A la vuelta de los siglos 18-19. La crítica literaria surgió como ciencia, ya que no existían métodos científicos.

¿Con qué ciencias está estrechamente relacionada la crítica literaria?

Con la lingüística (linguopoética)

Con filosofía (axiología - la doctrina de los valores)

con estudios religiosos

Con matemáticas (poesía)

Con la sociología (la evolución del lector, la demanda de obras, el impacto de la economía en la literatura)

Con psicología (Doctorado "Nekrasov - poeta y empresario")

Con estudios culturales

Retórica

Un filólogo se preocupa por todo. El crítico literario debe saber más que el texto. Es lingüista, psicólogo, sociólogo, experto cultural, filósofo y matemático. Un crítico literario no debe limitarse a una cosa, debe saber ciencias afines. Lingüística relacionado cercanamente a estudios literarios. Unión lingüística y estudios literarios dio origen a la filosofía. Componente estudios literarios- versificación, estudiando las diversas formas de la estructura del verso. Diverso Conexiones de la crítica literaria con folklore, lingüística, historia del arte, estética, historia.

37. Motivo y sus funciones en la ficción. Fundamental.
(según el libro de texto)

Motivo(del lat. moveo - me muevo) - un término que ha pasado a la crítica literaria desde la musicología. Es “la unidad independiente más pequeña de forma musical. El desarrollo se lleva a cabo mediante múltiples repeticiones del motivo, así como sus transformaciones, la introducción de motivos contrastantes. La estructura del motivo encarna la conexión lógica en la estructura de la obra. Analogías con la música, donde este término es clave en el análisis composiciones obras, ayudan a comprender las propiedades del motivo en una obra literaria: su articulación del todo y repetibilidad en una variedad de variaciones.
Destacado cinco tipos de motivos: "corriendo hacia adelante, que aceleran la acción"; “Retrocediendo, los que alejan la acción de su fin”; "Retardantes que retrasan el curso de acción"; "Mirando al pasado"; "girando hacia el futuro, anticipando lo que sucederá en épocas posteriores".

UN. Veselovsky "Poética de las tramas":

Se interesó principalmente por la repetición de motivos en los géneros narrativos de diferentes pueblos. El motivo actuó como base de la "tradición", "lenguaje poético", heredado del pasado: "Bajo motivo Me refiero a la unidad narrativa más simple, respondiendo figurativamente a diversas solicitudes de la mente primitiva o de la observación cotidiana. Veselovsky consideró que los motivos son las fórmulas más simples que pueden originarse entre diferentes tribus independientemente unas de otras. “Un signo de un motivo es su esquematismo figurativo de un solo término…”. Por ejemplo, un eclipse (“el sol está secuestrando a alguien”), la lucha de hermanos por una herencia, una lucha por una novia.

Según Veselovsky, los motivos en sí mismos no son un acto de creatividad, no se pueden tomar prestados, los motivos prestados son difíciles de distinguir de los espontáneos; y la creatividad se manifiesta principalmente en la "combinación de motivos" que da a una u otra trama individual. Para analizar el motivo, el científico utilizó la fórmula: a + b. Por ejemplo, “la anciana malvada no ama la belleza y le asigna una tarea que amenaza su vida. Cada parte de la fórmula está sujeta a cambios, especialmente sujeta a incrementos b. Así, la persecución de la anciana se expresa en las tareas que asigna a la belleza. Estas tareas pueden ser dos, tres o más (a + b + b¹ + b²). Posteriormente, las combinaciones de motivos se transformaron en numerosas composiciones y se convirtieron en la base de géneros narrativos como cuento, novela, poema. El mismo motivo, según Veselovsky, permaneció estable e indescomponible; varios combinaciones de motivos constituir gráfico. A diferencia del motivo, la trama podría tomarse prestada. En la trama, cada motivo juega un papel determinado: puede ser primario, secundario, episódico. El desarrollo de un mismo motivo se repite a menudo en diferentes tramas.

El escritor piensa en términos de motivos, y cada motivo tiene un conjunto estable de significados, en parte incrustados genéticamente en él, en parte apareciendo en el proceso de una larga vida histórica.

En la década de 1920, Propp:

“Según Veselovsky, el motivo es una unidad de narración indescomponible. Sin embargo, los motivos que cita como ejemplos están descompuestos. Por ejemplo, el motivo "la serpiente secuestra a la hija del rey" se descompone en 4 elementos, cada uno de los cuales puede variar individualmente. La serpiente puede ser reemplazada por Koshchei, torbellino, diablo, halcón, hechicero. La abducción puede ser reemplazada por vampirismo y diversas acciones que logran la desaparición en un cuento de hadas. Una hija puede ser reemplazada por una hermana, novia, esposa, madre. El rey puede ser reemplazado por el hijo del rey, un campesino, un sacerdote. Así, contrariamente a Veselovsky, debemos afirmar que el motivo no es monomio, no es indescomponible.

"Elementos primarios" Propp considera las funciones de los actores. “Una función se entiende como un acto de un actor, definido en términos de su significado para el curso de la acción”. Las funciones se repiten, se pueden contar; todas las funciones se distribuyen entre los actores de tal manera que se pueden distinguir siete “círculos de acción” y, en consecuencia, siete tipos de personajes: plaga, dador, ayudante, personaje deseado, remitente, héroe, falso héroe.

Basado en el análisis de 100 cuentos de hadas de la colección de A.N. Afanasiev "Cuentos populares rusos" V. Propp destacó 31 funciones dentro de las cuales se desarrolla la acción (por ejemplo, ausencia, prohibición, violación, etc.).

El punto de vista de Veselovsky también fue cuestionado por otros científicos (A. Bem).

En la literatura de los últimos siglos, el motivo se considera a menudo como una categoría literatura historica comparada. Los motivos pueden ser:

mitológico

Historia

Descriptivo

Lírica

intertextual

intratexto

En la crítica literaria moderna, el término "motivo" tiene divergencias en la interpretación y definición de sus propiedades más importantes. El indicador generalmente aceptado de un motivo es su repetición.

El motivo principal en una o muchas obras del escritor se puede definir como fundamental. A veces también hablan del leitmotiv de la dirección. El leitmotiv se puede considerar al nivel temas y estructura figurativa obras (por ejemplo, A.P. Chekhov "The Cherry Orchard": el jardín como símbolo del Hogar, la belleza y la sostenibilidad de la vida).

Podemos hablar sobre el papel especial tanto del leitmotiv como del motivo en la organización del segundo significado secreto de la obra, en otras palabras: subtexto, trasfondo(por ejemplo, "Tío Vanya": el leitmotiv es la frase "La vida se ha ido").

El motivo puede ser considerado como el desarrollo, ampliación y profundización del tema principal, a nivel de la estructura figurativa de la obra.

En la crítica literaria moderna, existe una tendencia a considerar la estructura artística de una obra desde el punto de vista de construcción del leitmotiv. Esto se refiere al principio bajo el cual un determinado motivo, una vez que ha surgido, se repite muchas veces, apareciendo cada vez en una nueva versión, nuevos contornos y en combinaciones siempre nuevas con otros motivos.

En una obra lírica, un motivo es, ante todo, un conjunto recurrente de sentimientos e ideas expresados ​​en el discurso artístico. Pero los motivos individuales en las letras son mucho más independientes que en la épica y el drama, donde están subordinados al desarrollo de la acción.

A veces, la obra del poeta en su conjunto puede considerarse como una interacción, una correlación de motivos. Un mismo motivo puede recibir diferentes simbólico significados en las obras líricas de diferentes épocas, destacando la cercanía y al mismo tiempo la originalidad de los poetas.

17.Verso y prosa como dos formas de discurso artístico.

verso y prosa (griego stichos - fila, línea; lat. prosa, de lat. prosa oratio - discurso recto) - estas son dos formas generales de la organización de la entonación del habla oral y la organización gráfica que la acompaña del habla escrita. La palabra " verso" en sí mismo en la traducción del griego significa "fila", y la palabra "prosa" traducida del latín significa "discurso que va en línea recta".
La asignación del verso como un sistema especial de discurso artístico, opuesto a la "prosa", tiene lugar en la literatura rusa en el siglo XVII y principios del XVIII. Está asociado con esa amplia reestructuración de la cultura rusa, que en la literatura y el arte se llevó a cabo bajo el signo del Barroco. El verso abierto barroco como sistema de habla en la literatura rusa. Con su extremismo estético característico, capturó el poder expresivo del ritmo y la rima en el habla literaria rusa, distinguió estos dos recursos fónicos de la masa de otros, los canonizó y los convirtió en signos de la diferencia entre "verso" y "prosa". Aparece la palabra “verso”, y toda la estructura de la percepción del discurso artístico comienza a cambiar: tales monumentos, que bajo Epifanio el Sabio habrían sido percibidos como prosa retórica, ahora se perciben como poesía.
Separado de la prosa, el verso tenía que definirse a sí mismo; reconociendo el ritmo como su base, tuvo que buscar a tientas la naturaleza de este ritmo, para establecer su propio sistema de versificación. La búsqueda de un sistema de versificación constituye el contenido principal de la prehistoria del verso ruso, desde principios del siglo XVII. hasta la década de 1840. 3 etapas de la prehistoria: 1) - 3 sistemas (versos de canciones de epopeyas y canciones populares, versos de oración de cantos litúrgicos y versos coloquiales de dichos, proverbios y refranes bufonescos) 2) tamaños prestados (por ejemplo, de la literatura antigua) 3) plan de estudios -tónico. versificación de Lomonosov-Trediakovsky
¡¡¡La principal diferencia entre el verso y la prosa es el diseño ordenado (en columnas)!!! Todo lo demás (ritmo, métrica, rima, etc.) son signos inestables que, además, también se encuentran en la prosa. Además, ¡las líneas del poema están lógicamente conectadas! Yu.N. Tynyanov llamó a esta característica del "comportamiento" de las palabras en verso "la unidad y la rigidez de la serie de versos".
En el habla prosaica, la entonación está sujeta a la sintaxis: las pausas y las modulaciones de la voz dependen, por ejemplo, de los signos de puntuación que expresan relaciones sintácticas entre sus partes. Y en el habla poética, la entonación, que conserva una cierta dependencia de la sintaxis, está sujeta principalmente a un ritmo estable: esto se evidencia de manera convincente en los textos poéticos con engenbemans, en los que se distinguen más las pausas "rítmicas" (entre versos o medios versos). claramente que las pausas sintácticas. » (entre oraciones o partes de oraciones separadas sintácticamente).
Existe la opinión de que la poesía difiere de la prosa en una mayor emotividad, lirismo. Esto no es infundado, pero sin embargo no puede servir como un sello de la poesía. En la ficción, los fragmentos líricos también son bastante comunes, además, existe un género de la llamada prosa lírica. (Por ejemplo, Viaje por el Harz Heine.). Trediakovsky se pronunció en contra de la división en verso y prosa por estos motivos: “La altura del estilo, la audacia de las imágenes, la vivacidad de las figuras, el movimiento impetuoso, el abandono brusco del orden, etc., no distinguen el verso de la prosa; porque todo esto es usado a veces por retóricos e historiadores.
La prosa surgió mucho más tarde que la poesía. Hasta el Renacimiento, la forma poética en Europa era prácticamente la única herramienta para convertir la palabra en arte y se consideraba una de las principales condiciones de la belleza. “El estilo desprovisto de ritmo tiene un aspecto inacabado”, escribió Aristóteles. Es cierto que había una novela antigua, que era un género de masas. En general, la prosa anterior a la New Age se desarrolló en la periferia del arte (crónicas históricas, diálogos filosóficos, memorias, panfletos, etc.) o en géneros “bajos” (varios tipos de sátira), y la prosa artística aparece solo en “maduros”. literaturas La prosa moderna, que se origina en el cuento italiano del Renacimiento, ha desarrollado sus propias técnicas artísticas específicas y actúa como una forma soberana de pleno derecho del arte de la palabra. En unas épocas se desarrolla predominantemente la poesía, en otras, la prosa. Entonces, en la "edad de oro" de la literatura rusa (era de Pushkin), la poesía estaba cualitativa y cuantitativamente por delante de la prosa. En un sentido amplio, "poesía" en Rusia 18-19 siglos. llama toda la creatividad literaria y artística, tanto en verso como en prosa. En la literatura rusa, la "buena" ficción a menudo se denominaba poesía. Así es exactamente como Belinsky usó este término. Se llamaban textos de no ficción en prosa: históricos, filosóficos, de oratoria, etc., así como obras de arte mal escritas. El joven Pushkin le escribió a su hermano: "La prosa es más adecuada para Pletnev que la poesía, no tiene sentimiento, ni vivacidad, su estilo es tan pálido como un hombre muerto". Por lo tanto, el "estilo pálido" impide escribir poesía, pero no interfiere con la prosa. Maduro Pushkin dijo: "Los años tienden a la prosa dura ...". "Severo" aquí significa "serio", opuesto a la poesía "ligera". (Según la definición de Pushkin, "la poesía debe ser estúpida").
¿Cuál es la principal diferencia entre poesía y prosa? Según el crítico literario S. N. Zenkin, “el principio general del discurso poético es la mayor activación de todos los niveles del texto, que se compra a costa de restricciones artificiales y hace que el texto sea especialmente informativo”. Entonces, si no hay rima, entonces se usa el ritmo, pero si está ausente (como en el verso libre), se usa la división en líneas, que puede complementarse con la ausencia de puntuación. Todo esto con el fin de “activar nuestra actividad de interpretación del texto”, ya que la tarea de la poesía es hacer que el lector comprenda de nuevo la realidad, descubriendo significados existenciales a través de la palabra. Es por eso que difiere de la prosa con su originalidad descriptiva e informativa. En poesía, la forma es tan significativa como el contenido. En la buena poesía se complementan y se apoyan. Por lo tanto, hay formas de acentuación gráfica del verso (por ejemplo, "similitudes" barrocas, cuando, digamos, un poema sobre un jarrón se imprimió en forma de jarrón, que se encuentra en la poesía de Polotsky, Apollinaire, Jacques Prevert, o un conjunto de varios fragmentos de texto en una fuente de diferente calidad y tamaño en el poema de Mallarmé Una tirada de dados nunca anulará una oportunidad, etc.). La prosa se define como discurso artístico (a diferencia del discurso cotidiano), ya que en él, según el mismo Zenkin, “está presente un ritmo poético en la forma filmada, la prosa se percibe sobre el trasfondo de la poesía; la prosa es algo que no ha querido ser poesía, en contraste con la prosa “cruda” del habla cotidiana, que, en principio, no sabe de poesía.

