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Entre los bufones, el oso era considerado el sostén de la familia, su miembro de pleno derecho. Estos artistas fueron llamados por su nombre y patronímico: Mikhailo Potapych o Matryona Ivanovna. En sus actuaciones, los guías generalmente representaban la vida de la gente común, los interludios trataban sobre una amplia variedad de temas cotidianos. El dueño preguntó, por ejemplo: “¿Y cómo, Misha, los niños pequeños van a robar guisantes?” - o: "¿Cómo es que las mujeres vagan lentamente hacia el trabajo de su amo?" - y la bestia lo demostró todo. Al final de la actuación, el oso realizó varios movimientos memorizados y el dueño los comentó. Entre los bufones, el oso era considerado el sostén de la familia, su miembro de pleno derecho. Estos artistas fueron llamados por su nombre y patronímico: Mikhailo Potapych o Matryona Ivanovna. En sus actuaciones, los guías generalmente representaban la vida de la gente común, los interludios trataban sobre una amplia variedad de temas cotidianos. El dueño preguntó, por ejemplo: “¿Y cómo, Misha, los niños pequeños van a robar guisantes?” - o: "¿Cómo es que las mujeres vagan lentamente hacia el trabajo de su amo?" - y la bestia lo demostró todo. Al final de la actuación, el oso realizó varios movimientos memorizados y el dueño los comentó.
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La "comedia de osos" del siglo XIX constaba de tres partes principales: primero, la danza del oso con una "cabra" (la cabra solía ser representada por un niño que se ponía una bolsa en la cabeza; un palo con una cabeza de cabra y cuernos fueron perforados a través de la bolsa desde arriba; una lengua de madera estaba atada a la cabeza, cuyo aleteo producía un ruido terrible), luego vino la actuación del animal ante las bromas del guía, y luego su pelea con el “ cabra” o dueño. Las primeras descripciones de este tipo de comedias se remontan al siglo XVIII. Esta pesquería existió durante mucho tiempo, hasta los años 30 del siglo pasado. La "comedia de osos" del siglo XIX constaba de tres partes principales: primero, la danza del oso con una "cabra" (la cabra solía ser representada por un niño que se ponía una bolsa en la cabeza; un palo con una cabeza de cabra y cuernos fueron perforados a través de la bolsa desde arriba; una lengua de madera estaba atada a la cabeza, cuyo aleteo producía un ruido terrible), luego vino la actuación del animal ante las bromas del guía, y luego su pelea con el “ cabra” o dueño. Las primeras descripciones de este tipo de comedias se remontan al siglo XVIII. Esta pesquería existió durante mucho tiempo, hasta los años 30 del siglo pasado.
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De la danza circular a la caseta Institución educativa municipal Escuela secundaria n.º 8, pueblo de Severomorsk - 3, región de MurmanskDiapositiva 2
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En la antigüedad, la danza circular era un juego popular en Rusia. Reflejaba una variedad de fenómenos de la vida. Existían danzas circulares por amor, militares, familiares, laborales... Conocemos tres tipos de danzas circulares:
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En los juegos de danza circular se fusionaron orgánicamente los principios corales y dramáticos. Estos juegos generalmente comenzaban con canciones "compuestas" y terminaban con canciones "plegables", y las canciones se distinguían por un ritmo claro. Posteriormente, con los cambios en la estructura de la comunidad del clan, los juegos de danza circular también cambiaron. Aparecieron cantantes principales (luminarias) e intérpretes (actores). Normalmente no había más de tres actores. Mientras el coro cantaba la canción, representaban su contenido. Existe la opinión de que fueron estos actores quienes se convirtieron en los fundadores de los primeros bufones.
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La danza rusa es una parte integral de los juegos y celebraciones folclóricos. Ella siempre estuvo conectada con la canción. Fue esta combinación la que constituyó uno de los principales medios expresivos del teatro popular. Desde la antigüedad, la danza folclórica rusa se basa en la audacia de los compañeros que compiten, por un lado, y en la unidad, la suavidad de los movimientos, por el otro.
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La danza rusa nació de rituales paganos. Después del siglo XI, con la llegada de los actores bufones profesionales, la naturaleza de la danza también cambió. Los bufones tenían una técnica de danza desarrollada; Surgieron variedades de bufones-bailarines. Había bailarines bufones que no solo bailaban, sino que también realizaban representaciones de pantomima con la ayuda de la danza, que en la mayoría de los casos eran de naturaleza improvisada. Aparecían bailarinas, normalmente esposas de bufones. danza rusa
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La danza ocupó un lugar importante en diversas formas de teatro. Participó no sólo en juegos y celebraciones, sino también en representaciones del espectáculo de marionetas Petrushka y, a menudo, llenó las pausas entre los actos del teatro escolar. Muchas tradiciones de la danza rusa han sobrevivido hasta el día de hoy.
