiem, jego dom rodzinny w Berlinie odwiedzał cały kwiat ówczesnej inteligencji. Feliks otrzymał wszechstronną edukację w domu, którą kontynuował w wieku 18 lat na Uniwersytecie w Berlinie. Talent muzyczny chłopca został odkryty bardzo wcześnie. W wieku sześciu lat matka zaczęła uczyć go gry na fortepianie, w wieku dziewięciu lat dał swój pierwszy koncert, w wieku dziesięciu lat zaczął intensywnie komponować, a w wieku jedenastu lat rozpoczął naukę gry na skrzypcach i pobierał lekcje kompozycji u kierownika Zespołu ds. Berlińska Kaplica Śpiewacza, K. F. Zelter. Efektem było kilka małych oper komicznych, które zawodowi śpiewacy od razu wykonali w domu ojca pod kierunkiem młodego autora, siedzącego przy fortepianie na wysokiej poduszce. Od 1822 roku regularnie w niedziele gromadzili się tu członkowie kaplicy dworskiej, aby grać przyjacielską muzykę, a dyrygentem był trzynastoletni Mendelssohn. W tym czasie próbował już swoich sił w różnych gatunkach, do których zwracał się przez całe życie - chóralny, w tym duchowy, fortepianowy, zespół kameralny, koncert. Zelter zapoznał chłopca z wielkim Goethem, który miał wówczas 73 lata i nawiązała się między nimi swego rodzaju przyjacielska relacja, która trwała aż do śmierci poety. Za każdym razem, gdy Mendelssohn odwiedzał Weimar, z pewnością odwiedzał dom Goethego, godzinami grał na pianinie i dużo improwizował. „Ja jestem Saul, a ty jesteś moim Dawidem. A kiedy jestem smutna i ponura, przyjdź do mnie i pociesz mnie grą na smyczkach!” – powiedział Goethe, przypominając biblijną Pierwszą Księgę Królewską.

Kiedy Mendelssohn miał piętnaście lat, Zelter uznał, że jego szkolenie zostało zakończone. Jednak ojciec chciał uzyskać miarodajne potwierdzenie tego i wiosną 1825 roku udali się do Paryża. Dyrektorowi konserwatorium L. Cherubiniemu pokazano kwartet fortepianowy Mendelssohna, który pochwalił, co nie przeszkodziło Feliksowi w niepochlebnych wypowiedziach na temat czcigodnego kompozytora: „Ochłodzony wulkan, czasem wybuchający, ale już zasypany kamieniami i popiołem”. W tym samym roku Mendelssohn napisał symfonię, którą określił jako nr 1 i opus 11. Tak naprawdę po raz pierwszy sięgnął po ten gatunek już w 1821 roku iw ciągu trzech lat stworzył 13 symfonii na orkiestrę smyczkową. Jednak kompozytor, zawsze wymagający od siebie, uważał je jedynie za ćwiczenie opanowania warsztatu i nie miał zamiaru ich publikować.

Po I Symfonii nastąpiło kilka uwertur, a następnie, jak to ujął Schumann, „dojrzały mistrz w szczęśliwej chwili dokonał swojego pierwszego potężnego startu” – napisał uwerturę „Sen nocy letniej” na podstawie komedii Szekspira, która właśnie ukazała się zostało przetłumaczone na język niemiecki. Mendelssohn miał siedemnaście lat i dał się naprawdę poznać jako dojrzały mistrz, tworząc znakomity przykład nowego gatunku – programowej uwertury koncertowej (wcześniej uwertura była jedynie wstępem do kolejnego dużego dzieła – opery, oratorium, sztuka dramatyczna, suita). W ciągu następnych siedmiu lat napisał jeszcze trzy uwertury koncertowe – „Spokojne morze i szczęśliwa podróż”, „Hebrydy, czyli jaskinia Fingala”, „Opowieść o pięknej Meluzynie”, które po raz pierwszy barwnie ucieleśniały obrazy romantycznie animowana natura w muzyce.

Dowodem wczesnej dojrzałości kompozytora była realizacja wspaniałego planu – wykonanie Pasji według św. Mateusza Bacha. Od ich powstania (1729) minęło dokładnie sto lat i zostały one niemal zapomniane. Zelter, kierujący Berlińską Akademią Śpiewu, argumentował, że występ nie będzie udany, ponieważ publiczność przywykła uważać Bacha za „niezrozumiałego muzyka-matematyka”, a jego dzieła za „tajemniczy muzyczny sekret”. Jednak dwudziestoletni Mendelssohn, który sześć lat temu otrzymał w prezencie notatki Pasji, zapragnął przedstawić berlińczykom to genialne dzieło. Melomani zaczęli uczęszczać na jego próby, wszystkie bilety na koncert zostały wyprzedane drugiego dnia, a nawet tournée Paganiniego, który wystąpił w Berlinie 11 marca 1829 r., nie mogło zakłócić sukcesu. Dziesięć dni później Pasja została powtórzona, a potem zainteresowały się nią inne miasta – w ten sposób Mendelssohn zapoczątkował odrodzenie Bacha. Po dokonaniu pierwszego wyczynu edukacyjnego muzyk wyrusza w podróż. Poznaje przyrodę, zwyczaje i kulturę różnych krajów Europy, a te „lata tułaczki” (1829–1833) stają się dla niego drugim uniwersytetem. Występuje jako pianista i dyrygent, wykonuje Beethovena i swoje własne kompozycje i wszędzie odnosi sukcesy. Podróż zaczęła się od Londynu, który podobnie jak Haydn czterdzieści lat wcześniej uderzył go swoją wielkością i hałasem: „To jest straszne! To szaleństwo!.. Londyn to najwspanialszy i najbardziej niesamowity potwór na świecie!” Po zakończeniu sezonu wyjeżdża do Szkocji, która wstrząsnęła jego wyobraźnią dziką przyrodą, dziwnymi zwyczajami i mglistymi wspomnieniami historycznymi. Młodego romantyka jeszcze bardziej urzekły Hebrydy i cud natury – Jaskinia Fingala na jednym z nich, co zainspirowało go do stworzenia uwertury, o której 35 lat później Brahms powiedział: „Oddałbym wszystkie moje kompozycje, gdybym tylko miał udało się osiągnąć coś takiego jak „Hebrydy”.

Wracając do ojczyzny pod koniec 1829 roku, Mendelssohn szybko stworzył swoją pierwszą dojrzałą symfonię – Reformację. Jej znaczenie jest niezwykle duże: jest to pierwsza symfonia programowa i pierwsza symfonia romantyczna. Przecież dzieła Schuberta wciąż zbierają kurz wśród dziesiątek jego brata i znajomych, minie prawie dziesięć lat, zanim ten sam Mendelssohn wykona ostatnią z nich, a Symfonia fantastyczna Berlioza ukaże się kilka miesięcy po reformacji. Po Wyspach Brytyjskich Mendelssohn udaje się na drugi koniec Europy – do słonecznych Włoch. Podróż rozpoczęła się w szczęśliwych, beztroskich czasach, w kwitnącym październiku 1830 roku i trwała prawie rok. Kompozytor odwiedził Wenecję, Rzym, Neapol, wyspę Capri, Florencję, Mediolan i wiele innych miast.

Po powrocie do ojczyzny Mendelssohna uderzyła zatęchła, filisterska atmosfera Berlina, wszechmoc cenzury i prześladowania wolnej myśli. Zmarł jego nauczyciel Zelter, a stanowisko kierownika Kaplicy Śpiewającej jest nieobsadzone. Mendelssohn na niego liczył, ale to nie „żydowski chłopiec” został wybrany, ale czcigodny i mierny K. F. Rungenhagen, przez wiele lat zastępca Zeltera. Mendelssohn musiał zadowolić się stanowiskiem dyrektora muzycznego w Düsseldorfie, gdyż w maju 1833 roku znakomicie dyrygował okazałym Festiwalem Dolnego Renu, na którym dyrygował oratorium Haendla „Izrael w Egipcie”.