Historia del Arte Historia del Arte

La historia del arte, en un sentido amplio, es un complejo de ciencias sociales que estudian el arte, la cultura artística de la sociedad en su conjunto y demás. tipos de arte, su especificidad y relación con la realidad, su aparición y patrones de desarrollo, su papel en la historia de la conciencia social, su relación con la vida social y otros fenómenos culturales, todo el complejo de cuestiones sobre el contenido y la forma de las obras de arte. Arte. Las ciencias del arte incluyen la crítica literaria, la musicología, los estudios teatrales, los estudios cinematográficos, así como la historia del arte en el sentido estricto y más comúnmente utilizado, es decir, la ciencia de las artes plásticas o espaciales ( cm. Artes plásticas), como arquitectura, pintura, escultura, gráfica, artes y oficios. La historia del arte propiamente dicha estudia, por lo tanto, las bellas artes, muchos aspectos de la arquitectura, las artes y oficios y el diseño ( cm. diseño artístico). La ciencia de la arquitectura y la estética técnica, junto con las secciones de historia del arte, también incluyen una serie de problemas especiales de naturaleza sociológica y técnica que van más allá de la historia del arte.

Dentro de los límites de las artes plásticas, la historia del arte resuelve, en principio, las mismas tareas generales que todas las ciencias de la historia del arte, y además consta de tres partes principales: la teoría de las artes, su historia y la crítica de arte, las cuales, en estrecha interacción entre sí. otros, tienen sus propias tareas especiales. La teoría de las artes desarrolla, en relación con las artes plásticas y cada uno de sus tipos individuales, las visiones sociofilosóficas de la sociedad y las visiones generales sobre el arte formuladas por la estética; estudia una amplia gama de temas de contenido ideológico, método artístico, forma artística, medios de expresión, las especificidades de sus tipos y géneros, etc. en su interconexión; examina los patrones generales, la lógica objetiva del desarrollo del arte, su relación con la sociedad, su impacto en lo colectivo y lo individual. La historia del arte estudia y estudia el desarrollo del arte en su conjunto ("historia general del arte"), en cualquier país o en una época determinada, analiza la evolución de cualquier tipo o género, tendencia, dirección, estilo de creatividad de un artista individual. La crítica de arte discute, analiza y evalúa los fenómenos de la vida artística moderna, las tendencias, los tipos y los géneros del arte contemporáneo, la obra de sus maestros y las obras de arte individuales, correlaciona los fenómenos del arte con la vida y con los ideales sociales de la época y clase. Estas tareas definen las principales áreas y géneros literarios de la historia del arte: un tratado teórico, una guía para artistas, un estudio teórico o histórico, general o especial (monografía), un artículo o informe sobre un problema teórico o histórico, una revisión crítica o boceto que destaca un problema particular de la vida artística actual. La historia del arte como ciencia que lucha por la objetividad y la precisión de sus conclusiones utiliza los métodos de las ciencias sociales y una serie de ciencias exactas; al mismo tiempo, teniendo como tema la creatividad artística, también se basa en un sistema de apreciaciones estéticas y juicios de gusto, que reflejan las visiones y gustos estéticos de la época, de una clase u otra, y las actitudes individuales del crítico de arte. asociado con ellos. La teoría, la historia y la crítica del arte se apoyan una en la otra y en la estética.

En todas las secciones de la historia del arte, el método de análisis de las obras de arte se utiliza para resaltar las características de su contenido y forma, determinar la naturaleza de la unidad de estos últimos e identificar la base objetiva para una evaluación estética particular. Amplias y variadas actividades de crítica científica del arte para la acumulación, elaboración cuidadosa y generalización de hechos concretos de la historia del arte. Estos incluyen: el descubrimiento de monumentos de arte a través de excavaciones y expediciones (en esto, así como en el procesamiento de materiales descubiertos. La historia del arte está estrechamente relacionada con la arqueología y la etnografía), así como varios tipos de restauración; identificación (incluida la atribución) de monumentos, su registro y sistematización, recopilación de información sobre artistas y obras; compilación de catálogos de exposiciones y museos científicos, biografías y otros libros de referencia; publicación del patrimonio literario de los artistas: sus memorias, cartas, artículos, etc. El conocimiento de la historia del arte se basa en una serie de disciplinas auxiliares relacionadas con el trabajo del museo, la protección y restauración de monumentos, la tecnología del arte, la iconografía artística, la distribución geográfica y topográfica de monumentos de arte, etc., así como una serie de disciplinas históricas (cronología, epigrafía, paleografía, numismática, heráldica, etc.).

El significado social de la historia del arte está determinado tanto por el valor científico de sus conclusiones y resultados, como por las actividades de promoción y divulgación del arte (literatura científica y de divulgación científica, conferencias, excursiones), al acercar las obras a una amplia gama de lectores. las artes y su comprensión. La elección del tema de investigación y presentación, la naturaleza del análisis, las evaluaciones y las conclusiones, que reflejan cualquier punto de vista y gusto estético, contribuyen a su formación posterior. Al evaluar, apoyar o condenar una obra, la crítica de arte apela no solo al público, sino también a los artistas, ejerciendo una influencia activa directa en el desarrollo del arte contemporáneo. Pero tanto la teoría como la historia del arte, al establecer uno u otro sistema de valoraciones en el ámbito de los principios estéticos modernos y del patrimonio artístico, también influyen profundamente en el proceso creativo de su época.

La separación de la historia del arte en una ciencia especial tuvo lugar durante los siglos XVI al XIX, mientras que antes sus elementos se incluían en sistemas filosóficos, religiosos y de otro tipo o tenían la naturaleza de presentar información individual, recomendaciones prácticas y reglas para el artista. juicios de valor, etc. Los primeros fragmentos de las enseñanzas sobre el arte que conocemos se registraron en la antigua Grecia, donde se formularon muchas disposiciones importantes de la teoría y la historia del arte. Como imitación de la naturaleza, el arte fue considerado en la estética del siglo IV. antes de Cristo mi. en Aristóteles, en Platón, como una pálida copia de cosas que son copias de ideas eternas. Los temas de estilística, iconografía y tecnología se abordaron en los tratados inacabados del escultor Policleto, los pintores Eufranor, Apeles y Pánfilo. La antigua doctrina de los números subyace en los módulos y escalas arquitectónicas, las proporciones del cuerpo humano en la escultura. Los historiadores informan una serie de información (Herodoto, siglo V a. C.). Los primeros historiadores del arte se basaron en la estética de Aristóteles, en el siglo IV. antes de Cristo mi. Duris, en el siglo III. antes de Cristo mi. Jenócrates, quien describió la evolución del griego. la pintura y la escultura como un desarrollo constante de la técnica y el estilo, acercando el arte a la naturaleza. Posteriormente, predominó la presentación retórica de las tramas de ficción. (Lucian, Philostratus, siglo II d. C.) y una descripción sistemática de los santuarios griegos y los monumentos artísticos (viajeros - "periegetas" - Polemón, finales del siglo III-II a. C., Pausanias, siglo II d. C.). En la antigua Roma, había un anhelo por la antigüedad griega antigua, una negación del progreso en el arte (Cicerón, siglo II aC; Quintiliano, siglo I dC), una comprensión del arte como una forma sensual de ideas, espiritualismo (Dion Crisóstomo, I nordeste). Vitruvio consideró sistemáticamente los problemas artísticos, funcionales y técnicos de la construcción en su unidad. Plinio el Viejo (siglo I d. C.) compiló una extensa colección de información histórica disponible sobre el arte antiguo.

Desde el principio n mi. Los tratados arquitectónicos y artísticos en los países de Asia tuvieron el carácter más integral y universal. Combinaron recomendaciones detalladas para constructores y artistas, leyendas religiosas y mitológicas, ideas filosóficas, éticas y cosmogónicas, elementos de la historia del arte. La experiencia diversa del arte individual de la antigüedad y la Edad Media se concentra en los tratados "Chitralakshana" (primeros siglos dC), "Shilpashastra" (siglos V-XII), "Manasara" (siglo XI). Los problemas filosóficos y estéticos del conocimiento de la naturaleza, las opiniones panteístas sobre la belleza del universo, las observaciones más sutiles y la valiosa información histórica son características de los tratados medievales chinos (Xie He, siglo V; Wang Wei, siglo VIII; Guo Xi, siglo XI). siglo). Tradiciones, excursiones históricas y recomendaciones prácticas para miniaturistas y calígrafos, los dogmas del Islam y las tendencias humanistas educativas se combinan en numerosos tratados medievales del Cercano y Medio Oriente (Sultan Ali Mashkhedi y Dust Muhammad, siglo XVI; Kazi-Ahmed, finales del siglo XVI). ; Sadigibek Afshar, finales de los siglos XVI-XVII). Los tratados de Nishikawa Sukenobu, Shiba Kokan y otros reflejan el giro hacia una plenitud de actitud realista en el arte japonés del siglo XVIII y principios del XIX.