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Las fuentes mencionan guías con osos desde el siglo XVI, aunque es posible que hayan aparecido mucho antes. La actitud respetuosa hacia esta bestia se originó en la época pagana. El oso es el progenitor. Es símbolo de salud, fertilidad, prosperidad, es más fuerte que los espíritus malignos.
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Entre los bufones, el oso era considerado el sostén de la familia, su miembro de pleno derecho. Estos artistas fueron llamados por su nombre y patronímico: Mikhailo Potapych o Matryona Ivanovna. En sus actuaciones, los guías generalmente representaban la vida de la gente común, los interludios trataban sobre una amplia variedad de temas cotidianos. El dueño preguntó, por ejemplo: “¿Y cómo, Misha, los niños pequeños van a robar guisantes?” - o: "¿Cómo es que las mujeres vagan lentamente hacia el trabajo de su amo?" - y la bestia lo demostró todo. Al final de la actuación, el oso realizó varios movimientos memorizados y el dueño los comentó.
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La "comedia de osos" del siglo XIX constaba de tres partes principales: primero, la danza del oso con una "cabra" (la cabra solía ser representada por un niño que se ponía una bolsa en la cabeza; un palo con una cabeza de cabra y cuernos fueron perforados a través de la bolsa desde arriba; una lengua de madera estaba atada a la cabeza, cuyo aleteo producía un ruido terrible), luego vino la actuación del animal ante las bromas del guía, y luego su pelea con el “ cabra” o dueño. Las primeras descripciones de este tipo de comedias se remontan al siglo XVIII. Esta pesquería existió durante mucho tiempo, hasta los años 30 del siglo pasado.
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Desde la antigüedad, en muchos países europeos en Navidad era costumbre instalar un pesebre en medio de la iglesia con figuras de la Virgen María, un bebé, un pastor, un burro y un toro. Poco a poco, esta costumbre se convirtió en una especie de representación teatral que, con la ayuda de muñecos, contaba las famosas leyendas evangélicas sobre el nacimiento de Jesucristo, la adoración de los magos y el cruel rey Herodes. La representación navideña se difundió mucho en los países católicos, en particular en Polonia, desde donde se extendió a Ucrania, Bielorrusia y luego, con una forma ligeramente modificada, a Villikorossiya.
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Cuando la costumbre navideña traspasó los límites de la Iglesia católica, adquirió el nombre de belén (eslavo antiguo y ruso antiguo: cueva). Era un teatro de marionetas. Imagina una caja dividida por dentro en dos plantas. La caja terminaba en la parte superior con un techo, con el lado abierto mirando al público. En el tejado hay un campanario. Detrás del cristal se colocó una vela, que ardió durante la actuación, dando a la acción un carácter mágico y misterioso. Los muñecos para el juego del belén estaban hechos de madera o trapos y sujetos a una varilla. La parte inferior de la varilla la sostenía el titiritero, por lo que los muñecos se movían e incluso giraban. El propio titiritero estaba escondido detrás de la caja. En el piso superior de la guarida se representaban escenas bíblicas, en el piso inferior, cotidianas: cotidianas, cómicas, a veces sociales. Y el conjunto de muñecos para el piso inferior era el habitual: hombres, mujeres, diablos, gitanos, gendarmes, y el hombre sencillo siempre resultaba más astuto e inteligente que el gendarme. De este belén nació el Teatro Petrushka, tan popular entre la gente.
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Todo el mundo bailará, pero no como un bufón”, dice el proverbio ruso. De hecho, mucha gente podía jugar, pero no todo el mundo podía ser un bufón profesional. El bufón profesional favorito de la gente era el actor de teatro de marionetas, y la más popular era la comedia sobre Petrushka. Parsley es el héroe favorito tanto de los bufones que ofrecieron la actuación como del público. Es un temerario atrevido y un matón que mantuvo el sentido del humor y el optimismo en cualquier situación. Siempre engañó a los ricos y a los funcionarios del gobierno y, como manifestante, contó con el apoyo de la audiencia.
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En tal representación teatral, dos héroes actuaron simultáneamente (según el número de manos del titiritero): Parsley y el médico, Parsley y el policía. Las tramas eran las más comunes: Petrushka se casa, compra un caballo, etc. Siempre participó en una situación de conflicto y las represalias de Petrushka fueron bastante brutales, pero el público nunca lo condenó por ello. Al final de la actuación, Petrushka a menudo era superado por un "castigo celestial". El teatro de marionetas más popular de Parsley se remonta al siglo XVII.