Düsseldorf, bogate miasto, dumnie zwane „Florencją nad Renem”, przypominało wówczas dużą wieś. „Miasto jest tak uroczo małe, że wydaje się, że nigdy nie wychodzi się z pokoju” – napisał Mendelssohn, który czuł się bardzo samotny. „Żyję spokojnie i odosobniony. Często z nikim nie rozmawiam tak dużo, jak z moim koniem. Życie muzyczne w Düsseldorfie było w opłakanym stanie, a Mendelssohn poczynił heroiczne wysiłki, aby podnieść je do godnego poziomu. „Gdybyś chociaż raz usłyszał, jak dyryguję tą orkiestrą, na drugi koncert nie dałbyś rady nawet zaciągnąć czterech koni” – skarżył się przyjacielowi. A na próbach Egmonta „pierwszy raz w życiu podarł partyturę, stracił panowanie nad głupimi muzykami… oni uwielbiają bić się w orkiestrze, ale w mojej obecności nie mogą sobie na to pozwolić”.

Zupełnie inna sytuacja panowała w lipskiej orkiestrze Gewandhaus, której w październiku 1835 roku Mendelssohn został dyrektorem. Orkiestra miała długą tradycję, ale pod kierunkiem nowego dyrygenta stała się pierwszą w Niemczech. Wszyscy byli zdumieni, że dyrygował batutą, stojąc przy konsoli: wcześniej dyrygent albo stał ze skrzypcami w rękach, albo siedział przy fortepianie. Nawet przyjaciel Mendelssohna, Schumann, nie pochwalił tej innowacji – kij stał mu na drodze. „Orkiestra powinna być republiką, nad którą nikt nie stoi” – uważał. A oto jak współcześni opisywali związek Mendelssohna z orkiestrą: „Mendelssohna wyróżniał się nie tylko wyjątkowym talentem przywódczym, ale także duchową wyższością czarującej osobowości. Wszyscy uczestnicy nieustannie czuli całkowite wyrzeczenie się i wierność obowiązkom tego człowieka... Płomienne oczy Mendelssohna cały czas spowijały całą orkiestrę i panowały nad nią. A oczy wszystkich członków orkiestry były przyklejone do czubka jego pałki.”

W listopadzie 1835 roku kompozytor doznał ciężkiego ciosu – śmierci ukochanego ojca. Pocieszenie znajdował w pracy: ukończył rozpoczęte kilka lat temu oratorium „Paweł”, dyrygował oratoriami, kantatami i suitami Haendla Bacha, zachwycił lipską publiczność wykonaniem IX Symfonii Beethovena, którą uznano za szalony owoc dzikiej wyobraźni niesłyszącego kompozytora, dał cykl koncertów historycznych – od Bacha po współczesnych. Mendelssohn stał się pierwszym wykonawcą symfonii romantycznych: odkrytej przez Schumanna C-dur Schumanna i dwóch pierwszych symfonii Schumanna. W kościele św. Tomasza, gdzie przed stu laty pracował Bach, dyrygował swoją symfonią-kantatą „Pieśń pochwalna” oraz koncertami organowymi, z których dochód został przeznaczony na wmurowanie tablicy pamiątkowej ku czci Bacha. Występował także jako pianista m.in. w koncercie na trzy clavier Bacha, gdzie jedną z partii wykonała 16-letnia Clara Wieck, niebędąca jeszcze żoną Schumanna; na innym koncercie jego partnerem był Liszt, który koncertował w Lipsku. Ponadto Mendelssohn był regularnie zapraszany do prowadzenia letnich festiwali muzycznych w Düsseldorfie i Kolonii, gdzie zwykle dyrygował dziełami oratoryjnymi Handla, Bacha i Beethovena.

Latem 1836 roku przyszła do niego miłość. We Frankfurcie nad Menem poznał córkę francuskiego księdza protestanckiego, uroczą Cecile Jeanrenot i zakochał się od pierwszego wejrzenia. Był jednak na tyle powściągliwy, że jego wybranka przez długi czas nie podejrzewała uczuć 27-letniego muzyka. I napisał do swojej siostry: „Jestem tak strasznie zakochany, jak nigdy w życiu, naprawdę nie wiem, co robić. Pojutrze muszę wyjechać z Frankfurtu, ale tymczasem mam przeczucie, że wyjazd może mnie kosztować życie”. W marcu następnego roku Cecile została jego żoną. Życie rodzinne było szczęśliwe: według jego słów Mendelssohn żył jak w raju, a kilka lat później został ojcem trójki dzieci. Autorytet kompozytora rośnie, muzycy zwracają się do niego o pomoc i radę, a jego opinia na temat nowych utworów uznawana jest za niepodważalną. Dużo myśli o profesjonalnym kształceniu muzycznym młodzieży i wreszcie w kwietniu 1840 r. składa petycje o zorganizowanie konserwatorium w Lipsku. I choć odmówił przyjęcia stanowiska kierowniczego, stał się jednocześnie głową i duszą pierwszego niemieckiego konserwatorium, zainaugurowanego 2 kwietnia 1843 roku. Mendelssohn prowadził zajęcia z kompozycji, instrumentacji i śpiewu solowego, Schumann gry na fortepianie, kompozycji i czytania partytur, a przez pewien czas Clara Schumann gry na fortepianie. Studenci konserwatorium stali się organizatorami podobnych placówek oświaty muzycznej w innych miastach Niemiec.

Wśród tras koncertowych szczególną radość Mendelssohna przyniosły wizyty w Anglii. W Birmingham dyrygował z wielkim sukcesem oratorium Paul and the Song of Praise, a w Londynie w 1842 roku wykonał właśnie ukończoną Symfonię Szkocką, powstałą podczas jego pierwszej podróży w 1829 roku. Kiedy jednak wrócił do Lipska, Schumann dostrzegł na twarzy przyjaciela „jakiś smutek” i zadawał sobie pytanie: co to było – zrozumienie, że kompozytor był już u szczytu sławy i nie może wznieść się wyżej, czy też świadomość słabość wszystkiego, co ziemskie, spowodowana nagłą śmiercią matki? O tym samym pisał później inny przyjaciel Mendelssohna: „Kwitnąca, młodzieńcza radość ustąpiła miejsca pewnego rodzaju irytacji, znużeniu sprawami ziemskimi, a to doprowadziło do tego, że widział wszystko w innym świetle niż zwykle”. I w jego muzyce pojawiały się bardziej niepokojące nastroje, dramatycznie wzburzone, a czasem i bohaterskie obrazy. Są to dzieła z połowy lat 40. - słynny Koncert skrzypcowy, Trio fortepianowe, oratorium „Eliasz”. I tylko „Pieśni bez słów” – romantyczne miniatury na fortepian, które kompozytor opublikował w zeszytach po sześć utworów w latach 1832–1845, zachowały strukturę liryczną zrodzoną z bliskości gatunku wokalnego.

Lato 1846 roku okazało się dla Mendelssohna bardzo bogate w wydarzenia: festiwal w Akwizgranie, festiwal kościelny w Liege, festiwal śpiewu w Kolonii, a w połowie sierpnia ponownie wyjazd do Anglii na festiwal chóralny w Birmingham, gdzie odbyła się premiera „Eliasza” przyćmiły nawet te tak ukochane przez brytyjskie dzieła, jak „Mesjasz” Handla i „Stworzenie świata” Haydna. Od tego czasu oratorium to stało się jednym z najpopularniejszych dzieł Mendelssohna w Anglii.