En la Europa medieval, la teoría del arte era una parte inseparable de la cosmovisión teológica. Si la estética de la Alta Edad Media reconoció, junto con la encarnación de las ideas divinas, la belleza "pecaminosa" del mundo y la habilidad del artista (Agustín, siglos IV-V), entonces la sociedad feudal madura buscó subordinar por completo del pensamiento estético a la didáctica eclesiástica, dogmas sobre la fusión en Dios del “bien, la verdad y la belleza” (Tomás de Aquino, siglo XIII). En Bizancio, el estado y la iglesia regulaban estrictamente la actividad arquitectónica y artística (leyes imperiales sobre construcción; resoluciones del 2° Concilio de Nicea 787); en el espíritu de esta norma, Juan de Damasco y Teodoro Estudita (siglos VIII-IX) consideraban el arte como una imagen material del mundo celestial. Los principales géneros de la literatura sobre arte fueron descripciones de ciudades (principalmente Constantinopla y Roma), monasterios y templos, y tratados tecnológicos; el tratado de Teófilo (Alemania, siglo XII) sobre bellas artes y artes decorativas fue compilado con una integridad enciclopédica. Entre las manifestaciones del despertar del pensamiento inquisitivo se encuentran las polémicas del abad Suger (Francia, siglo XII) con la negación ascética del arte, así como los intentos de Villars de Honnecourt (Francia, siglo XIII) por encontrar las proporciones y métodos de que representa la figura humana y el tratado de perspectiva del polaco Witelo (Italia, siglo XIII). En Rusia, la primera información sobre el arte está contenida en los sermones de la iglesia (Metropolitana Hilarión, siglo XI), crónicas, leyendas, vidas y descripciones de viajes. De particular importancia son la carta de Epifanio (principios del siglo XV) con una descripción de la obra de Teófano el griego, el mensaje polémico de Joseph Volotsky (siglo XV), defendiendo la pintura tradicional de iconos, los tratados de Joseph Vladimirov y Simon Ushakov ( siglo XVII) en defensa de la personalidad del artista y su derecho a la "pintura viva".

La etapa más importante en la autodeterminación de la historia del arte como ciencia fue el Renacimiento. En los siglos XIV-XVI. junto con las tendencias del humanismo y el realismo, existe el deseo de una fundamentación científica del arte, para su interpretación histórica y crítica surgen criterios para evaluar una obra de arte, asociados a la liberación de la ciencia y el arte de las normas eclesiásticas-ascéticas y la afirmación del valor del mundo real y la personalidad del artista. En Italia, en las biografías de los artistas florentinos Philippe Villani, en el tratado de Cennino Cennini (siglo XIV), los conceptos renacentistas del renacimiento de los antiguos principios del arte, la imitación de la naturaleza y el papel de la fantasía en el proceso creativo fueron esbozado. En el siglo XV. había una doctrina del arte realista dirigida al hombre, que floreció en la antigüedad y pereció en la "bárbara" Edad Media, exigiendo el conocimiento científico de las leyes de la naturaleza. Las artes plásticas, su teoría e historia, los aspectos prácticos de las ciencias naturales, especialmente la óptica, la doctrina de las proporciones, las reglas de la perspectiva se consideran en numerosos tratados: en los "Comentarios" de L. Ghiberti (que combina secciones históricas y teóricas), el teórico de LB Alberti escritos sobre pintura, arquitectura y escultura, Filaret sobre urbanismo, Francesco di George sobre proporciones arquitectónicas, Piero della Francesca sobre perspectiva. Durante el período del Alto Renacimiento, Leonardo da Vinci expresa los pensamientos más profundos sobre la pintura, sus fundamentos y posibilidades científicas, sobre cómo reflejar en ella la vida espiritual de una persona. Alemania a principios del siglo XVI. A. Durer afirmó la idea de la diversidad de manifestaciones de la belleza en la naturaleza y en la pintura, desarrolló la doctrina de las proporciones y predijo los métodos de la antropometría. En Venecia, P. Aretino actuó como iniciador de la crítica de arte dirigida al artista y al espectador, defendió la pintura, llena de sensaciones de vida, libre de cánones, y la primacía del colorismo en ella. A finales del Renacimiento, el florentino G. Vasari estuvo cerca de entender la historia del arte como una ciencia histórica en las biografías de artistas de los siglos XIV-XVI. (la época a la que llamó Renacimiento), destacando las principales tendencias en el arte de cada uno, uniendo los ensayos con un concepto común que asimila el desarrollo del arte a la vida humana. El sentimiento de crisis del arte renacentista se refleja en los tratados de la segunda mitad del siglo XVI, reviviendo el espiritualismo (el ideólogo del manierismo, J. P. Lomazzo). El estudio y la comprensión del sistema de orden antiguo basado en los escritos de Vitruvio y las medidas de los monumentos antiguos se reflejan en los tratados de S. Serlio, G. da Vignola, D. Barbaro, A. Palladio, varios arquitectos franceses, alemanes, españoles y holandeses. A principios del siglo XVII. bajo la influencia de Vasari, Karel van Mander creó biografías de pintores holandeses.

Amplia literatura sobre el arte en la Europa del siglo XVII. (tratados, manuales, reseñas de arte italiano y europeo, guías de Italia y sus regiones, biografías de artistas, crónica de la vida artística), con todo su interés por la cultura artística moderna en su conjunto, limita su atención a la cultura clásica y académica. el arte de Europa, la polémica en torno al clasicismo; Los intérpretes de su estética racionalista fueron en Italia JP Bellori, historiador y sistematizador de escuelas y estilos, y autor del primer diccionario de términos de bellas artes F. Baldinucci, en Francia en el campo de la pintura A. Felibien, en el campo de la arquitectura F. Blondel. Hay elementos de oposición a la dogmática del clasicismo en el interés por la riqueza y la libertad de la pintura de los italianos M. Boschini y R. de Piel (iniciadores de la disputa en Francia entre los "rubensistas" -partidarios del color y del acercamiento con naturaleza - con los dogmáticos "Poussinistas"), en la comprensión creativa del orden en el tratado de arquitectura francés de C. Perrault. El italiano G. Mancini, adelantado a su tiempo, planteó los problemas de las características nacionales del arte, sus conexiones con la situación histórica y la ideología de la época, las especificidades creativas de escuelas y maestros. En la obra recopilatoria del alemán I. Zandrart, además de valiosa información sobre colecciones y artistas alemanes, aparecía la primera característica de la pintura del Lejano Oriente en Europa.

En el siglo XVIII, durante la Ilustración, la historia del arte comenzó a definirse gradualmente como una ciencia independiente en sus tres secciones y recibió una base sólida, filosófica e histórica, con el diseño de la estética y la arqueología en la ciencia. Con el desarrollo del pensamiento sociocrítico en la literatura francesa, aparecen criterios de sentimiento y gusto (J. B. Dubos), se publican reseñas críticas de exposiciones (Lafon de Saint-Yenne); Los "Salones" de D. Diderot, brillantes en términos de fuerza de convicción y percepción, formaron tanto el género del estudio crítico como el programa de lucha por la actividad social, ideológica y realista del arte. En Alemania, el teórico del realismo fue G. E. Lessing, quien introdujo el término "bellas artes" y analizó su especificidad. La teoría artística inglesa (W. Hogarth, J. Reynolds) buscaba un compromiso entre el realismo y la tradición del Renacimiento y el Barroco. Las ideas del desarrollo histórico, las ideas sobre el valor de los fenómenos artísticos originales fueron afirmadas en Italia por J. Vico, en Alemania por JG Herder, un propagandista de la nacionalidad y las tradiciones nacionales, y JW Goethe, en particular, quien apreció la belleza de la cultura alemana. Arquitectura gótica. I. Krist aplicó métodos filológicos al estudio de monumentos de arte, examinando inscripciones, documentos, etc. I. I. Winkelman se convirtió en el fundador de la historia del arte como ciencia; presentó el desarrollo del arte antiguo como un proceso único de cambio de estilos artísticos asociado con la evolución de la sociedad y el estado; su idea sobre la conexión entre el florecimiento del arte griego y la democracia tuvo un gran impacto en el clasicismo europeo de los siglos XVIII y XIX. En Italia, G. B. Lanzi completó la tradición de las "biografías", un relato biográfico de la historia de la pintura italiana. La ciencia arquitectónica introdujo, junto con los antiguos monumentos romanos, las antiguas obras maestras griegas en Italia, iluminó los principios constructivos de la arquitectura antigua, planteó los requisitos de sensatez, naturalidad, proximidad a la naturaleza (en Francia, LJ de Cordemois, GJ Beaufran, Abbe Laugier) . El veneciano K. Lodoli, anticipándose a las ideas del siglo XX, vio la belleza de la arquitectura en la conveniencia funcional de los edificios y en su conformidad con la naturaleza de los materiales de construcción. en Rusia en el siglo XVIII. se tradujeron los tratados de Vitruvius, Vignola, Palladio, Felibien, de Piel, aparecieron obras originales: un tratado de arquitectura de P. M. Eropkin, I. K. Korobov y M. G. Zemtsov, obras teóricas sobre bellas artes de I. F. Urvanov y P. P. Chekalevsky; si este último siguió a Winckelmann, entonces en el tratado D. A. Golitsyn muestra la influencia de Diderot y Lessing, y en las declaraciones de V. I. Bazhenov hay una conexión con las ideas de A. N. Radishchev y N. I. Novikov.

En el siglo XIX. se ha completado la formación de la historia del arte como ciencia, abarcando sistemáticamente la más amplia gama de problemas del arte de todas las épocas y países, teniendo una metodología propia y apoyándose en el desarrollo del pensamiento filosófico y estético, en el progreso de las ciencias sociales y exactas. ciencias, en poderosos movimientos sociales y lucha ideológica. En la primera mitad del siglo, la influencia de las ideas de la Gran Revolución Francesa (1789-94), la influencia de los conceptos estéticos de I. Kant, FW Schelling, los hermanos AV y F. Schlegel, y especialmente GF Hegel creó la oportunidad para el surgimiento, aunque y sobre una base idealista, de una idea ideológicamente integral del arte, imbuida de ideas de desarrollo histórico y la relación de los fenómenos sociales y culturales. El alcance de la investigación arqueológica, la acumulación de numerosos hechos del desarrollo del arte, la apertura de museos de arte públicos contribuyeron a la rápida formación de una historia científica profesional del arte. En un ambiente de vida social turbulenta, el éxito del negocio de la exhibición y el periodismo, la crítica de arte va tomando forma, participando activamente en el desarrollo del arte y en la educación de las opiniones y gustos del público. La teoría, la historia y la crítica se llenan hasta un punto sin precedentes de la lucha de ideas y tendencias sociales. La teoría del arte del clasicismo, ascendiendo durante la Revolución Francesa a la alta ciudadanía y anticipándose a los descubrimientos racionalistas arquitectónicos y urbanísticos del siglo XX. (E. L. Bulle, K. N. Ledoux), luego se convirtió en una doctrina dogmática que afirmaba las normas del "buen gusto" (G. Meyer en Alemania, A. K. Katrmer de Kensi en Francia). La negación de estas normas, la apelación a la herencia de la Edad Media y el Renacimiento temprano, al arte popular (S. y M. Boissere en Alemania, TB Emerick-David en Francia, T. Rickman en Gran Bretaña) están en gran parte asociados con el romanticismo emergente. Muchos de los juicios históricos y críticos de Stendhal en Francia y de J. Constable en Gran Bretaña, que afirmaban la vitalidad y la libertad creativa del arte, son adelantados a su tiempo, así como los estudios capitales de KF Rumor en Alemania, que sentaron las bases base para el estudio científico del arte basado en el análisis estilístico. Junto con la crítica académica inerte de los salones franceses en la década de 1820-40. apareció la brillante y libre crítica romántica de E. Delacroix, G. Planche, G. Heine, C. Baudelaire; La crítica comenzó a tomar forma, fundamentando el arte realista democrático, encabezada por T. Tore. en Rusia desde principios del siglo XIX. existe un interés creciente por la historia del arte nacional (I. A. Akimov, P. P. Svinin, I. M. Snegirev) y a su programa civil (A. Kh. Vostokov, A. A. Pisarev). Un contrapeso a la teoría y la crítica académica (I. I. Vien, A. N. Olenin, V. I. Grigorovich), en la década de 1830. quien aceptó los aspectos conservadores de las teorías románticas (P. P. Kamensky, N. V. Kukolnik, S. P. Shevyrev), se convirtieron en los estudios críticos de K. N. Batyushkov, N. I. Gnedich, V. K. Kuchelbeker, basados ​​​​en la comunicación viva con una obra de arte, las opiniones de AS Pushkin, NV Gogol, NI Nadezhdin, quien afirmó el significado filosófico, la vitalidad y la nacionalidad del arte. V. G. Belinsky, A. I. Herzen, N. P. Ogarev, superando la metodología idealista, le dieron al arte ruso un programa realista profundamente fundamentado; su impacto se reflejó en los artículos de V. P. Botkin, V. N. Maikov, A. P. Balasoglo. I. I. Sviyazev y A. K. Krasovsky expresaron una serie de declaraciones sobre la naturaleza y las tareas de la arquitectura que fueron progresivas para su época.