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Desde finales del siglo XVIII, en la feria era frecuente ver a un hombre vestido de colores llamativos que llevaba una caja decorada (rayok) y gritaba en voz alta: “Venid aquí conmigo a garabatear, gente honesta, tanto niños como niñas, y jóvenes y mujeres, comerciantes y comerciantes, empleados y sacristán, empleados y juerguistas ociosos. Te mostraré todo tipo de fotografías: caballeros y hombres con piel de oveja, y escucharás con atención chistes y chistes diversos, comerás manzanas, roerás nueces, mirarás fotografías y cuidarás tus bolsillos. Te engañarán”. rayok
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Rajek vino a nosotros desde Europa y vuelve a grandes panoramas. El historiador de arte D. Rovinsky en su libro “Russian Folk Pictures” lo describe de la siguiente manera: “El estante es una pequeña caja del tamaño de un arshin en todas direcciones con dos lupas al frente. En el interior, una larga tira con imágenes locales de diferentes ciudades, grandes personajes y acontecimientos se rebobina de una pista de patinaje a otra. Los espectadores, “a un centavo cada uno”, miran al espejo. Rayoshnik mueve las imágenes y cuenta historias para cada nuevo número, a menudo muy intrincadas”.
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Raek era muy popular entre la gente. En él se podía ver un panorama de Constantinopla y la muerte de Napoleón, la Iglesia de San Pedro. Pedro en Roma y Adán con su familia, héroes, enanos y monstruos. Además, el raeshnik no se limitó a mostrar fotografías, sino que comentó los acontecimientos descritos en ellas, criticando a menudo a las autoridades y el orden existente, en una palabra, tocando los problemas más urgentes. Rayek existió como feria de entretenimiento hasta finales del siglo XIX.
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Ninguna feria del siglo XVIII estaba completa sin un stand. Las cabinas teatrales se convirtieron en el espectáculo favorito de esa época. Fueron construidos justo en la plaza y, por la forma en que estaba decorado el stand, se podía entender inmediatamente si su propietario era rico o pobre. Por lo general, se construían con tablas y el techo estaba hecho de lona o lino.
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Dentro había un escenario y un telón. Los espectadores comunes y corrientes se sentaron en los bancos y durante la actuación comieron diversos dulces, bollos e incluso sopa de repollo. Posteriormente, en las cabinas apareció un verdadero auditorio con platea, palcos y un foso de orquesta. El exterior de las casetas estaba decorado con guirnaldas, carteles y, cuando aparecía la iluminación de gas, también con lámparas de gas. La compañía solía estar formada por actores profesionales y viajeros. Ofrecieron hasta cinco funciones al día. En la cabina del teatro se podía ver una arlequinada, trucos de magia y espectáculos secundarios. Aquí actuaron cantantes, bailarines y gente simplemente “extravagante”. Popular era el hombre que bebía un líquido ardiente, o el “caníbal africano” que comía palomas. El caníbal solía ser un artista untado con alquitrán y la paloma era un animal de peluche con una bolsa de arándanos. Naturalmente, la gente corriente siempre esperaba con ansias la feria con su farsa teatral.
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También había espectáculos de circo, sus actores eran “expertos en todos los oficios”. Yu. Dmitriev en el libro "El circo en Rusia" cita un mensaje sobre la llegada de comediantes de Holanda que "caminan sobre una cuerda, bailan, saltan en el aire, en las escaleras, sin agarrarse a nada, tocan el violín, y mientras caminan por las escaleras, bailan inmensamente, saltan alto y hacen otras cosas increíbles”. A lo largo de los largos años de su existencia, las cabinas cambiaron y, a finales del siglo XIX, casi desaparecieron para siempre de la historia del teatro ruso.
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1672 - Comienzan las actuaciones de la compañía de la corte del zar Alexei Mikhailovich. Artamon Matveev ordena "representar una comedia", "y para esa acción organizar una joromina". El 17 de octubre tuvo lugar la primera representación en el pueblo de Preobrazhenskoye.
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1702: se funda el primer teatro público ruso en la Plaza Roja. Se popularizan las procesiones festivas, los fuegos artificiales, las mascaradas y las asambleas.
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Así era el teatro en Yaroslavl en 1909. En 1911 recibió el nombre de Fyodor Volkov.