Kompozytora coraz częściej dręczą bóle głowy, staje się drażliwy, mając poczucie, że ciągła przepracowanie nadwyręża jego zdrowie. Ostatecznym ciosem była nagła śmierć ukochanej siostry po próbie jego kantaty „Pierwsza noc Walpurgii”, w której Fanny akompaniowała chórowi. Jego ostatni kwartet smyczkowy brzmiał jak requiem dla siostry. Następnie kompozytor rozpoczął oratorium „Chrystus”, o którym myślał od kilku lat, oraz operę o syrenie nad Renem „Lorelei” – stworzenie opery było marzeniem całego jego życia. Pod koniec października 1847 r. Mendelssohn kilkakrotnie doznał nagłych zawrotów głowy, a 4 listopada wylew krwi do mózgu sprowadził go do grobu.

Jak podaje wspomnienia współczesnego, „nie przerwano ani na minutę napływu ludzi ze wszystkich warstw społeczeństwa, pytających o jego stan”, a trzy dni później cały Lipsk był obecny na nabożeństwie pogrzebowym, podczas którego rozbrzmiewała muzyka Wykonano Mendelssohna i finałowy chór z Pasji według św. Mateusza. Kiedy specjalny pociąg wiozący ciało kompozytora jechał do Berlina, gdzie miało ono spocząć obok rodziców i siostry, na stacji powitali go członkowie stowarzyszeń chóralnych. 21 listopada w Gewandhaus odbył się koncert. Londyn odpowiedział na śmierć Mendelssohna wykonaniem „Eliasza”. Kiedy następnie zabrzmiał marsz żałobny z oratorium Haendla „Saul”, cała sala wstała, aby uczcić pamięć Mendelssohna.

Symfonia Reformacyjna

Symfonia Reformacyjna d-moll op. 107 (nr 5, 1829–1830)

Skład orkiestry: 2 flety, 2 oboje, 2 klarnety, 2 fagoty, 2 rogi, 2 trąbki, 3 puzony, kotły, smyczki; w finale kontrafagot i wąż.

Historia stworzenia

A w marcu 1829 roku w Berlinie miało miejsce największe wydarzenie muzyczne: dwudziestoletni dyrygent wykonał napisaną sto lat wcześniej i niemal zapomnianą Pasję według św. Mateusza Bacha. Dokonawszy tego edukacyjnego wyczynu, Mendelssohn wyruszył w podróż do Anglii i Szkocji. Był już wówczas autorem 13 symfonii na orkiestrę smyczkową, napisanych w latach 1821–1824, które jednak sam uważał jedynie za ćwiczenia do opanowania gatunku i nigdy nie opublikował. Dopiero symfonia, którą napisał w 1825 r., otrzymała numer 1. W tym samym czasie powstał wciąż popularny Oktet. A rok później, w wieku 17 lat, ogłosił się dojrzałym mistrzem, tworząc nie tylko doskonałą kompozycję – uwerturę na podstawie komedii Szekspira „Sen nocy letniej”, ale także nowy gatunek – uwerturę do koncertu programowego (wcześniej uwertura była wyłącznie wstępem do kolejnych oper, oratoriów itp.). Dwa lata później ukazała się druga uwertura koncertowa – „Cisza morza i szczęśliwa podróż”, a rok później, pod wrażeniem podróży do Anglii i Szkocji – „Hebrydy, czyli Jaskinia Fingala”. W tym samym czasie powstała Symfonia Szkocka, napisana ponad dekadę później. Pierwszą dojrzałą symfonią kompozytora była Reformacja, która okazała się pierwszą programową i w ogóle pierwszą symfonią romantyczną, gdyż symfonie Schuberta długo pozostawały nikomu nieznane, a Fantastyczna Berlioza jest o kilka miesięcy młodsza od Reformacji.

Prace nad nim rozpoczęły się podczas rejsu w 1829 roku i zakończono w czerwcu następnego roku w Monachium. W ten sposób kompozytor odpowiedział na 300. rocznicę Reformacji – ustanowienia luteranizmu w Niemczech 25 czerwca 1530 roku. Zamierzał wykonać symfonię podczas pobytu w Paryżu w 1832 r., jednak na jedynej próbie francuscy członkowie orkiestry wypowiadali się z dezaprobatą o muzyce: „Za dużo fugato, a za mało melodii”. Premiera nie odbyła się, co zabolało Mendelssohna. W listach do przyjaciół wielokrotnie nazywał symfonię nieudaną, a dwa lata później mówił o niej z całkowitą pogardą: „Nie mogę już znieść Symfonii Reformacyjnej, spaliłbym ją chętniej niż jakikolwiek inny mój utwór”. Jednak jego wykonanie pod kierunkiem autora odbyło się jeszcze 15 listopada 1832 roku w Berlinie. Mendelssohn odmówił wydania symfonii; ukazała się ona dopiero 21 lat po jego śmierci, w 1868 r., pod nr 5 – jako ostatnia symfonia kompozytora.

Program jest ograniczony jedynie tytułem. W odróżnieniu od Symfonii fantastycznej Berlioza ten uogólniony typ programu będzie charakterystyczny zarówno dla kolejnych symfonii Mendelssohna, jak i dla tradycji niemieckiej w ogóle. W konstrukcji muzycznej kompozytor wzoruje się na swoim idolu Beethovenie: wzorem jest Dziewiąta, napisana w tej samej tonacji – moll na początku i dur na końcu. Tak jak u Beethovena końcowy temat radości stopniowo rodzi się i „składa” w poprzednich częściach, tak w Symfonii Reformacyjnej kulminacją, ku której zmierza wszelki rozwój, jest chorał „Silną twierdzą jest nasz Bóg”, leżący u podstaw części ostatniej . To jeden z najsłynniejszych niemieckich chorałów protestanckich, którego autorstwo tekstu i muzyki przypisuje się samemu Luterowi (szczególnie często aranżował go Bach, głęboko czczony przez Mendelssohna).

Muzyka

Powolny wstęp określa poważny, uroczysty, epicki ton dzieła. Fanfarowy okrzyk instrumentów dętych harmonijkuje przytłumionymi akordami smyczków – świecki, wzniosły hymn zapożyczony z liturgii saksońskiej, a przypisywany także Lutrowi (później Wagner użył go do opisania Świętego Graala w Parsifalu). Temat wstępu jest w większości udramatyzowany – szybki, energiczny i nieco ostry, co podkreśla zastosowanie technik polifonicznych. Fanfarowy motyw otwarcia wydaje się całkowicie przekształcony w miękkiej, lirycznej części bocznej. Szczególnie wyrazisty jest krótki drugi temat wtórny, intonowany przez skrzypce i fagoty: melancholijny i melodyjny, mający analogie w wielu dziełach symfonicznych Mendelssohna. Ale to tylko wyspa tekstów. Dynamiczny, intensywny rozwój, oparty na motywie fanfar, odbierany jest jako szkic z życia epoki reformacji, pełen okrzyków, nawoływań i wrzenia mas. Nieoczekiwana inwazja spokojnego, oświeconego chorału zmienia dalszy tok muzyki: dominują nastroje liryczne, podporządkowując wcześniej surowy temat główny. Dopiero w kodzie, wraz z powrotem wojowniczych okrzyków fanfar, dramatyczny początek zostaje ponownie utwierdzony.

Drugie miejsce w cyklu, za przykładem IX Beethovena, zajmuje scherzo, podobnie jak miało to miejsce w ostatniej symfonii Mendelssohna – „Szkockiej”. I choć w temacie scherza słychać zwroty fanfar już od pierwszej części, to ogólny charakter muzyki jest inny. Pełno w nim ostrych rytmów tanecznych, wesołych, prostych pieśni ludowych, które zastąpiono gładszym i bardziej wdzięcznym tematem, przywodzącym na myśl lądownika. Zanikające romantyczne dźwięki dopełniają scherzo. Miniaturowa trzecia część to elegijny romans z melodyjną, przemyślaną melodią skrzypiec, bliski pierwszemu zeszytowi „Pieśni bez słów”, który ukazał się w tym samym czasie. Wrażenie intymności potęguje redukcja orkiestry – puzony i oboje milczą. W ostatnich taktach wkracza główny bohaterski zwrot, przygotowując finał, który rozpoczyna się bez przerwy.