K. Marx y F. Engels, habiendo revelado la naturaleza del desarrollo artístico de la realidad, la conexión del arte con la estructura socioeconómica de la sociedad y la lucha de clases, armaron la historia del arte con una cosmovisión científica; apoyando el arte realista, corroboraron su progresismo histórico, dieron ejemplos de análisis e interpretación históricamente específicos del arte (antigüedad, renacimiento, clasicismo, etc.). En Rusia, la estética democrática revolucionaria de N. G. Chernyshevsky y N. A. Dobrolyubov fue la base de los discursos críticos apasionados y militantes de V. V. Stasov, los artículos extremadamente problemáticos de M. E. Saltykov-Shchedrin, I. N. Kramskoy, M. I. Mikhailov, quienes corroboraron la participación del arte en el lucha ideológica por los derechos del pueblo. Literatura marxista en la segunda mitad del siglo XIX - principios del XX. (GV Plekhanov, P. Lafargue, F. Mehring, K. Liebknecht, R. Luxemburg, K. Zetkin) dieron una explicación materialista del origen y desarrollo del arte, enfatizaron su papel activo en la lucha social. De mediados del siglo XIX. El rápido desarrollo de las ciencias, incluida la arqueología, la etnografía, la filología, la historia cultural, el estudio de los archivos, los monumentos artísticos, su tipología e iconografía, la actividad atributiva hizo posible la aparición en Alemania de los primeros experimentos en la historia general del arte: factográficos y sistematizando por F. Kugler, basado en la filosofía hegeliana de la historia por K. Schnaze, en los métodos de iconografía y filología por A. Springer, la lógica del desarrollo del arte, la conexión de sus fenómenos con la cultura espiritual y material de sociedad, fue buscada para ser revelada por el alemán E. Koloff, el belga A. Mikiels, el suizo J. Burkhvrdt; en el análisis teórico e histórico de la arquitectura y las artes decorativas, son grandes los méritos de los franceses E. E. Viollet-le-Duc y O. Choisy, el alemán G. Semper. La crítica de arte se convirtió en una gran fuerza social, cuyos juicios de valor se trasladaron a la historia del arte; junto con el subjetivismo idealista (J. Ruskin en Gran Bretaña, T. Gautier, E. y J. Goncourt en Francia) y el positivismo (P. J. Proudhon, I. estética, democracia arte realista (Champleury, J. A. Castagnari, E. Zola en Francia); también se le asocia una evaluación penetrante de los fenómenos artísticos del siglo XV y principios del XIX. los franceses Thoré, Baudelaire, E. Fromentin. Del último cuarto del siglo XIX. en Alemania, Austria y Suiza, los métodos científicos de análisis estilístico de una obra de arte se desarrollaron de manera constante y profunda; La base para ellos, sin embargo, no era tanto cultural e histórica (A. Shmarzov) o métodos histórico-psicológicos (F. Wickhoff, el fundador de la escuela vienesa), así como ideas idealistas sobre el autodesarrollo inmanente de la forma artística (A. Hildebrand, G. Wölfflin, P. Frankl, AE Brinkman ), sobre la "voluntad artística" (A. Riegl, H. Titze), sobre la "historia del espíritu" (M. Dvorak, V. Weissbach, K. Tolnai). Sobre esta base, el concepto de K. Gurlitt, teñido de nacionalismo, la oposición de "Oriente" a "Occidente" de I. Strzygowski, el irracionalismo de Z. Pinder, las teorías subjetivistas de la empatía y la "abstracción" de W. Surgió Worringer. Al mismo tiempo, el conocimiento (el alemán G. Wagen, los italianos JB Cavalcaselle y J. Morelli) y los métodos científicos de la escuela histórico-cultural (E. Muntz en Francia, K. Justi en Alemania), en combinación con la estilística análisis, lo hizo posible - el primer tercio del siglo XX. explorar sistemáticamente el arte de la antigüedad (el francés M. Collignon, el suizo V. Deonna, los alemanes A. Furtwängler, L. Curtius, el danés J. Lange), la Edad Media (M. Dvorak, el francés L. Breyet, G. Millet, E. Mahl), Renacimiento y Barroco (G. Wölfflin, A. Shmarzov, conocedores de un nuevo tipo: el italiano A. Venturi, los alemanes V. Bode, M. Friedlander, VR Valentiner, el estadounidense B. Berenson, el holandés K. Hofstede de Grotto), los tiempos modernos (el alemán J. Mayer-Grefe, el francés L. Rosenthal), los países asiáticos (el francés G. Mijon, el alemán F. Zarre, el austriaco E. Dietz). El desarrollo de la historia del arte moderno se resume en las historias generales del arte de K. Woermann (al final de los siglos XIX y XX), y posteriormente editadas por A. Michel y editadas por F. Burger y AE Brinkman (primer tercio del siglo XX). siglo XX), en la historia del arte "Propylaea" (segundo cuarto del siglo XX), directorios biográficos de U. Thieme y F. Becker (primera mitad del siglo XX) y X. Volmer (mediados del siglo XX ). A principios del siglo XX. se desarrollaron los conceptos de historia del arte (E. Grosse) e historia general del arte (E. Cassirer).

El mérito de la historia del arte mundial moderno es el estudio sistemático no solo del arte europeo: antiguo (C. Picard, G. Richter, F. Matz, JD Beasley), medieval (D. Talbot Rais, H. Sedlmayr, A. Grabar, O . Demus), Renacimiento, Barroco y época moderna (L. Venturi, R. Fry, R. Longhi, R. Haman, O. Benes), pero también las culturas de Asia (E. Künel, A. W. Pope, A. Coomaraswami , R. Hirschman, O. Siren, J. Tucci), África (S. Diehl, W. Bayer), América (XR Hitchcock, M. Covarrubias). Los problemas de la arquitectura se abordan tanto en las obras de N. Pevzner, L. Otker, Z. Gidion, B. Dzevi como en las declaraciones de los principales arquitectos (F. L. Wright, V. Gropius, Le Corbusier y otros). Entre las tendencias modernas, las más influyentes son la iconología (divulgación del significado ideológico de los motivos iconográficos - A. Warburg, E. Panofsky) y el estudio de la estructura de los monumentos (P. Frankastel), a veces asociado con la psicología de la creatividad (E . Gombrich) o el psicoanálisis (E. Chris). Junto con la transferencia de métodos arqueológicos estrictamente científicos a la historia del arte (J. Kubler), se generaliza el entrelazamiento de la historia del arte con su teoría idealista y su crítica ensayística (H. Reid, K. Zervos, M. Ragon). A mediados del siglo XX. en la historia del arte de los países capitalistas, un lugar significativo lo ocupan las visiones idealistas militantes, una apología de los fenómenos antipopulares decadentes en el arte; se formaron teorías revisionistas (R. Garaudy, E. Fisher). Al mismo tiempo, el papel del estudio sociológico del arte está creciendo, en parte bajo la influencia del marxismo y la historia del arte soviética (F. Antal, A. Hauser). Las fuerzas de la historia del arte marxista también se están fortaleciendo (R. Bianchi-Bandinelli, S. Finkelstein). La historia del arte de los países socialistas logró un gran éxito: la RDA (L. Justi, I. Jan), Polonia (J. Bialostotsky), Hungría (M. Mayor, L. Vayer), Rumania (G. Oprescu, G . Mavrodinov, A. Obretenov), Checoslovaquia (A. Mateychek, J. Peshina), Yugoslavia (J. Boshkovich, S. Radoychich).

En Rusia en la segunda mitad del siglo XIX - principios del siglo XX. D. A. Rovinsky, N. P. Sobko, A. I. Somov, A. V. Prakhov, F. I. Buslaev, I. E. Zabelin, N. P. Likhachev, AI Uspensky, el estudio de la arquitectura rusa - NV Sultanov, LV Dal, realizaron la recopilación y sistematización de materiales sobre la historia del arte ruso. VV Suslov, PP Pokryshkin, AM Pavlinov, FF Gornostaev, G. G Pavlutsky. Creciente interés por el análisis estilístico a principios del siglo XX. se reflejó en las obras sobre arte ruso, encabezadas por I. E. Grabar, la expansión del círculo de monumentos estudiados, en las obras de G. K. Lukomsky, S. P. Yaremich, V. Ya. Adaryukov, historiadores de la arquitectura I. A. Fomin, V. Ya Kurbatova, BN Edinga. Los éxitos de la escuela rusa de estudios bizantinos e iconografía cristiana están asociados con los nombres de N. P. Kondakov, E. K. Redin, D. V. Ainalov, Ya. I. Smirnov y F. I. Schmit. Los científicos rusos I. V. Tsvetaev, B. V. Farmakovskii, V. K. Malmberg, P. P. Semyonov, N. I. Romanov, M. I. Rostovtsev, A. N. Benois, N. Y. Marr. A finales del siglo XIX - principios del XX. las actividades de varios críticos e historiadores del arte (A. L. Volynsky, D. V. Filosofov, S. K. Makovsky) tenían un carácter estético individualista.

La doctrina de VI Lenin sobre dos culturas en cada cultura nacional de una sociedad antagónica, sobre el arte como reflejo de la realidad social, sobre el partidismo del arte, sobre las razones de la descomposición de la cultura burguesa sirvió de base para la crítica marxista a la años prerrevolucionarios (VV Vorovsky, MS Olminsky, A.V. Lunacharsky) y para el desarrollo de la historia del arte soviético. Bajo la dirección del Partido Comunista, basándose en su programa y decisiones sobre cuestiones de arte, la historia del arte soviética hizo un gran trabajo para desarrollar los principios marxista-leninistas de la teoría y la historia del arte, fundamentar el método artístico del realismo socialista. , y exponer las teorías idealistas burguesas. En cooperación con arqueólogos y etnógrafos, los historiadores del arte soviéticos participaron en el descubrimiento y estudio de culturas artísticas hasta ahora desconocidas, estudiaron y ayudaron a desarrollar el arte popular de muchos pueblos, incluidos pueblos anteriormente atrasados. Se recuperó la historia del arte de los pueblos de la URSS; a la luz de la cosmovisión marxista-leninista, toda la historia del arte mundial recibió comprensión científica; Se han publicado obras capitales sobre la historia general del arte, la historia general de la arquitectura, el arte de los pueblos de la URSS, el arte de diferentes repúblicas, libros de referencia, obras académicas de museos, institutos de investigación, instituciones educativas, etc. o están siendo publicados.

Después de la Revolución de Octubre de 1917, la tarea más importante de la historia del arte soviético fue la lucha por crear una cultura socialista que atrajera a las masas populares; al apoyar el arte realista revolucionario y exponer los conceptos idealistas burgueses, el centro, un lugar en la historia del arte, pertenecía a la crítica de arte. Una importante contribución al desarrollo de la historia del arte soviético en los años 20. fueron presentados por A. V. Bakushinsky, I. L. Matsa, Ya. A. Tugendhold, A. M. Efros y otros. arte, principios humanísticos de arquitectura y arte decorativo (MV Alpatov, DE Arkin, NI Brunov, Yu. D. Kolpinsky, VN Lazarev, NI Sokolova , BN Ternovets). Durante la guerra y los primeros años de la posguerra, aumentó la atención a los temas del arte nacional y el patrimonio nacional, a las ideas patrióticas en el arte, a las características de la cultura artística multinacional de la URSS. A finales de los 50 - principios de los 70. se llevaron a cabo discusiones sobre temas de actualidad del desarrollo de la cultura artística soviética, que, superando la comprensión estrecha y dogmática del realismo, planteó los problemas de la modernidad del arte, la diversidad de la búsqueda del realismo socialista en el arte, lo opuesto a su modernismo, la cuestión de la integridad artística de la obra, etc. (NA Dmitrieva , V. M. Zimenko, A. A. Kamensky, V. S. Semenov, M. A. Lifshits, G. A. Nedoshivin, etc.). El enfoque de la historia del arte soviético está en los temas del espíritu de partido, la ideología comunista y la nacionalidad del arte, el desarrollo progresivo del realismo socialista y su diversidad, las múltiples conexiones del arte con la vida, la actividad de su impacto social, la lucha contra los puntos de vista burgueses y revisionistas, varios conceptos hostiles: racista, eurocéntrico, panislámico y otros, con formalismo y naturalismo en el arte. Como se establece en la resolución del Comité Central del PCUS "Sobre la crítica literaria y artística" (1972), el deber de la crítica es analizar profundamente los fenómenos, tendencias y patrones del progreso artístico, para contribuir de todas las formas posibles a fortalecer el Los principios leninistas de espíritu de partido y nacionalidad, para luchar por un alto nivel ideológico y estético del arte soviético, se oponen consistentemente a la ideología burguesa.