- (griego θέατρον - lugar
para espectáculo) - uno de
direcciones del arte, en
qué sentimientos, pensamientos y
se transmiten las emociones del autor
al espectador a través de acciones
grupos de actores
El antiguo teatro griego fue construido al pie de una colina al aire libre.
Los invitados de honor se sentaron en primera fila.
teatro medieval
En la Edad Media, las representaciones teatralestuvo lugar justo en la plaza. Grupo pequeño
Los actores se trasladaron de ciudad en ciudad. Todos los disfraces y
los accesorios se colocaron en uno o dos carros.
Italia Teatro Olímpico (1586)
La etapa más importante.en desarrollo
teatro europeo
se convirtió en una era
Renacimiento.
Surgen los primeros
profesional
teatros que tienen
permanente
locales y
compañía. Actuaciones
se crean en base a
dramático o
otra etapa
obras.
Teatro Globe de Inglaterra (siglo XVI)
El teatro está hecho íntegramente de madera,solo algunas partes están pintadas
diferentes colores de mármol o
debajo del ladrillo.
Marquesina que cubre el escenario.
Representa la esfera celeste.
El teatro no tiene techo, es redondo.
forma, y a menudo está nublado encima
Cielo de Londres.
El gran William Shakespeare escribió y actuó en obras de teatro en el Globe Theatre.
William ShakespeareTeatros callejeros en Rusia
Los actores bufones rusos son conocidos desde el siglo XI. Entreeran músicos, cantantes, bailarines, bromistas,
entrenadores de animales salvajes, especialmente osos.
Comenzaron a construir pulmones en las plazas de la ciudad.
Edificios para su alojamiento y recepción de visitantes - stands.
En Rusia, a los actores ambulantes se les llamaba bufones y también entretenían a la gente en la plaza.
El primer teatro en Rusia.
Por primera vez en Rusia, apareció un teatro como edificio bajoEl zar Alexei Mikhailovich (padre de Pedro I) y
Este teatro se llamó Cámara de Diversión.
El Primer Palacio de Invierno de Pedro I - Teatro Hermitage.
Primer Palacio de Invierno de Pedro I Teatro Hermitage.Bajo Pedro I hubo
creado por primera vez
público,
público,
estado
teatro. Pero las compañías
estos primeros
Los teatros consistían en
principalmente de
extranjeros.
Teatros fortaleza
En el siglo XVIII, el teatro de siervos también se desarrolló en Rusia.Gran teatro. Moscú.
Teatro dramático regional de Kurgán
Disposición del teatro
Entre bastidores
Maqueta del escenario del teatro "Catedral de Notre Dame"
Disposición del escenario del teatro"Catedral de Notre Dame"
Antes de iniciar el gran trabajo de decoración del escenario, el artista realiza la escenografía y el vestuario de los personajes en pequeños tamaños: los dibuja, los pega,
Antes de comenzar mucho trabajo enescenografía, el artista realiza
escenografía, disfraces de héroes en pequeño.
tamaños: los dibuja, los pega, los esculpe. Entonces
Aparece un pequeño teatro: una maqueta.
Ejercicio:
haz un modelo de tu teatro
construir un escenario con cartón;
decorar el escenario con backstage.
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Entre los bufones, el oso era considerado el sostén de la familia, su miembro de pleno derecho. Estos artistas fueron llamados por su nombre y patronímico: Mikhailo Potapych o Matryona Ivanovna. En sus actuaciones, los guías generalmente representaban la vida de la gente común, los interludios trataban sobre una amplia variedad de temas cotidianos. El dueño preguntó, por ejemplo: “¿Y cómo, Misha, los niños pequeños van a robar guisantes?” - o: "¿Cómo es que las mujeres vagan lentamente hacia el trabajo de su amo?" - y la bestia lo demostró todo. Al final de la actuación, el oso realizó varios movimientos memorizados y el dueño los comentó. Entre los bufones, el oso era considerado el sostén de la familia, su miembro de pleno derecho. Estos artistas fueron llamados por su nombre y patronímico: Mikhailo Potapych o Matryona Ivanovna. En sus actuaciones, los guías generalmente representaban la vida de la gente común, los interludios trataban sobre una amplia variedad de temas cotidianos. El dueño preguntó, por ejemplo: “¿Y cómo, Misha, los niños pequeños van a robar guisantes?” - o: "¿Cómo es que las mujeres vagan lentamente hacia el trabajo de su amo?" - y la bestia lo demostró todo. Al final de la actuación, el oso realizó varios movimientos memorizados y el dueño los comentó.