Podobnie jak część pierwszą, finał otwiera powolny wstęp: uroczyście brzmi oświecony chorał „Silna Twierdza jest naszym Bogiem”, rozwijając się później polifonicznie, głównie na instrumentach dętych. Kolejne allegro sonatowe odbierane jest jako kolejna swobodna wariacja na temat chorału, choć pojawiają się także inne tematy – heroiczne, fanfarowe, inwokacyjne – jednolite w nastroju, nie tworzące zwykłej figuratywnej opozycji części głównej i drugorzędnej. Szczególnie potężnie brzmi chorał niskich instrumentów dętych w unisono (3 puzony, wąż i kontrafagot). Pod koniec radość wzmaga się jeszcze bardziej, a heroiczne wykonanie chorale tutti kończy Symfonię Reformacyjną. Okazuje się, że jest otoczony majestatycznym łukiem – cytatami z autentycznych chorałów luterańskich.

Symfonia Włoska

Symfonia włoska A-dur op. 90 (nr 4, 1831–1833)

Skład orkiestry: 2 flety, 2 oboje, 2 klarnety, 2 fagoty, 2 rogi, 2 trąbki, kotły, smyczki.

Historia stworzenia

W słoneczny październik 1830 roku Mendelssohn wyruszył w podróż do Włoch, która trwała około roku. Kompozytor odwiedził Wenecję i Rzym, Neapol i wyspę Capri, Florencję i Mediolan, wszędzie podziwiając dzieła malarstwa i rzeźby, ale przede wszystkim włoską przyrodę i życie. W liście do rodziny tak opisał swoje pierwsze spotkanie z tym krajem: „Włochy ukazały mi się tak czułe, ciche, serdeczne, a wszędzie panowało takie spokojne zadowolenie i radość, że nie da się tego opisać... Błękitne góry pozostać w tyle; słońce świeci gorąco przez liście winogron; droga biegnie pomiędzy sadami; drzewa zdają się być ze sobą połączone pnącymi się w łańcuchach roślinami i wydaje się, że jesteś w domu, że to wszystko jest Ci znane od dawna, a teraz odnajdujesz to na nowo. Na Boga, w mojej duszy narodził się jakiś pokój... Była właśnie niedziela, ze wszystkich stron tłoczyli się ludzie z kwiatami, w jasnych południowych strojach, kobiety miały róże we włosach; obok przejeżdżały lekkie kabriolety, a mężczyźni jechali do kościoła na osłach; Wszędzie na stacjach pocztowych kłębią się grupy bezczynnych ludzi w najpiękniejszych, beztrosko leniwych pozach. (Nawiasem mówiąc, jeden z nich spokojnie przytulił stojącą obok niego żonę, okręcił się z nią na miejscu, a potem wyszli; to było takie proste i takie piękne!)... Cały kraj jest jakoś świąteczny i to wszystko wskazuje na to, że jesteś w jakiś sposób suwerennym księciem, który wkracza do niego triumfalnie” (10 października 1830).

Te swojskie-nieznane, czułe i uśmiechnięte Włochy utkwiły w pamięci Mendelssohna i zapisały się na kartach partytury symfonii, która rozpoczęła się bezpośrednio podczas podróży w 1831 roku, a zakończyła po powrocie do Niemiec dwa lata później. Prawykonanie odbyło się pod kierunkiem autora 13 maja 1833 roku w Londynie.

To trzecia symfonia przedwcześnie ukształtowanego kompozytora. Sam Mendelssohn uważał się za pierwszą symfonię c-moll, powstałą w 1825 roku, choć już wcześniej próbował swoich sił w gatunku symfonicznym, po który zwrócił się w wieku 12 lat i w ciągu trzech lat napisał 13 symfonii na orkiestrę smyczkową. Włoską poprzedziła Symfonia Reformacyjna – pierwsza programowa symfonia romantyczna (1829–1830, choć oznaczona nr 5), poświęcona 300. rocznicy powstania luteranizmu w Niemczech.

W Symfonii Włoskiej, która uchwyciła obrazy życia na łonie południowej przyrody, pod wiecznym błękitem nieba, po raz pierwszy w tak pełni ucieleśniły się charakterystyczne indywidualne cechy stylu Mendelssohna – synteza zasad romantycznych i klasycznych, młodzieńczy entuzjazm, beztroska radość złączenia się z otaczającym światem, wdzięk formy, oparcie się na pieśniowo-tanecznych korzeniach codzienności. Program, podobnie jak w przypadku innych jego symfonii i uwertur koncertowych, wskazany jest jedynie w tytule, co daje nieograniczone pole dla wyobraźni słuchacza.

Muzyka

Bez przygotowania, bez wstępu, żywa, błyskotliwa część pierwsza rozpoczyna się od wesołych okrzyków skrzypiec. Główna część przypomina niekontrolowanie szybką tarantellę. Kiedy dźwięczność orkiestry ucichnie, w klarnetach i fagotach partii bocznej wybrzmiewa nowy motyw, jednak w charakterze niewiele różniący się od głównego, którego temat wkrótce powtarza cała orkiestra, dopełniając ekspozycja. W równie szybkim rozwoju pojawia się kolejny krótki temat w tym samym rytmie tanecznym, ale tym razem w tonacji molowej. Wydaje się być przerzucany z jednego instrumentu na drugi, a potem polifonicznie splatany z głównym. I znowu ogólna radość, radosne okrzyki: nadchodzi powtórka.

Powolna część druga ostro kontrastuje z ogólnym nastrojem symfonii, jej powściągliwą, surową stylistyką i intymnością – zarówno w formie, jak i w orkiestrze, w której nie ma trąbek i kotłów, a rogi długo milczą. Po krótkim okrzyku unisono drewna i smyczków rozpoczyna się spokojna wariacja na temat archaicznie brzmiącego tematu ballady, który według jednego z przyjaciół kompozytora jest autentyczną piosenką czeskich (czyli czeskich) pielgrzymów. W refrenie słychać echa jedynego drobnego tematu części pierwszej. Wraz z pojawieniem się lirycznego głównego tematu klarnetu kolor na chwilę się rozjaśnia, ale część kończy się surowymi obrazami. Być może są to wspomnienia historycznej przeszłości Włoch, a może kompozytora nagle przytłoczyły myśli o surowej, północnej ojczyźnie.

Trzecia część – menuet – zdaje się nawiązywać do jednego z włoskich listów Mendelssohna, w którym zapewnia on, że niemiecka przyroda, niemieckie lasy są dziesięć razy piękniejsze i bardziej malownicze niż wszystkie piękności Włoch. Powtarzany i wielokrotnie urozmaicany, lekki, pełen wdzięku trzytaktowy temat z wirującą melodią jest bliski austriackiemu Ländlerowi, którego tak bardzo kochał Schubert. A trio, w którym róg i fagoty występują jako soliści, przypomina rogi myśliwskie, leśny romans - proste, pozbawione sztuki niemieckie życie ludowe, niedawno poetyckie w romantycznej operze Webera „Free Shooter”. Co ciekawe, Mendelssohn, posługując się klarowną formą klasyczną z wyraźnie artykułowanymi tematami, nie powtarza menueta w niezmienionej formie po trio, jak to czynili klasycy (forma da capo): poddaje tematy taneczne nowym wariacjom melodycznym, harmonicznym, orkiestrowym, jak to jest typowe dla romantyków.