Un equipo multinacional de historiadores del arte soviéticos, habiendo descubierto nuevas capas de culturas antiguas y medievales, sometidos a un estudio científico versátil del problema del origen del arte y el arte primitivo (AS Gushchin, AP Okladnikov), las culturas artísticas del Cáucaso y Transcaucasia desde la antigüedad hasta nuestros días (Sh Y. Amiranashvili, R. G. Drampyan, I. A. Orbeli, B. B. Piotrovsky, A. V. Salamzade, T. Toramanyan, K. V. Trever, M. A. Useinov, G. N. Chubinashvili), Asia Central (BV Weimarn, GA Pugachenkova, LI Rempel ). Los arqueólogos y etnógrafos soviéticos hicieron una gran contribución al estudio del arte de los pueblos de la URSS. En muchos sentidos, la historia del arte de la antigüedad (Yu. D. Kolpinsky, V. M. Polevoy), especialmente la región del Mar Negro del Norte (V. D. Blavatsky, O. F. Waldgauer, M. I. Maksimova), la historia del arte ruso, ucraniano y bielorruso de la Edad Media (MV Alpatov, Yu. S. Aseev, GK Vagner, NN Voronin, MA Ilyin, MK Kaprep, ED Kvitnitskaya, VN Lazarev, PN Maksimov, BA Rybakov, NP Sychev, VA Chanturia) y época moderna (EN Atsarkina, AV Bunin, GG Grimm, N. Art Repúblicas bálticas (B. M. Bernshtein, V. Ya. Vaga, Yu. M. Vasiliev, R. V. Lace, Yu. M. Yurginis). Los grandes éxitos en el descubrimiento y restauración de monumentos medievales en la URSS están asociados con los nombres de I. E. Grabar, A. D. Varganov, N. N. Pomerantsev y otros. Se creó una historia de las bellas artes y la arquitectura soviéticas (B. S. Butnik-Siversky, Ya. P . Zatenatsky, PI Lebedev, ML Neiman, BM Nikiforov, AA Sidorov), se estudiaron muchas áreas de artes y oficios y arte popular (VM Vasilenko, VS Voronov, PK Galaune, MM Postnikova, AB Saltykov, SM Temerin, AK Chekalov, BA Shelkovnikov, LI Yakunina), gráficos, libros, póster. Se han llevado a cabo importantes investigaciones sobre el arte extranjero: antiguo oriental (M. E. Mathieu, V. V. Pavlov, N. D. Flittner), europeo (M. V. Alpatov, A. V. Bank, B. R. Vipper, A. G. Gabrichevsky, NM Gershenzon-Chegodaeva, VN Grashchenkov, AA Guber, MV Dobroklonsky , AN Izergina, VN Lazarev, VF Levinson-Lessing, M Libman, Polevoy, V. N. Prokofiev, A. D. Chegodaev, N. V. Yavorskaya), Asia, África, América (O. N. Glukhareva, L. T. Gyuzalyan, B. P. Denike, RV Kinzhalov, SI Tyulyaev y otros) . Una serie de obras importantes están dedicadas al estudio de las opiniones sobre el arte de K. Marx, F. Engels, V. I. Lenin, el estudio del arte revolucionario en Rusia y en el extranjero, avanzaron los movimientos democráticos y socialistas en el arte de los países capitalistas. Las teorías del arte dedicaron sus obras a los búhos. arquitectos y artistas: A. A. y V. A. Vesnin, M. Ya. Ginzburg, I. V. Zholtovsky, A. S. Golubkina, B. V. Ioganson, V. I. Mukhina, V. A. Favorsky, K. F. Yuon. Literatura: K. Marx y F. Engels, Sobre el arte, 3ª ed., M., 1976; V. I. Lenin, Sobre la cultura y el arte, M., 1956; G. Nedoshivin, Resultados y perspectivas para el desarrollo de la teoría soviética del arte, en: Cuestiones de estética, v. 1, Moscú, 1958; Contra el revisionismo en el arte y la historia del arte, M., 1959; Materiales del VII Pleno de la Junta Directiva de la Unión de Artistas de la URSS. (Arte y crítica), M., 1960; Historia de la historia del arte europeo. La segunda mitad del siglo XIX., M., 1966; Historia de la historia del arte europeo. La segunda mitad del siglo XIX - principios del siglo XX, vol.1-2, M., 1969; P. A. Pavlov, Historia del Arte, en el libro: Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas, M., 1982; R. S. Kaufman, Ensayos sobre la historia de la crítica de arte rusa del siglo XIX, M., 1985; Venturi L, Histoire de la critique d'art, Brux., (1938); Schlosser J., La letteratura artistica, 2 ed., Firenze, (1956); Kultermann U., Geschichte der Kunstgeschichte, W.-Düsseldorf, ( 1966); Richard A., La critique d'art, 3 ed., P., 1966.

La originalidad es una propiedad esencial del estilo, pero al mismo tiempo el estilo no puede reducirse a ella, y no toda originalidad puede llamarse estilo. Incluso a finales de los siglos XVIII-XIX. en estética, se hizo necesario separar las categorías de estilo y modo. La manera es un nivel inferior de arte. El estilo de un autor individual es siempre más o menos una abstracción, porque su implementación en una obra en particular está influenciada por factores tales como el tipo y género de la obra, la edad creativa del escritor y las características específicas del contenido artístico. Además, si algunos escritores crean en un estilo más o menos unificado (Lermontov, Dostoevsky, Chekhov), otros descubren tendencias de estilo desiguales en diferentes obras (Pushkin, L. Tolstoy, Gorki).

La categoría de estilo en la crítica literaria moderna y la historia del arte se aplica no solo a la obra de un artista oa una obra separada, sino también a conceptos más amplios. Entonces, hablan de estilos de dirección y actualidad, de estilos nacionales y regionales, de “estilos de épocas” (clasicismo, romanticismo, etc.).

En la crítica literaria moderna, se expresa la idea de que una parte de una obra puede sustentarse en un estilo especial. En el siglo XX. surgió un nuevo estilo de comunidad estilística: el estilo del elemento de la obra. Algunas obras están construidas sobre el principio del collage (mosaico). Pero, aunque la obra sea un collage, sus partes entran en una nueva unidad artística, obedeciendo así a nuevos patrones de contenido y estilo que son característicos de esta obra en particular. De lo dicho se desprende que el estilo de una sola obra es el más real y concreto, lo que hace de su análisis una tarea primordial.

^ ESTADO ACTUAL DE LOS ESTUDIOS LITERARIOS COMO CIENCIA

La crítica literaria como ciencia que se ocupa del estudio de la ficción, su origen, esencia y desarrollo, como toda disciplina científica, se fue y se está formando en un determinado contexto de cosmovisión de la época.

El enfoque literario tradicional para el estudio de un texto literario implica estudiarlo como producto de la cultura nacional, del pensamiento social, identificando su conexión con la modernidad y la tradición cultural y artística, determinando su lugar en el proceso literario. Esta es una consideración analítica y probatoria de una obra literaria en la unidad de su contenido y forma, que tiene en cuenta la cosmovisión y el pensamiento artístico del autor. Tal análisis implica la revelación del contenido ideológico y temático de la obra y opera con categorías literarias tales como género, composición, trama, imagen, héroe, etc.

Las conexiones de la crítica literaria tradicional con otras humanidades son diversas, algunas (folclorística, crítica de arte) son cercanas a ella en cuanto a tareas y objeto de investigación, las segundas (historia, psicología, sociología) tienen una orientación humanitaria general, y el tercero (filosofía, estética) le sirve de base metodológica. Las conexiones multifacéticas entre la crítica literaria y la lingüística se basan en el carácter común del material (el lenguaje como medio de comunicación y como material de "construcción" de la literatura).

Las condiciones en las que se desarrolla la ficción moderna y el estado actual de desarrollo de la ciencia filológica están determinados en gran medida por la tendencia global hacia la integración, que en la segunda mitad del siglo XX - principios del XXI. predeterminado un cambio a gran escala en el pensamiento (científico y humanitario, también). Estos procesos han planteado una serie de tareas innovadoras para la crítica literaria moderna, la más urgente de las cuales fue la necesidad de desarrollar una metodología conceptualmente nueva para la investigación literaria en general, y el análisis de un texto literario, en particular. Los profundos y significativos cambios que se han producido en la última década han planteado la necesidad de modificar los principios del estudio de las obras literarias. Hoy, aquellos estudios que, en términos de su metodología, se encuentran en la intersección de disciplinas relacionadas previamente no cruzadas, están ganando cada vez más popularidad en la crítica literaria.

Cualquier texto artístico contiene datos sobre la actitud del artista hacia el material que es la base del arte verbal, hacia el lenguaje que influye en la percepción categórica del mundo. A pesar de que la estructura del texto marca la naturaleza de la percepción, y el resultado de la comprensión está programado por el autor del texto con suficiente rigidez, la naturaleza de la comprensión y especialmente la interpretación del significado de un texto literario depende de una serie de factores internos y subjetivos. Estos incluyen: la posición social del lector, el conocimiento de la lengua del texto, la susceptibilidad personal, la experiencia previa, la participación en la cultura, etc. La "co-creación" del lector con el autor, de hecho, es una comprensión de el modelo del mundo del autor.

Por supuesto, solo un lector entrenado podrá descubrir y comprender el modelo de este autor, decodificar su información estética en general y los detalles artísticos en particular. Una ciencia que se ocupa de manera integral del campo de la comprensión, interdisciplinaria o, mejor dicho, interdisciplinaria en su definición, es una ciencia cognitiva, que es una especie de conglomerado de disciplinas científicas: psicología, filosofía, lingüística, antropología, etc. La ciencia cognitiva es un nueva dirección que se originó hace unos veinticinco años y se convirtió en una disciplina clave en el siglo XX, es ahora una de las principales áreas de investigación. Como resultado, la antigua distinción entre lingüística, psicología, historia del arte y otros campos del conocimiento se ha vuelto menos clara.

En la actualidad, la crítica literaria se vincula cada vez más con los estudios culturales, la sociología, la psicología, la filosofía y otras ciencias. También adquieren una variedad cada vez mayor los métodos de investigación de un texto literario. A la luz de las últimas tendencias en el desarrollo de la crítica literaria, su creciente enfoque en el contexto cultural general, en la sociología y psicología de la lectura, en los problemas de percepción de un texto literario, aspectos de investigación tan nuevos como el problema de aparecen la autoconciencia nacional, los mecanismos sociales y psicológicos de recepción de un texto literario, etc.

Desde finales de los años 60 del siglo XX, el concepto de intertextualidad ha sido ampliamente utilizado en el estudio de una obra literaria, según el cual cualquier texto es la intersección de otros textos, y, por lo tanto, no puede ser considerado de otra manera que como interviniente. en un proceso continuo de intercambio de significados con un amplio entorno cultural. Cada texto pasó así a ser visto como un intertexto en el que otros textos están presentes en diferentes niveles más o menos reconocibles.

Una tendencia influyente en la crítica literaria moderna es la narratología o teoría de la narración. En la actualidad, es una disciplina bastante independiente con sus propias tareas y posibilidades para el estudio de textos. El objeto de estudio de la narratología es la forma de plasmar la estructura narrativa formal de un texto literario desde el punto de vista del diálogo directo o indirecto (desde la primera, segunda o tercera persona) entre el escritor y el lector. De hecho, el objeto de estudio de la narratología es la forma en que se presentan y distribuyen los acontecimientos en una obra literaria, es decir. el espacio y el tiempo en que se desarrolla la acción.