Finał nawiązuje do części pierwszej: tutaj wirowy, szybki, ciągły ruch autor określa mianem saltarelli – popularnego włoskiego tańca ze skokami, który kompozytor zapewne widział podczas swoich podróży i być może wykorzystał dwa autentyczne motywy ludowe. Kunszt Mendelssohna jest niesamowity: nie uciekając się do kontrastów figuratywnych, rytmicznych czy modalnych (wszystkie tematy są drugorzędne), utrzymuje słuchaczy w ciągłym napięciu, zmuszając z fascynacją do podążania za fascynującym, rozwijającym się tańcem ludowym. Formę sonatową tworzą cztery tematy ekspozycji, rozbudowane rozwinięcie z szerokim wykorzystaniem polifonii i repryzy. Plan tonalny całej symfonii jest niezwykły. Jeśli z reguły część pierwsza i ostatnia pisane są w tej samej tonacji lub, wzorem V i IX Beethovena, symfonia molowa zwieńczona jest wielkim finałem, to u Mendelssohna partie durowe i molowe występują naprzemiennie równomiernie , a nawet ostatni akord finału jest molowy. To jednak nie nadaje muzyce ani dramatycznego, ani elegijnego tonu: ognista saltarella wpisuje się w ogólny obraz radosnego, beztroskiego życia Włochów.

Symfonia szkocka

Szkocka Symfonia a-moll op. 56 (nr 3, 1829–1842)

Skład orkiestry: 2 flety, 2 oboje, 2 klarnety, 2 fagoty, 4 rogi, 2 trąbki, kotły, smyczki.

Historia stworzenia

Idea Symfonii Szkockiej zrodziła się u Mendelssohna jednocześnie z Symfonią Reformacyjną (1829–1830), która stała się pierwszą programową symfonią romantyczną (poprzednia symfonia c-moll nie miała programu). Dwudziestoletni kompozytor wyruszył w swoją pierwszą dużą podróż, odwiedzając przede wszystkim Anglię i Szkocję. Wrażenia z obcego kraju, tak odmiennego od ojczyzny, zainspirowały Mendelssohna do stworzenia uwertury „Hebrydy, czyli jaskinia Fingala” i Symfonii szkockiej. Tak wyglądała przed nim stolica Szkocji: „W Edynburgu, ilekroć tam przyjedziesz, zawsze jest niedziela” – pisał Mendelssohn do rodziny 28 lipca 1829 roku. „Wszystko tutaj jest bardzo surowe, mocne, wszystko jest zanurzone w jakiejś mgle, czy dymie, czy mgle, a jutro odbędą się zawody górali na dudach, dlatego wielu już dziś założyło swoje stroje i spokojnie i co ważne, opuszczając kościół, zwycięsko prowadzą pod rękoma swoich wystrojonych dziewczyn. Wszyscy mają długie rude brody i gołe kolana, wszyscy noszą kolorowe płaszcze i kapelusze z piórami. Trzymając w rękach dudy, ludzie spokojnie przechodzą łąką obok zrujnowanego zamku, w którym Mary Stuart spędziła tak wspaniale czas i gdzie Riccio został zabity na jej oczach.

W przeciwieństwie do Symfonii Reformacyjnej, Symfonia Szkocka nie została ukończona natychmiast. Trzecią symfonią Mendelssohna była Włoska (1831–1833), napisana pod wrażeniem podróży do Włoch, dokąd kompozytor udał się po Szkocji. Siedem lat później ukazała się symfonia-kantata „Pieśń pochwalna”, poświęcona 400-leciu druku. I zaledwie pięć lat przed śmiercią Mendelssohn ukończył Symfonię Szkocką, wydaną pod nr 3. W tym czasie był już dyrektorem Orkiestry Gewandhaus w Lipsku, która pod jego dyrekcją stała się jednym z najlepszych zespołów symfonicznych w Europa. Mendelssohn wykonywał oratoria Handla, kantaty i suity Bacha, zadziwił Lipsk IX Symfonią Beethovena, która przez długi czas pozostawała niezrozumiena, i po raz pierwszy zaprezentował publiczności nowe symfonie romantyczne – ostatnią Schuberta, Pierwszą i wreszcie Schumanna 3 marca 1842, jego szkocki.

Właściwa Mendelssohnowi wyrazistość melodii i jasność instrumentacji – przy bardzo skromnym składzie orkiestry – łączą się w jego ostatniej symfonii z nowatorską śmiałością całości kompozycji, tak że jej oryginalność pozwala zapomnieć o jego wcześniejszych dokonaniach w tym gatunku. Forma Symfonii Szkockiej jest znacznie bardziej złożona i odbiega daleko od przykładów klasycznych. Mendelssohn nalegał, aby wszystkie partie wykonać bez przerwy, czego wcześniej nie praktykowano w symfoniach, i ściślej je powiązał, jakby przewidując przejście do jednej części, które Liszt zastosuje w swoich poematach symfonicznych półtorej dekady później.

Muzyka

Surowa kolorystyka, która wyróżnia Szkocką Symfonię, kojarzy się zarówno z odległą, dziką północą, jak i z starożytnymi, na wpół legendarnymi czasami, z których przetrwały jedynie smutne wspomnienia i szare kamienie ruin. Jest to już określone w początkowym temacie ballady, który powoli rozwija się w powolnym wstępie. Jest to ziarno, z którego wyrastają wszystkie kolejne wątki zarówno pierwszej, jak i pozostałych części, które łączy wspólny stan emocjonalny – smutny, drobny – choć bardzo odmienny pod względem figuratywnym. Szczególnie uderzające jest przekształcenie melodyjnego, uduchowionego, balladowego tematu wstępu w poruszającą, niespokojną, stale wznoszącą się w górę główną część allegra sonatowego. Zaczynając od stłumionych dźwięków smyczków i klarnetu, narasta, prowadzi do potężnej kulminacji dla całej orkiestry i nagle się kończy. Klarnet zaczyna śpiewać nowy temat – wtórny, również w molu, ale spokojniejszy i melodyjny. Dopiero pierwsze skrzypce powtarzają jako tło niepokojące fragmenty tematu głównego, jeszcze bardziej podkreślając jedność całej części. Temat końcowy jest szeroko śpiewany, pięknie zaprezentowany w tercjach. Zarówno rozwój, jak i powtórkę dominuje ponury posmak. Tylko przez krótki czas wydaje się, że błyska promień światła lub prześwituje czyste niebo, jak pisał Mendelssohn, przekazując swoje wrażenia z Edynburga. Otwarty dramat triumfuje jedynie w kodzie obrazowym, gdzie uderza niewyczerpana inwencja wciąż nowych wariacji tematu głównego, niezbędnych do tworzenia typowo romantycznych obrazów: szaleje morze, wznoszą się fale, gwiżdże wiatr - przyroda ożywiona reaguje na stan umysłu danej osoby. Nagle wszystko się uspokaja i niczym epilog rozbrzmiewa przemyślana, balladowa fraza wstępu, stanowiąca ramę dla całej pierwszej części.

Scherzo to jedno z najoryginalniejszych dzieł Mendelssohna. W ponurych przestrzeniach pojawia się nagle olśniewający obraz ludowej zabawy, beztroskich melodii dud o niezwykłym brzmieniu w skali pentatonicznej. Widzicie więc szkockich górali w fantazyjnych, jaskrawych kolorach, strojach - krótkich kiltach w kratkę, z przerzuconą na ramiona skórzaną torbą wypełnioną powietrzem, w którą wbite są przeszywająco brzmiące rury z otworami, przez które zręcznie przechodzą palce dudziarza. Podróżując po Szkocji Mendelssohn był świadkiem konkursów dud, a dziki, szybki temat klarnetu, przechwytywany przez inne instrumenty dęte, bardzo przypomina autentyczne próbki folkloru. Jak wszystkie części symfonii, także i scherzo utrzymane jest w formie sonatowej, nie ma tu jednak kontrastu figuratywnego: niezależna tematycznie część wtórna jest równie beztroska jak część główna, która pozostaje dominująca.