El arsenal de la crítica literaria moderna también incluye la hermenéutica, que le permite explorar el texto sobre la base de sí mismo, sin reemplazar su contenido con influencias sociales o histórico-culturales. El enfoque metodológico desde el punto de vista de la hermenéutica significa tener en cuenta las leyes universales de percepción, comprensión e interpretación de un texto literario, es decir. su interpretación, ahora reconocida como el componente más importante de la crítica literaria.

Entre los últimos aspectos del estudio, el estudio de las cuestiones de género ocupa un lugar importante. Los estudios de género están dedicados al estudio de los detalles de la conciencia artística, brindan la oportunidad de analizar obras desde el punto de vista de las ideas sobre el concepto de "masculino" y "femenino".

En el siglo XX. El interés por el estudio del mito clásico y arcaico se ha actualizado a lo largo de la cultura, y hoy en día la metodología de la crítica mitológica, o mitocrítica, se está generalizando en la crítica literaria. Una visión multifacética de los problemas humanitarios también se ve facilitada por el estudio de la onomástica literaria (en particular, la antroponimia), que es una de las disciplinas relacionadas con las humanidades, que incorpora elementos de crítica literaria, lingüística, etimología, mitología y estudios culturales.

Hoy en día, el texto literario también se está convirtiendo en objeto de estudio de la psicolingüística, lo que permite identificar tipos de personajes, sus personajes, motivaciones para el comportamiento de los héroes literarios en situaciones de vida similares. Lo principal es que este método tiene como objetivo estudiar un factor tan importante en el método de estudio de textos literarios como las formas de escribir imágenes.

Los estudios metapoéticos ahora son ampliamente utilizados. El principal objeto de estudio de la metapoética es la creatividad verbal, en sentido estricto, este es el problema de la habilidad del artista. Cuando se incluye en el proceso de análisis de una obra de arte, el investigador, por regla general, refuerza el análisis del texto con las observaciones y comentarios del propio artista, que en realidad son parte de la crítica literaria, parte de la lingüística general, parte de la estudios filosóficos, estéticos y culturales.

La interdisciplinariedad que existe en la ciencia moderna no podía dejar de penetrar en la crítica literaria, ya que, trazando límites bastante rígidos entre ella y otras disciplinas, corría el riesgo de permanecer en el aislamiento científico. En la actualidad, en el estudio de las obras literarias es aplicable una combinación racional de varios métodos y enfoques (crítica literaria, linguo-culturológica, epistemológica, tipológica, contextual, intertextual, inmanente-textual, etc.).

Cabe señalar que con toda la variedad de métodos y muchos conceptos para el análisis de textos literarios, la situación actual de la crítica literaria también se distingue por una cierta unidad interna en la apreciación del papel de la ficción en la vida de la sociedad y la desarrollo de la humanidad en su conjunto.

Introducción

Romántica y socialmente aguda, única en su historia y enfoque original de los problemas, perseguida en casa y reconocida en otros países: la literatura estadounidense es de particular interés para la reflexión filosófica.

La crítica literaria como disciplina científica considera no solo los métodos creativos, sino que también presta mucha atención a la historia de la literatura. Este interés puede expresarse de diferentes maneras: la historia de un movimiento literario en particular, la historia de la literatura de un país en particular, etc.

El cambio de los siglos XIX-XX fue en muchos sentidos un momento histórico para la literatura estadounidense: nuevos autores recibieron reconocimiento, la mirada del público se centró en problemas que habían estado ocultos o silenciados durante mucho tiempo, surgieron nuevas tendencias culturales y literarias.

La relevancia de este trabajo se debe a la necesidad de obtener conocimientos teóricos en el campo de la literatura americana.

El objeto de estudio es la literatura de los siglos XIX - XX. El tema es la literatura estadounidense de este período.

El propósito del trabajo: estructurar el conocimiento sobre la literatura de los Estados Unidos del período especificado, llenar los vacíos e identificar las principales tendencias de desarrollo.

En el curso de la consecución de este objetivo, se identificaron y resolvieron las siguientes tareas:

1) Buscar información sobre un tema determinado;

2) Análisis y procesamiento de la información recibida;

3) Identificación de las principales características de la literatura americana de los siglos XIX-XX.

El resumen consta de dos capítulos, introducción, conclusión y lista de referencias.

Filosofía de la crítica literaria.

La relación entre la filosofía y la ciencia.

Para la comprensión más completa de la conexión entre filosofía y ciencia, es necesario definir estos conceptos. La filosofía es una forma especial de conciencia social y conocimiento del mundo. Desarrolla un sistema de conocimiento sobre los principios y fundamentos fundamentales de la existencia humana, explora y generaliza las características más esenciales de las relaciones humanas con el mundo. En la Enciclopedia moderna, se da la siguiente definición de filosofía: es una cosmovisión, un sistema de ideas, puntos de vista sobre el mundo y sobre el lugar del hombre en él. La filosofía explora diversas formas de relación humana con el mioma: cognitiva, sociopolítica, valorativa, ética y estética. A partir del conocimiento teórico y práctico sobre estas relaciones, la filosofía revela la relación entre sujeto y objeto. Se pueden encontrar definiciones similares en otras fuentes.

Resumiendo muchas definiciones, podemos decir que la filosofía es un conocimiento generalizado sobre el mundo y sobre el lugar del hombre en él. La filosofía se dedica a la búsqueda y establecimiento de las leyes y patrones más generales del mundo: en la naturaleza, en la sociedad, en la relación de una persona con la realidad circundante.

La ciencia puede definirse como un tipo especial de actividad cognitiva destinada a desarrollar un conocimiento objetivo, sistemáticamente organizado y fundamentado sobre el mundo. En el Diccionario Enciclopédico Filosófico encontramos la siguiente definición: la ciencia es una esfera de la actividad humana, cuya tarea principal es el desarrollo y esquematización teórica del conocimiento objetivo sobre la realidad; una rama de la cultura que no existió en todos los tiempos y no entre todos los pueblos.

Las ciencias particulares se dirigen a los fenómenos y procesos de la realidad real que existen objetivamente, independientemente del hombre o de la humanidad. No les interesa el aspecto moral de la vida humana, en su búsqueda no tienen en cuenta las categorías del bien y del mal. La ciencia formula sus conclusiones en teorías, leyes y fórmulas, excluyendo del espectro de la investigación la actitud del científico ante los fenómenos que estudia y las consecuencias sociales a las que tal o cual descubrimiento pueda acarrear.

Según B. Russell, todas las ciencias privadas se enfrentan a hechos desconocidos sobre el mundo, pero "cuando una persona ingresa a las áreas fronterizas o las traspasa, cae de la ciencia a la esfera de la especulación". Las ciencias se caracterizan por una orientación hacia la vida cotidiana, la solución de problemas específicos que determinan la calidad de vida. Si bien la filosofía considera las formas más generales de la experiencia humana, no siempre da resultados prácticos específicos.

Obviamente, ninguna disciplina científica, incluida la filosofía, puede absorber todo el cuerpo de conocimiento sobre el mundo. Este hecho determina la profunda continuidad entre las ciencias particulares y la filosofía. En cierta etapa, la filosofía tiene las características de la ciencia: forma sus principios y patrones sobre la base de material científico específico obtenido empíricamente de ciencias específicas; la filosofía, a su vez, forma la base metodológica para un mayor crecimiento científico. Las ciencias especiales, por otro lado, necesitan una comprensión filosófica del conocimiento acumulado por ellas.

En el siglo XIX había una dirección especial de investigación filosófica, la llamada. Filosofía de la Ciencia. La necesidad de desarrollar una base metodológica filosófica especial para una ciencia particular aparece a medida que crece el componente teórico del conocimiento científico. Elementos de los problemas de la filosofía de la ciencia se encuentran ya en la filosofía antigua, pero los problemas propios de esta disciplina se señalan sólo a partir de la Nueva Era.

El tema de estudio de la filosofía de la ciencia es la estructura y el desarrollo del conocimiento científico en su conjunto. La filosofía de la ciencia elige como base los problemas de la ciencia como fenómeno epistemológico (epistemología - teoría del conocimiento) y sociocultural.

El lugar de la filosofía de la ciencia en la estructura del conocimiento científico está determinado por la capacidad de realizar las necesidades epistemológicas y socioculturales de la ciencia con la ayuda de sus conceptos y problemas internos, formados históricamente. La filosofía de la ciencia otorga a la conciencia funciones crítico-constructivas en relación con la práctica científica y cognitiva existente.

Los problemas propios de la filosofía de la ciencia, como disciplina separada, se configuran en las obras de W. Whewell, J.S. Mill, O. Comte, G. Spencer, J. Herschel. Debido a que en el siglo XIX el papel social del trabajo científico aumenta tanto que se convierte en una forma de actividad profesional, los trabajos de estos y otros autores llevaron a formular una tarea normativa-crítica específica: acercar la ciencia y la actividad cognitiva de acuerdo con algún ideal filosófico y metodológico.

El camino recorrido por la filosofía de la ciencia desde el momento de la autodeterminación como disciplina científica separada se ha convertido en la base de la imagen moderna de la ciencia. Su característica más importante es que el conocimiento científico, sin diferencias en materia y método, resulta social y culturalmente relativo (relativo), así como históricamente cambiante. Sobre esta base, se supone superar la confrontación entre las ciencias naturales y las humanidades. La búsqueda de la unidad del conocimiento científico se está dando ahora no sólo sobre la base de las ciencias naturales, sino también sobre la base de las humanidades. Sin embargo, al mismo tiempo, conceptos como verdad y objetividad prácticamente desaparecen del razonamiento de los filósofos de la ciencia. Lo principal en la filosofía de la ciencia es el concepto central de la metodología de las humanidades: el concepto de interpretación y el papel de una base metodológica única de la ciencia moderna, en este caso, comienza a reclamar la hermenéutica filosófica.

El estado actual de la filosofía de la ciencia está determinado por dos tendencias reduccionistas. La corriente naturalista implica la disolución de la filosofía de la ciencia en la investigación interdisciplinaria, como la sinergética, la ciencia cognitiva, la ciencia de la ciencia. La tendencia humanitaria conduce a la transformación de la disciplina en crítica literaria, antropología y estudios culturales. La preservación de la pertenencia a la esfera de la investigación filosófica solo es posible teniendo en cuenta el potencial heurístico del campo científico, la reflexión crítica en el contexto de un desarrollo más profundo de los objetivos y valores fundamentales que forman el núcleo de una cosmovisión racionalista.

La crítica literaria es la ciencia ficción, su origen, esencia y desarrollo. La crítica literaria moderna es un sistema complejo y móvil de disciplinas. Hay tres ramas principales de la crítica literaria. La teoría de la literatura investiga las leyes generales de la estructura y desarrollo de la literatura. El tema de la historia de la literatura es predominantemente el pasado de la literatura como proceso o como uno de los momentos de este proceso. La crítica literaria está interesada en el estado de la literatura relativamente único, "actual"; también se caracteriza por la interpretación de la literatura del pasado desde el punto de vista del quehacer social y artístico contemporáneo. La pertenencia de la crítica literaria a la crítica literaria como ciencia no está universalmente reconocida.

La poética como parte de la crítica literaria

La parte más importante de la crítica literaria es la poética.- la ciencia de la estructura de las obras y sus complejos, el trabajo de los escritores en general, las tendencias literarias, así como las épocas artísticas. La poética se correlaciona con las principales ramas de la crítica literaria: en el plano de la teoría literaria, da una poética general, es decir, la ciencia de la estructura de cualquier obra; en el plano de la historia literaria está la poética histórica, que estudia el desarrollo de las estructuras artísticas y sus elementos individuales (géneros, tramas, imágenes estilísticas); la aplicación de los principios de la poética en la crítica literaria se manifiesta en el análisis de una determinada obra, en la identificación de los rasgos de su construcción. En muchos aspectos, la estilística del discurso artístico ocupa una posición similar en la crítica literaria: puede incluirse en la teoría de la literatura, en la poética general (como un estudio del nivel de estructura estilística y del discurso), en la historia de la literatura ( lenguaje y estilo de esta dirección), así como en la crítica literaria (análisis estilísticos. obras contemporáneas). La crítica literaria como sistema de disciplinas se caracteriza no solo por la estrecha interdependencia de todas sus ramas (por ejemplo, la crítica literaria se basa en los datos de la teoría y la historia de la literatura, y esta última tiene en cuenta y comprende la experiencia de la crítica) , sino también el surgimiento de disciplinas de segundo orden. Hay una teoría de la crítica literaria, su historia, la historia de la poética (que debe distinguirse de la poética histórica) y la teoría de la estilística. También es característico el movimiento de disciplinas de una fila a otra; Así, la crítica literaria acaba convirtiéndose en el material de la historia de la literatura, de la poética histórica, etc.

También existen muchas disciplinas literarias auxiliares: archivo literario, bibliografía de ficción y literatura literaria, heurística (atribución), paleografía, crítica textual, comentario de textos, teoría y práctica de la edición, etc. A mediados del siglo XX, el papel de Los métodos matemáticos (especialmente la estadística) en la crítica literaria aumentaron, principalmente en la versificación, la estilística, la textología, donde los "segmentos" elementales conmensurables de la estructura se distinguen más fácilmente (ver). Disciplinas auxiliares: la base necesaria de las principales; al mismo tiempo, en el proceso de desarrollo y complicación, pueden revelar tareas científicas independientes y funciones culturales. Las conexiones de la crítica literaria con otras humanidades son diversas, algunas le sirven de base metodológica (la filosofía, la estética, la hermenéutica o la ciencia de la interpretación), otras le son próximas en cuanto a tareas y objeto de investigación (folclore, historia del arte), y otros - con una orientación humanitaria general (historia, psicología, sociología). Conexiones multifacéticas entre la crítica literaria y la lingüística, debidas no sólo al carácter común del material (el lenguaje como medio de comunicación y como “elemento primario” de la literatura), sino también a cierta proximidad de las funciones epistemológicas de la palabra y la imagen y cierta similitud de sus estructuras. La fusión de la crítica literaria con otras disciplinas humanitarias estaba previamente fijada por el concepto de filología como ciencia sintética que estudia la cultura espiritual en todos sus lenguajes escritos, incl. manifestaciones literarias; en el siglo XX, este concepto generalmente transmite el carácter común de dos ciencias: la crítica literaria y la lingüística, en el sentido estricto que denota crítica textual y crítica de texto.

Los inicios de la crítica de arte y la crítica literaria se originan en la antigüedad en forma de representaciones mitológicas (tal es el reflejo en los mitos de la diferenciación del arte antiguo). Los juicios sobre el arte se encuentran en los monumentos más antiguos: en los Vedas indios (siglos 10-2 a. C.), en el "Libro de leyendas" chino ("Shijing", siglos 14-5 a. C.), en la "Ilíada" griega antigua. y "Odisea" (siglos 8-7 a. C.). En Europa, los primeros conceptos de arte y literatura fueron desarrollados por pensadores antiguos. Platón, en línea con el idealismo objetivo, consideró los problemas estéticos, incl. el problema de lo bello, la naturaleza epistemológica y la función educativa del arte, proporcionó la información principal sobre la teoría del arte y la literatura (principalmente la división en géneros: épica, lírica, drama). En los escritos de Aristóteles, mientras se mantiene un enfoque estético general del arte, ya se está produciendo la formación de las disciplinas literarias propiamente dichas: la teoría de la literatura, la estilística, especialmente la poética. Su obra "Sobre el arte de la poesía", que contiene la primera exposición sistemática de los fundamentos de la poética, abrió la tradición centenaria de tratados especiales sobre poética, que con el tiempo adquirió un carácter cada vez más normativo (tal es ya la "Ciencia de la poesía ", siglo I aC, Horacio). Al mismo tiempo, se desarrolló la retórica, en cuyo marco tuvo lugar la formación de la teoría de la prosa y la estilística. La tradición de compilar retórica, así como poética, sobrevivió hasta la Nueva Era (en particular, en Rusia: “Una breve guía de elocuencia”, 1748, M.V. Lomonosov). En la antigüedad: los orígenes de la crítica literaria (en Europa): los juicios de los primeros filósofos sobre Homero, la comparación de las tragedias de Esquilo y Eurípides en la comedia de Aristófanes "Las ranas". La diferenciación del saber literario se produce en la época helenística, durante el período de la llamada escuela filológica alejandrina (siglos III-II a. C.), cuando, junto con otras ciencias, la crítica literaria se separa de la filosofía y forma disciplinas propias. Estos últimos incluyen biobibliografía ("Tablas", siglo III a. C., Calímaco, el primer prototipo de una enciclopedia literaria), crítica del texto desde el punto de vista de su autenticidad, comentarios y publicaciones de textos. Profundos conceptos de arte y literatura también están tomando forma en los países del Este. En China, en línea con el confucianismo, se está formando la doctrina de la función social y educativa del arte (Xunzi, c. 298-238 a. C.), y en línea con el taoísmo, la teoría estética de la belleza en relación con el principio creativo universal. "tao" (Laozi, siglo VI-V a.C.).

En la India, los problemas de la estructura artística se están desarrollando en relación con las enseñanzas sobre la psicología especial de la percepción del arte - rasa (el tratado "Natyashastra", atribuido a Bharata, alrededor del siglo IV y tratados posteriores) y sobre el oculto significado de una obra de arte - dhvani ("La enseñanza de la resonancia" de Anandavardhana, siglo IX), y desde la antigüedad, el desarrollo de la crítica literaria ha estado estrechamente relacionado con la ciencia del lenguaje, con el estudio del estilo poético. En general, el desarrollo de la crítica literaria en los países del Este se distinguió por el predominio de métodos teóricos generales y estéticos generales (junto con obras textuales y bibliográficas; en particular, el género biobibliográfico de tazkire se generalizó en las literaturas persa y turca) . Los estudios del plan histórico y evolutivo aparecieron solo en los siglos 19-20. Los eslabones de conexión entre la crítica literaria antigua y la moderna fueron Bizancio y la literatura latina de los pueblos de Europa occidental; La crítica literaria medieval, estimulada por la recopilación y el estudio de monumentos antiguos, tenía un sesgo predominantemente bibliográfico y de comentario. También se desarrollaron investigaciones en el campo de la poética, la retórica y la métrica. En el Renacimiento, en conexión con la creación de poéticas originales que correspondieran a las condiciones locales y nacionales, el problema de la lengua, superando el ámbito de la retórica y la estilística, se elevó al problema teórico general de establecer nuevas lenguas europeas como un conjunto completo. -material de pleno derecho para la poesía (tratado de Dante "Sobre el habla popular", "Protección y glorificación de la lengua francesa, Du Bellay); también se afirmó el derecho de la crítica literaria a abordar los fenómenos artísticos contemporáneos (comentarios de G. Boccaccio sobre la Divina Comedia). Sin embargo, dado que la nueva crítica literaria creció sobre la base del “descubrimiento de la antigüedad”, la afirmación de la originalidad se combinó contradictoriamente con los intentos de adaptar los elementos de la poética antigua a la nueva literatura (el traslado de las normas de la doctrina aristotélica del drama a la épica en “Discurso sobre el arte poético”, T. Tasso). La percepción de los géneros clásicos como cánones "eternos" coexistió con el sentido de dinamismo e incompletitud del Renacimiento. Durante el Renacimiento se redescubrió la Poética de Aristóteles (la edición más importante fue publicada en 1570 por L. Castelvetro), que, junto con Yu. A finales del siglo XVI, y especialmente en la era del clasicismo, se intensifica la tendencia a sistematizar las leyes del arte; al mismo tiempo, se indica claramente el carácter normativo de la teoría artística. N. Boileau en "El arte de la poesía" (1674), dejando fuera de paréntesis los problemas epistemológicos y estéticos generales, dedicó sus esfuerzos a crear una poética coherente como un sistema de normas de género, estilísticas y discursivas, cuyo aislamiento y obligación convirtió su tratado y obras relacionadas ("Experiencia sobre la crítica", 1711, A. Pope; "Epístola sobre poesía", 1748, A.P. Sumarokov y otros) casi en códigos literarios. Al mismo tiempo, en la crítica literaria de los siglos XVII-XVIII se perfila una fuerte tendencia antinormativa en la comprensión de los tipos y géneros literarios. En G. E. Lessing (“Dramaturgia de Hamburgo”), adquirió el carácter de un discurso resueltamente contra la poética normativa en general, que preparó las teorías estéticas y literarias de los románticos. Sobre la base de la ilustración, también hay intentos de justificar el desarrollo de la literatura por las condiciones locales, incl. ambiente y clima (“Reflexiones críticas sobre poesía y pintura”, 1719, J.B. Dubos). El siglo XVIII es el momento de la creación de los primeros cursos históricos y literarios: "La Historia de la Literatura Italiana" (1772-82) de G. Tiraboschi, construido sobre la consideración histórica de los géneros de poesía "Lyceum, o el Curso de la literatura antigua y moderna" (1799-1805) de J. Laharpe. La lucha del historicismo con la normatividad marcó las obras del “padre de la crítica inglesa” J. Dryden (“An Essay on Dramatic Poetry”, 1668) y S. Johnson (“Lives of the Most Outstanding English Poets”, 1779-81) .

A fines del siglo XVIII, hubo un cambio importante en la conciencia literaria europea, que sacudió la jerarquía estable de los valores artísticos. La inclusión de los monumentos folclóricos en el horizonte científico de la literatura medieval europea, así como de la oriental, pone en duda la categoría de modelo, ya sea en el arte antiguo como en el Renacimiento. Se desarrolla un sentido de la singularidad de los criterios artísticos de diferentes épocas, expresado más plenamente por IG Herder ("Shakespeare", 1773). La categoría de lo especial en la crítica literaria se manifiesta por sí sola, en relación con la literatura de un pueblo o período determinado, que lleva en sí misma su propia escala de perfección. Entre los románticos, el sentimiento de diferencia de criterio dio como resultado el concepto de diferentes épocas culturales, expresando el espíritu de las personas y los tiempos. Hablando de la imposibilidad de restaurar la forma clásica (antigua), oponiéndola a una forma nueva (que surgió con el cristianismo), enfatizaron la eterna variabilidad y renovación del arte (F. y A. Schlegel). Sin embargo, al justificar el arte contemporáneo como romántico, impregnado del simbolismo cristiano de lo espiritual y lo infinito, los románticos, imperceptiblemente, contrariamente al espíritu dialéctico de su enseñanza, restauraron la categoría del modelo (en el aspecto histórico: el arte de la Edad Media). ). Por otro lado, en los sistemas idealistas filosóficos propios, cuya corona era la filosofía de Hegel, la idea del desarrollo del arte se encarnaba en el concepto del movimiento progresivo de las formas artísticas, con una necesidad dialéctica reemplazando cada uno. otro (en Hegel, estas son formas simbólicas, clásicas y románticas); fundamentado filosóficamente la naturaleza de lo estético y su diferencia con lo moral y cognoscitivo (I. Kant); comprendió filosóficamente la naturaleza inagotable - "simbólica" - de la imagen artística (F. Schelling). El período filosófico de la crítica literaria es el momento de los sistemas comprensivos, concebidos como un conocimiento universal sobre el arte (y, por supuesto, más ampliamente, sobre todo ser), "sometiendo" la historia de la literatura, la poética, la estilística, etc.

El curso de la "crítica filosófica" en la crítica literaria de Rusia.

En Rusia, en las décadas de 1820 y 1830, bajo la influencia de los sistemas filosóficos alemanes y al mismo tiempo, cuando fueron rechazados por ellos, se desarrolló una tendencia de "crítica filosófica" (D.V. Venevitinov, N.I. Nadezhdin y otros). En la década de 1840, V. G. Belinsky buscó vincular las ideas de la estética filosófica con los conceptos de servicio civil del arte y el historicismo ("socialidad"). La serie de sus artículos sobre AS Pushkin (1843-46) fue esencialmente el primer curso en la historia de la nueva literatura rusa. La explicación de Belinsky de los fenómenos del pasado estaba conectada con el desarrollo de los problemas teóricos del realismo y la nacionalidad (entendidos -en contraste con la teoría de la "nacionalidad oficial"- en el sentido nacional-democrático). A mediados del siglo XIX, el campo de los estudios literarios en los países europeos se estaba expandiendo: se estaban desarrollando disciplinas que estudiaban de manera integral la cultura de un grupo étnico determinado (por ejemplo, los estudios eslavos); el crecimiento de los intereses históricos y literarios está acompañado en todas partes por un cambio en la atención de los grandes artistas a toda la masa de hechos artísticos y del proceso literario mundial a su literatura nacional ("La historia de la literatura nacional poética de los alemanes", 1832 -42, GG Gervino). En la crítica literaria rusa, en paralelo con esto, la literatura rusa antigua se afirmó en sus derechos; el interés creciente marcó los cursos de M.A. Maksimovich (1839), A.V. Nikitenko (1845) y especialmente "La historia de la literatura rusa, en su mayoría antigua" (1846) de S.P. Shevyryov.