Obrazowość trzeciej, powolnej części antycypują wersety listu kompozytora z Edynburga: „O godzinie głębokiego zmierzchu udaliśmy się dzisiaj do zamku, w którym mieszkała i kochała królowa Maria. Zobaczyliśmy małą komnatę ze spiralnymi schodami prowadzącymi do drzwi. To właśnie po niej wspięli się oni (wrogowie królowej – A.K.) i zastawszy Riccia zaznającego spokoju, przeciągnęli go przez trzy pokoje do ciemnego kąta i tam zabili. Znajdująca się obok kaplica nie ma już dachu, a wszystko porasta trawa i bluszcz. Tutaj, przed zniszczonym już ołtarzem, odbyła się koronacja Maryi. Teraz są tylko ruiny, kurz i zgnilizna, a z góry spogląda czyste niebo. Przemyślany, uduchowiony, szeroko śpiewany temat główny skrzypiec jest typowym przykładem tekstów Mendelssohna, budzących skojarzenia z fortepianowymi „Pieśniami bez słów”, które często pojawiają się w wolnych częściach jego symfonii. Jednak w odróżnieniu od swoich poprzedników, to adagio jest szeroko rozwinięte i zbudowane na kontrastach, tworząc formę sonatową. Niczym odległy marsz żałobny, ostre akordy instrumentów dętych drewnianych wybuchają ostrym, przerywanym rytmem, który następnie brzmi groźnie w całej orkiestrze. I znowu kolor się rozjaśnia, pojawia się nowa melodyjna melodia – wtórna, będąca odmianą głównej. Ale jeszcze dwukrotnie ponury marsz żałobny przerwie spokojną wariację tematów głównych i pobocznych.

W szybkim finale – po głównych częściach środkowych – powracają pomniejsze nastroje części pierwszej. Ostry punktowany rytm, ostre akcenty, nagłe zmiany brzmienia w ostrej i bojowej części głównej przywodzą na myśl marszowe obrazy adagio, a bardziej liryczna partia boczna, śpiewana przez obój i klarnet, bezpośrednio nawiązuje do balladowego tematu utworu wstęp. W projekcie dominują także heroiczne obrazy. Energiczne rozwinięcie motywów tematu głównego kontynuowane jest w kodzie podobnej do drugiego rozwinięcia (Mendelssohn posługuje się ulubioną techniką symfonii Beethovena). Ale rozwój nie kończy się potężną kulminacją, ale nagłym spadkiem dźwięczności. W głębokiej ciszy klarnet solowy rozpoczyna smutną pieśń; fagot wchodzi z nim w dialog; zastępuje je zanikający dźwięk smyczków. Następuje ogólna przerwa. I jakby z oddali, stopniowo narastająca, rozszerza się uroczysta melodia: najpierw w niskich barwach, potem coraz lżejsza, cała orkiestra afirmuje ostateczną, radosną wersję tematu otwierającego. Całość symfonii ujęta jest więc w swoisty łuk: początkowa ballada molowa przekształca się w majestatyczną apoteozę durową.

Feliksa Mendelssohna-Bartholdy’ego
III Symfonia a-moll „Szkocka” op. 56
Wykonawcy:
Bawarska Orkiestra Radia
Dyrygent – Maris Jansons.

Symfonia nr. 3 (moll), op. 56, „szkocki”
Idea Symfonii Szkockiej zrodziła się u Mendelssohna jednocześnie z Symfonią Reformacyjną (1829-1830), która stała się pierwszą programową symfonią romantyczną (poprzednia symfonia c-moll nie miała programu). Dwudziestoletni kompozytor wyruszył w swoją pierwszą dużą podróż, odwiedzając przede wszystkim Anglię i Szkocję. Wrażenia z obcego kraju, tak odmiennego od ojczyzny, zainspirowały Mendelssohna do stworzenia uwertury „Hebrydy, czyli jaskinia Fingala” i Symfonii szkockiej. Tak wyglądała przed nim stolica Szkocji: „W Edynburgu, ilekroć tam przyjedziesz, zawsze jest niedziela” – pisał Mendelssohn do rodziny 28 lipca 1829 roku. „Wszystko tutaj jest bardzo surowe, mocne, wszystko jest zanurzone w jakiejś mgle, czy dymie, czy mgle, a jutro odbędą się zawody górali na dudach, dlatego wielu już dziś założyło swoje stroje i spokojnie i co ważne, opuszczając kościół, zwycięsko prowadzą pod rękoma swoich wystrojonych dziewczyn. Wszyscy mają długie rude brody i gołe kolana, wszyscy noszą kolorowe płaszcze i kapelusze z piórami. Trzymając w rękach dudy, ludzie spokojnie przechodzą łąką obok zrujnowanego zamku, w którym Mary Stuart spędziła tak wspaniale czas i gdzie Riccio został zabity na jej oczach.
W przeciwieństwie do Symfonii Reformacyjnej, Symfonia Szkocka nie została ukończona natychmiast. Trzecią symfonią Mendelssohna była Włoska (1831-1833), napisana pod wrażeniem podróży do Włoch, dokąd kompozytor udał się po Szkocji. Siedem lat później ukazała się symfonia-kantata „Pieśń pochwalna”, poświęcona 400-leciu druku. I zaledwie pięć lat przed śmiercią Mendelssohn ukończył Symfonię Szkocką, wydaną pod nr 3. W tym czasie był już dyrektorem Orkiestry Gewandhaus w Lipsku, która pod jego dyrekcją stała się jednym z najlepszych zespołów symfonicznych w Europa. Mendelssohn wykonywał oratoria Handla, kantaty i suity Bacha, zadziwił Lipsk IX Symfonią Beethovena, która przez długi czas pozostawała niezrozumiena, i po raz pierwszy zaprezentował publiczności nowe symfonie romantyczne – ostatnią Schuberta, Pierwszą i wreszcie Schumanna 3 marca 1842, jego szkocki.
Właściwa Mendelssohnowi wyrazistość melodii i jasność instrumentacji – przy bardzo skromnym składzie orkiestry – łączą się w jego ostatniej symfonii z nowatorską śmiałością całości kompozycji, tak że jej oryginalność pozwala zapomnieć o jego wcześniejszych dokonaniach w tym gatunku. Forma Symfonii Szkockiej jest znacznie bardziej złożona i odbiega daleko od przykładów klasycznych. Mendelssohn nalegał, aby wszystkie partie wykonać bez przerwy, czego wcześniej nie praktykowano w symfoniach, i ściślej je powiązał, jakby przewidując przejście do jednej części, które Liszt zastosuje w swoich poematach symfonicznych półtorej dekady później.
Muzyka

Obrazowość trzeciej, powolnej części antycypują wersety listu kompozytora z Edynburga: „O godzinie głębokiego zmierzchu udaliśmy się dzisiaj do zamku, w którym mieszkała i kochała królowa Maria. Zobaczyliśmy małą komnatę ze spiralnymi schodami prowadzącymi do drzwi. To właśnie po niej wspięli się oni (wrogowie królowej – A.K.) i zastawszy Riccia zaznającego spokoju, przeciągnęli go przez trzy pokoje do ciemnego kąta i tam zabili. Znajdująca się obok kaplica nie ma już dachu, a wszystko porasta trawa i bluszcz. Tutaj, nad zniszczonym już ołtarzem, odbyła się koronacja Maryi. Teraz są tylko ruiny, kurz i zgnilizna, a z góry spogląda czyste niebo. Przemyślany, uduchowiony, szeroko śpiewany temat główny skrzypiec jest typowym przykładem tekstów Mendelssohna, budzących skojarzenia z fortepianowymi „Pieśniami bez słów”, które często pojawiają się w wolnych częściach jego symfonii. Jednak w odróżnieniu od swoich poprzedników, to adagio jest szeroko rozwinięte i zbudowane na kontrastach, tworząc formę sonatową. Niczym odległy marsz żałobny, ostre akordy instrumentów dętych drewnianych wybuchają ostrym, przerywanym rytmem, który następnie brzmi groźnie w całej orkiestrze. I znowu kolor się rozjaśnia, pojawia się nowa melodyjna melodia – wtórna, będąca odmianą głównej. Ale jeszcze dwukrotnie ponury marsz żałobny przerwie spokojną wariację tematów głównych i pobocznych.

Skład orkiestry: 2 flety, 2 oboje, 2 klarnety, 2 fagoty, 4 rogi, 2 trąbki, kotły, smyczki.

Historia stworzenia

Idea Symfonii Szkockiej zrodziła się u Mendelssohna jednocześnie z Symfonią Reformacyjną (1829-1830), która stała się pierwszą programową symfonią romantyczną (poprzednia symfonia c-moll nie miała programu). Dwudziestoletni kompozytor wyruszył w swoją pierwszą dużą podróż, odwiedzając przede wszystkim Anglię i Szkocję. Wrażenia z obcego kraju, tak odmiennego od ojczyzny, zainspirowały Mendelssohna do stworzenia uwertury „Hebrydy, czyli jaskinia Fingala” i Symfonii szkockiej. Tak wyglądała przed nim stolica Szkocji: „W Edynburgu, ilekroć tam przyjedziesz, zawsze jest niedziela” – pisał Mendelssohn do rodziny 28 lipca 1829 roku. „Wszystko tutaj jest bardzo surowe, mocne, wszystko jest zanurzone w jakiejś mgle, czy dymie, czy mgle, a jutro odbędą się zawody górali na dudach, dlatego wielu już dziś założyło swoje stroje i spokojnie i co ważne, opuszczając kościół, zwycięsko prowadzą pod rękoma swoich wystrojonych dziewczyn. Wszyscy mają długie rude brody i gołe kolana, wszyscy noszą kolorowe płaszcze i kapelusze z piórami. Trzymając w rękach dudy, ludzie spokojnie przechodzą łąką obok zrujnowanego zamku, w którym Mary Stuart spędziła tak wspaniale czas i gdzie Riccio został zabity na jej oczach.

W przeciwieństwie do Symfonii Reformacyjnej, Symfonia Szkocka nie została ukończona natychmiast. Trzecią symfonią Mendelssohna była Włoska (1831-1833), napisana pod wrażeniem podróży do Włoch, dokąd kompozytor udał się po Szkocji. Siedem lat później ukazała się symfonia-kantata „Pieśń pochwalna”, poświęcona 400-leciu druku. I zaledwie pięć lat przed śmiercią Mendelssohn ukończył Symfonię Szkocką, wydaną pod nr 3. W tym czasie był już dyrektorem Orkiestry Gewandhaus w Lipsku, która pod jego dyrekcją stała się jednym z najlepszych zespołów symfonicznych w Europa. Mendelssohn wykonywał oratoria Handla, kantaty i suity Bacha, zadziwił Lipsk IX Symfonią Beethovena, która przez długi czas pozostawała niezrozumiena, i po raz pierwszy zaprezentował publiczności nowe symfonie romantyczne – ostatnią Schuberta, Pierwszą i wreszcie Schumanna 3 marca 1842, jego szkocki.

Muzyka

Obrazowość trzeciej, powolnej części antycypują wersety listu kompozytora z Edynburga: „O godzinie głębokiego zmierzchu udaliśmy się dzisiaj do zamku, w którym mieszkała i kochała królowa Maria. Zobaczyliśmy małą komnatę ze spiralnymi schodami prowadzącymi do drzwi. Według niej oni (wrogowie królowej. - AK) i wstałem, i zastawszy Riccia, który był spokojny, przeciągnąłem go przez trzy pokoje do ciemnego kąta i tam zabiłem. Znajdująca się obok kaplica nie ma już dachu, a wszystko porasta trawa i bluszcz. Tutaj, nad zniszczonym już ołtarzem, odbyła się koronacja Maryi. Teraz są tylko ruiny, kurz i zgnilizna, a z góry spogląda czyste niebo. Przemyślany, uduchowiony, szeroko śpiewany temat główny skrzypiec jest typowym przykładem tekstów Mendelssohna, budzących skojarzenia z fortepianowymi „Pieśniami bez słów”, które często pojawiają się w wolnych częściach jego symfonii. Jednak w odróżnieniu od swoich poprzedników, to adagio jest szeroko rozwinięte i zbudowane na kontrastach, tworząc formę sonatową. Niczym odległy marsz żałobny, ostre akordy instrumentów dętych drewnianych wybuchają ostrym, przerywanym rytmem, który następnie brzmi groźnie w całej orkiestrze. I znowu kolor się rozjaśnia, pojawia się nowa melodyjna melodia – wtórna, będąca odmianą głównej. Ale jeszcze dwukrotnie ponury marsz żałobny przerwie spokojną wariację tematów głównych i pobocznych.

A. Koenigsberg

Symfonia „szkocka” a-moll kontynuuje linię rozwoju symfonii romantycznej wywodzącej się od Schuberta. Elegijne i liryczno-epopetyczne obrazy symfonii inspirowane są ponurymi legendami i przyrodą Szkocji oraz romantycznie odczytywanymi epizodami z jej historii.

Harmonia figuratywnej koncepcji symfonii odzwierciedla się w wyjątkowej integralności i spójności cyklu. Wszystkie części następują bez przerwy (attacca) i, co najważniejsze, są ze sobą powiązane tematycznie. Smutny, nieco surowy temat liryczno-narracyjny wstępu stanowi podstawę głównej i pobocznej części pierwszej części:

Szczególna jasność środkowych części cyklu jest typowa dla symfonii romantycznych.

Jako część drugą Mendelssohn wprowadza scherzo (Vivace non troppo, F-dur). Kontrast wprowadzony przez lekkie i pogodne brzmienie podkreśla położenie scherza pomiędzy elegijnie zabarwioną pierwszą i trzecią częścią symfonii. Scherzo wykorzystuje pentatoniczną melodię dud w duchu szkockiej muzyki góralskiej. Ale i tu słychać echa głównego tematu symfonii:

W Adagio (część trzecia A-dur) płynny przebieg romantycznej, melancholijnej melodii, przypominającej pieśń bez słów, ustępuje miejsca tematowi o charakterze marsza żałobnego. Najbardziej żałobne obrazy symfonii skupiają się tutaj:

Zarówno Adagio, jak i burzliwy finał zawierają intonacje głównego tematu symfonii; Wreszcie jej przekształcenie następuje w uroczystej apoteozie – kodzie całej symfonii:

Symfonię szkocką (1830-1842), rozpoczętą równolegle z Symfonią włoską, ukończono dopiero 12 lat później. Jest interesująca jako uogólnienie i poetyka muzyki codziennej, głównie lirycznej.

W nawiązaniu do słonecznego „włoskiego” » „Scottish Symphony” ma znamiona surowości i melancholii. Tak Mendelssohn postrzegał legendy historyczne i swoisty smaczek codzienności.

„Szkocka Symfonia” różni się od „Włoskiej Symfonii” » szerszy i bardziej kontrastowy zakres obrazów. W jej muzyce widać ślady wpływów współczesnego symfonizmu (m.in. ostatnia symfonia Schuberta, pierwsze dzieła symfoniczne Schumanna), romantycznej muzyki kameralnej (przede wszystkim „Pieśni bez słów” Mendelssohna i codziennego romansu miejskiego.

Znalazło to odzwierciedlenie w nowatorskich tendencjach w interpretacji formy i cechach stylu melodycznego.

Obszerny wstęp, zbudowany na lirycznym motywie „romantycznym”, antycypuje nastroje melancholijne. Allegro un poco agitato i przygotowuje go intonacyjnie. Dominacja tematów pieśni i tańca wskazuje na ciągłość z wiedeńską muzyką klasyczną.