Escuelas metodológicas de la crítica literaria

Se están formando escuelas metodológicas paneuropeas. El interés que despertó el romanticismo por la mitología y el simbolismo folclórico se expresó en las obras de la escuela mitológica (J. Grimm y otros). En Rusia, F. I. Buslaev, no limitado al estudio de la base mitológica, trazó su destino histórico, incl. interacción de la poesía popular con los monumentos escritos. Posteriormente, "mitólogos más jóvenes" (incluido A.N. Afanasiev en Rusia) plantearon la cuestión de los orígenes del mito. Bajo la influencia del otro lado de la teoría romántica, sobre el arte como la autoexpresión del espíritu creativo, se formó un método biográfico (Sh.O. Sainte-Beuve. Retratos literario-críticos). El biografismo, en un grado u otro, pasa por toda la crítica literaria más reciente, habiendo elaborado teorías psicológicas de la creatividad a finales del siglo XIX y principios del XX. Influyente en la segunda mitad del siglo XIX fue escuela cultural e historica. Centrándose en los éxitos de las ciencias naturales, buscó llevar la comprensión de la causalidad y el determinismo en la crítica literaria a factores precisos y tangibles; tal, según las enseñanzas de I. Taine ("Historia de la literatura inglesa", 1863-64), es la trinidad de raza, ambiente y momento. Las tradiciones de esta escuela fueron desarrolladas por F. De Sanghis, V. Scherer, M. Menendesi-Pelaio, en Rusia - N. S. Tihonravov, A. N. Pypin, N. I. Storozhenko. A medida que se desarrolló el método histórico-cultural, reveló una subestimación de la naturaleza artística de la literatura, considerada principalmente como un documento público, fuertes tendencias positivistas, descuido de la dialéctica y los criterios estéticos. Por otro lado, la crítica radical en Rusia, tocando los problemas de la historia de la literatura, enfatizó la conexión del proceso artístico con la interacción y confrontación de varios grupos sociales, con la dinámica de las relaciones de clase ("Ensayos sobre el período de Gogol de la literatura rusa”, 1855-56, NG Chernyshevsky; “Sobre el grado de participación del pueblo en el desarrollo de la literatura rusa, 1858, N.A. Dobrolyubova). Al mismo tiempo, la formulación por parte de algunos demócratas revolucionarios de una serie de problemas teóricos (función del arte, nacionalidad) no estuvo exenta de normatividad y simplificación. Ya en la década de 1840, como parte del estudio del folclore y la literatura antigua, nació la crítica literaria histórica comparada. Posteriormente, T. Benfey esbozó la teoría de la escuela de la migración, que explicaba la similitud de tramas por la comunicación de los pueblos (Panchatantra, 1859).

La teoría de Benfey estimuló tanto un enfoque histórico de las relaciones interétnicas como el interés por los elementos poéticos en sí mismos: tramas, personajes, etc., pero se negó a estudiar su génesis y, a menudo, condujo a comparaciones aleatorias y superficiales. Paralelamente, surgieron teorías que buscaban explicar la similitud de las formas poéticas por la unidad del psiquismo humano ( escuela psicologica popular H. Steinthal y M. Lazarus) y el animismo común a los pueblos primitivos (E. B. Tylor), que sirvió de base a la teoría antropológica para ALang. Al aceptar la doctrina del mito como una forma primaria de creatividad, Alexander N. Veselovsky dirigió su investigación en la dirección de comparaciones concretas; además, en contraste con la escuela de migración, planteó la cuestión de los requisitos previos para el préstamo: "contracorrientes" en la literatura que está bajo influencia. En "Poética histórica", aclarando la esencia de la poesía - a partir de su historia, establece un tema específico de la poética histórica - el desarrollo de las formas poéticas y aquellas leyes según las cuales cierto contenido social encaja en algunas formas poéticas inevitables - género, epíteto, trama (Veselovsky, 54). Desde el lado de la estructura de una obra de arte en su conjunto, AA Potebnya abordó los problemas de la poética ("De Notas sobre la teoría de la literatura", 1905), revelando la ambigüedad de una obra en la que, por así decirlo, se incrustan muchos contenidos, la eterna renovación de la imagen en el proceso de su vida histórica y el papel constructivo del lector en este cambio. La idea de Potebnya de la "forma interna" de la palabra contribuyó al estudio dialéctico de la imagen artística y fue prometedora para el estudio posterior de la estructura poética. En el último tercio del siglo XIX se profundiza en el método histórico-cultural con la ayuda de un enfoque psicológico (por G. Brandes). Surge escuela psicologica(W. Wundt, D. N. Ovsyaniko-Kulikovsky y otros). La intensificación del estudio histórico comparativo condujo a la creación de una disciplina especial: la crítica literaria comparada o estudios comparativos (F. Baldansperger, P. Van Tigem, P. Azar. En la crítica literaria rusa, esta dirección está representada por VM Zhirmunsky, MP Alekseev, N. I. Konradom y otros). El proceso de desarrollo de la crítica literaria se vuelve mundial, rompiendo las barreras seculares entre Occidente y Oriente. En los países de Oriente, por primera vez, aparecen las historias de las literaturas nacionales y se perfila la crítica literaria sistemática. A finales del siglo XIX -y de manera especialmente activa- desde principios del siglo XX, se formó la crítica literaria marxista, que prestó especial atención al estatus social del arte y su papel en la lucha ideológica y de clases. Aunque representantes de esta corriente como G.V. Plekhanov, A.V. Lunacharsky y especialmente G. Lukacs reconocieron la relativa independencia y soberanía de los factores artísticos, en la práctica, la crítica literaria marxista condujo a sus interpretaciones empobrecidas, especialmente entre los ideólogos del llamado sociologismo vulgar. , que llamaban rígidamente al escritor a una determinada clase o estrato social.

Tendencia antipositivista

A la vuelta de los siglos XIX y XX en la literatura occidental surgió una corriente antipositivista , que tomó principalmente tres direcciones. En primer lugar, se disputaba el derecho al conocimiento intelectual y racional en favor del conocimiento intuitivo en relación tanto con el acto creativo como con los juicios sobre el arte (“La risa”, 1900, A. Bergson); de ahí los intentos no solo de refutar el sistema de categorías literarias tradicionales (tipos y tipos de poesía, géneros), sino también de demostrar su insuficiencia fundamental para el arte: determinan no solo la estructura externa de la obra, sino también su maestría (" Estética...”, 1902, B. Croce). En segundo lugar, había un deseo de superar el determinismo plano de la escuela histórico-cultural y construir una clasificación de las literaturas sobre la base de profundas diferenciaciones psicológicas y espirituales (tal es la antítesis de dos tipos de poesía: "Apolínica" y "Dionisiana" en "El nacimiento de la tragedia del espíritu de la música", 1872, F .Nietzsche). V. Dilthey también buscó explicar el arte por procesos profundos, insistiendo en la diferencia entre “idea” y “experiencia” y distinguiendo tres formas principales en la “historia espiritual”: el positivismo, el idealismo objetivo y el idealismo dualista, o “ideologismo de la libertad”. Esta teoría (ver ) no estuvo exenta del apego mecánico de los artistas a cada una de las formas; además, subestimó los momentos de la estructura artística también. el arte se disolvió en la corriente del panorama general inherente a la época. En tercer lugar, la esfera del inconsciente se involucró fructíferamente en la explicación del arte (S. Freud). Sin embargo, el pansexualismo característico de los seguidores de Freud empobreció los resultados de la investigación (como explicar toda la obra del artista por el "complejo de Edipo"). Aplicando los principios psicoanalíticos al arte de una manera nueva, formuló la teoría del inconsciente colectivo (arquetipos) KG Jung ("Sobre la relación de la psicología analítica con una obra literaria", 1922), bajo cuya influencia (así como J .sus seguidores) hubo una crítica ritual-mitológica. Sus representantes buscaron encontrar ciertos esquemas rituales y arquetipos colectivos inconscientes en las obras de todas las épocas. Contribuyendo al estudio de los fundamentos de los géneros y medios poéticos (metáforas, símbolos, etc.), esta tendencia, en su conjunto, subordinando legítimamente la literatura al mito y al ritual, disolvió la crítica literaria en etnología y psicoanálisis. Un lugar especial en la crítica literaria occidental lo ocuparon las búsquedas basadas en la filosofía del existencialismo. Frente al historicismo en la comprensión del desarrollo literario, se planteó el concepto de tiempo existencial, al que corresponden las grandes obras de arte (Heidegger M. Origen de una obra de arte. 1935; Steiger E. El tiempo como imaginación de un poeta, 1939). Al interpretar las obras poéticas como una verdad y una "profecía" autosuficientes y autosuficientes, la "interpretación" existencialista evita el enfoque genético tradicional. La interpretación está determinada por el horizonte lingüístico e histórico del propio intérprete.

"Escuela formal" en la crítica literaria rusa

En repulsión del intuicionismo y el impresionismo biográfico, por un lado, y de los métodos que ignoraban las especificidades del arte (la escuela histórico-cultural), por el otro, surgió en la década de 1910 "escuela formal" en la crítica literaria rusa(Yu.N. Tynyanov, V.B. Shklovsky, B.M. Eikhenbaum, en cierta medida V.V. Vinogradov y B.V. Tomashevsky, que están cerca de ellos;). Buscó superar el dualismo de forma y contenido planteando una nueva relación: materia (algo perteneciente a un acto artístico) y forma (organización de la materia en una obra). Con ello se logró ampliar el espacio de la forma (anteriormente reducido al estilo oa algunos momentos seleccionados al azar), pero al mismo tiempo, en el campo del análisis y la interpretación, se exprimieron o relegaron a la periferia las funcionales, incl. filosóficos y sociales, conceptos artísticos. A través del Círculo Lingüístico de Praga, la “escuela formal” tuvo un impacto significativo en la crítica literaria mundial, en particular, en la “nueva crítica” y el estructuralismo (que también heredó las ideas de T.S. Eliot). Al mismo tiempo, junto con una mayor formalización y desplazamiento de los momentos estéticos, también ha habido una tendencia a superar la antinomia señalada, que es irresoluble en el marco del "método formal". Una obra de arte comenzó a ser vista como un sistema complejo de niveles, que incluía tanto aspectos formales como de contenido (R. Ingarden). Por otro lado, existe una dirección de la llamada psicología objetiva del arte (L.S. Vygotsky), que interpreta los fenómenos artísticos como un “sistema de estímulos” que determinan determinadas experiencias psicológicas. Como reacción a los "métodos formales" y las tendencias subjetivistas, en la década de 1960 se desarrolló un enfoque sociológico de la literatura, pero a veces con una interpretación directa de los fenómenos literarios a factores socioeconómicos. La mitad del siglo XX es la época de acercamiento y confrontación de diversas corrientes metodológicas; Así, el sociologismo, por un lado, gravita hacia el estructuralismo y, por otro, hacia el existencialismo. En la línea del postestructuralismo, se desarrolla una doctrina sobre un texto con múltiples significados, que esconde una infinidad de códigos culturales; además, la esfera de intertextualidad creada de esta manera también incluye factores que surgieron no solo antes de la creación del texto en cuestión, sino también después de ella (R. Barthes basado en J. Derrida e Y. Kristeva). En un nuevo nivel, también se recupera el estudio de la ideología en su conexión más estrecha con el pensamiento mitopoético y metafórico (Clifford Geertz). La nueva crítica literaria nacional (M.M. Bakhtin, D.S. Likhachev, Yu.M. Lsggman, V.V. Ivanov, V.N. Toporov, etc.) propusieron experiencias en la síntesis de paradigmas formales y filosóficos del arte.