Cechy romantyczne” Symfonia szkocka„są na tyle oryginalne, że wartość artystyczna dzieł, które wcześniej stworzył, jest zrównana z poziomem. Jednak to praca nad poprzednimi symfoniami przygotowała kompozytora do tego jakościowo nowego skoku (przypomnijmy tu różnorodność i bogactwo ich treści figuratywnych, twórczą swobodę wobec tradycji, nową interpretację allegro sonatowe, metody rozwoju tematycznego, o kształtowaniu się zasad monotematyzmu, poezji, o odkryciach w dziedzinie pisarstwa orkiestrowego itp.).

„Wszystko tutaj jest bardzo surowe, mocne, wszystko jest zanurzone w jakiejś mgle, dymie lub mgle, a jutro odbędą się zawody alpinistów Dudy, dlatego wiele osób już dziś założyło swoje stroje i, co ważne, w sposób stateczny i ważny, opuściło kościół, zwycięsko prowadząc za ramię swoje wystrojone dziewczyny. Wszyscy mają długie rude brody i gołe kolana, wszyscy noszą kolorowe płaszcze i kapelusze z piórami. Trzymając w dłoniach dudy, ludzie spokojnie przechadzają się po łące obok zniszczonego, szarego zamku, w którym tak wspaniale spędziła czas Mary Stuart i gdzie Riccio został zabity na jej oczach. Kiedy obok teraźniejszości widzisz tak wiele przeszłości, wydaje się, że czas leci bardzo szybko” – Mendelssohn pisał z Edynburga do swojej rodziny 28 lipca 1829 roku.

„O godzinie głębokiego zmierzchu udaliśmy się dziś do zamku, w którym mieszkała i kochała Królowa Maria... Stojąca niedaleko kaplica nie ma już dachu, a wszystko jest gęsto porośnięte trawą i bluszczem. Tutaj, przed zniszczonym już ołtarzem, odbyła się koronacja Maryi. Teraz są tylko ruiny, kurz i zgnilizna, a z góry spogląda czyste niebo. Myślę, że znalazłem tu dzisiaj początek mojej „Scottish Symphony”.

Te wczesne wrażenia kompozytora, przykryte przez lata romantyczną mgłą wspomnień, zdają się uchwycić całą figuratywną i emocjonalną strukturę symfonii z jej elegijnym smutkiem, bolesnymi myślami, obrazami festiwalu dudziarzy, surową przyrodą i ponurym niepokojem, inspirowany legendarnym tragicznym wizerunkiem Marii Stuart.

Różnorodność i bogactwo obrazów związanych z życiem, przyrodą i historią Szkocji wymagało istotnego przemyślenia gatunku symfonii. Jest to ogromne dzieło jednoczęściowe, zawierające wszystkie cztery tradycyjne części cyklu, posiadające wspólny wstęp i końcową kodę. Co więcej, w tym jednoczęściowym dziele Mendelssohn porządkuje tradycyjne części cyklu i w nowy sposób odsłania znaczenie i funkcję każdej z nich, podporządkowując wszystkie szczegóły jednej idei pojęciowej.

Integralność planu przejawia się także w zasadzie programowania, której Mendelssohn pozostał wierny przez całą swoją twórczość. I choć w 1842 roku, kiedy symfonia została ukończona, symfonie programowe Berlioza były już znane w Europie, Mendelssohn nie kieruje się Berliozową zasadą szczegółowości fabuły, pozostając na stanowisku uogólniania treści figuratywnej, jak miało to już miejsce w jego uwerturach koncertowych i „ Symfonia Włoska» .

Kompozytywna jedność i integralność dzieła ujawniają się szczególnie wyraźnie dzięki zasadzie monotematyczności, urzeczywistnionej w symfonii z niezwykłą kunsztem i pomysłowością.

Tematem wprowadzenia jest tematyczne „ziarno” symfonii (zob. przykład 2.1).

W 1829 roku Felix Mendelssohn-Bartholdy wymyślił dwie symfonie na raz. Ukończył pierwszą z nich, zatytułowaną „Reformacja” i poświęconą trzysetnej rocznicy powstania luteranizmu, przypadającej w następnym roku (była to pierwsza symfonia programowa – Berlioz ukończył „Berlioza” kilka miesięcy później). Realizację drugiego planu odłożono jednak o lata.

Pomysł ten, zrealizowany na pięć lat przed przedwczesną śmiercią Mendelssohna, wiązał się z podróżą kompozytora do Szkocji, którą odwiedził w 1829 roku. Podróż ta dostarczyła mu wielu żywych wrażeń. Wszystko tutaj było niezwykłe: ciągła mgła, nadająca krajobrazom fantastyczny wygląd, zielone fale morskie uderzające o skały, zrujnowany zamek „pamiętający” Marię Stuart oraz jasne stroje i kapelusze z piórami Rudobrodego górale „z gołymi kolanami” udali się na konkurs dud... Wszystkie te wrażenia znalazły swoje odzwierciedlenie w programowej symfonii „Szkockiej”.

Forma symfonii okazała się bardzo nietypowa. Kolejność części różni się od tradycyjnej: scherzo jest częścią drugą, a część wolna trzecią. Z reguły części symfonii oddzielone są od siebie pauzami, jednak w tym przypadku autorowi zamierzeniu było wykonanie ich bez przerwy – dlatego Symfonia Szkocka stała się krokiem w stronę jednoczęściowości, która później przełożyła się na twórczość w gatunek poematu symfonicznego. Inna zasada, która później odegra w symfonii ważną rolę – monotematyzm – obecna jest także w tym dziele Mendelssohna-Bartholdy’ego: wszystkie tematy symfonii wyrastają z powolnej, smutnej melodii typu balladowego, która otwiera część pierwszą. Jednocześnie nadaje emocjonalny ton dziełu, odtwarzając obraz surowego północnego kraju.

Jej pierwsze przekształcenie stanowi zasadniczą część części pierwszej – również w tonacji molowej, ale z domieszką taneczności. Zaczyna się od smyczków połączonych z klarnetem, ale w miarę rozwoju przejmuje całą orkiestrę. Część boczna kantyleny również utrzymana jest w tonacji mollowej. Klarnet dokonuje tego na tle elementów partii głównej, niepokojąco intonowanych przez smyczki. Ostatni jest równie melodyjny. Ponura kolorystyka ekspozycji utrzymana jest w wywołaniu, w repryzie i kodzie dramatycznej. Fragment balladowego tematu wstępu zamyka część pierwszą.

Część druga, scherzo, odzwierciedla wspomnienia zawodów na dudach, których Mendelssohn był świadkiem w Szkocji. Ludowy charakter jej pentatonicznej partii głównej podkreśla charakterystyczna dla pieśni szkockich synkopa. Barwę dud imituje solowy klarnet. Melodia poboczna jest melodią samodzielną, lecz jej charakter nie kontrastuje z melodią główną.

Część trzecia – powolna – wiąże się z wrażeniami z wizyty w zrujnowanym zamku, w którym niegdyś mieszkała Maria Stuart, oraz z mrocznymi legendami otaczającymi imię tej szkockiej królowej. Skrzypce w zamyśleniu wykonują szeroką melodię, przypominającą nieco Pieśni bez słów Mendelssohna, którą jednak gwałtownie przerywa przerywany rytm, przypominający marsz żałobny. Partia boczna jest odmianą partii głównej.

Szybki finał zbudowany jest na kontrastach: ostry rytmicznie temat główny kontrastuje z tematem pobocznym, związanym ze wstępem do części pierwszej. W rozwoju dominują obrazy planu heroicznego, a kod porównuje się do drugiego rozwoju, ale rozwój ten nie prowadzi do kulminacji. Nagle wszystko się uspokaja i w zupełnej ciszy klarnet, echem fagotu, prowadzi smutną melodię. Po ogólnej pauzie pojawia się nowa wersja balladowego tematu wstępu – uroczysta, majestatyczna.

Po raz pierwszy symfonię szkocką wykonała Orkiestra Gewandhaus w Lipsku, kierowana wówczas przez Mendelssohna-Bartholdy'ego. Premiera odbyła się w marcu 1842 r.

Sezony muzyczne