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La "comedia de osos" del siglo XIX constaba de tres partes principales: primero, la danza del oso con una "cabra" (la cabra solía ser representada por un niño que se ponía una bolsa en la cabeza; un palo con una cabeza de cabra y cuernos fueron perforados a través de la bolsa desde arriba; una lengua de madera estaba atada a la cabeza, cuyo aleteo producía un ruido terrible), luego vino la actuación del animal ante las bromas del guía, y luego su pelea con el “ cabra” o dueño. Las primeras descripciones de este tipo de comedias se remontan al siglo XVIII. Esta pesquería existió durante mucho tiempo, hasta los años 30 del siglo pasado. La "comedia de osos" del siglo XIX constaba de tres partes principales: primero, la danza del oso con una "cabra" (la cabra solía ser representada por un niño que se ponía una bolsa en la cabeza; un palo con una cabeza de cabra y cuernos fueron perforados a través de la bolsa desde arriba; una lengua de madera estaba atada a la cabeza, cuyo aleteo producía un ruido terrible), luego vino la actuación del animal ante las bromas del guía, y luego su pelea con el “ cabra” o dueño. Las primeras descripciones de este tipo de comedias se remontan al siglo XVIII. Esta pesquería existió durante mucho tiempo, hasta los años 30 del siglo pasado.
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Teatro ruso El TEATRO RUSO (TEATRO DE RUSIA) ha recorrido un camino de formación y desarrollo diferente al del teatro europeo, oriental o americano. Las etapas de este camino están relacionadas con la singularidad de la historia de Rusia: su economía, los cambios en las formaciones sociales, la religión, la mentalidad especial de los rusos, etc. TEATRO
El origen y la formación del teatro ruso El teatro en sus formas rituales y ceremoniales, como en todas las comunidades antiguas, estaba muy extendido en Rusia, existía en formas misteriosas. En este caso, nos referimos al misterio no como un género del teatro medieval europeo, sino como una acción grupal asociada con propósitos cotidianos y sagrados, la mayoría de las veces: recibir la ayuda de una deidad en situaciones importantes para el funcionamiento de la comunidad humana.
El origen y formación del teatro ruso. Estas fueron las etapas del ciclo agrícola - siembra, cosecha, desastres naturales - sequías, epidemias y epizootias, eventos de carácter tribal y familiar - boda, nacimiento de un niño, muerte, etc. Se trataba de representaciones teatrales basadas en la antigua magia tribal y agrícola, por lo que el teatro de este período es estudiado principalmente por folcloristas y etnógrafos, y no por historiadores del teatro. Pero esta etapa es extremadamente importante, como cualquier comienzo que marque el vector del desarrollo.
El origen y la formación del teatro ruso De tales acciones rituales surgió la línea de desarrollo del teatro ruso como teatro popular, teatro popular, presentado en muchas formas: teatro de marionetas (Petrushka, belén, etc.), caseta (raek, divertirse, etc.), actores itinerantes ( guslars, cantantes, narradores, acróbatas, etc.), etc. Hasta el siglo XVII El teatro en Rusia se desarrolló sólo como teatro popular; aquí no existían otras formas teatrales, a diferencia de Europa. Hasta los siglos X-XI. El teatro ruso se desarrolló siguiendo el camino característico del teatro tradicional de Oriente o África: folclore ritual, sagrado, basado en la mitología original.
El origen y formación del teatro ruso Hacia el siglo XI. La situación está cambiando, al principio gradualmente, luego con mayor fuerza, lo que condujo a un cambio fundamental en el desarrollo del teatro ruso y su posterior formación bajo la influencia de la cultura europea.
Teatro profesional Los primeros representantes del teatro profesional fueron bufones que trabajaban en casi todos los géneros de representaciones callejeras. La primera evidencia de bufones se remonta al siglo XI, lo que permite verificar que el arte bufón era un fenómeno que se había formado durante mucho tiempo y entró en la vida cotidiana de todos los estratos de la sociedad de entonces. La formación del arte bufonero original ruso, procedente de ritos y rituales, también estuvo influenciada por las "giras" de los comediantes viajeros europeos y bizantinos: histriones, trovadores, vagabundos.
El teatro escuela-iglesia "Stoglavy" de la Catedral de la Iglesia Ortodoxa Rusa en 1551 jugó un papel decisivo en el establecimiento de la idea de unidad religioso-estado y confió al clero la responsabilidad de crear instituciones educativas religiosas. Durante este período aparecieron representaciones teatrales escolares y representaciones escolares-iglesias, que se representaban en los teatros de estas instituciones educativas (colegios, academias). En el escenario aparecieron figuras que personificaban el estado, la iglesia, el antiguo Olimpo, la sabiduría, la fe, la esperanza, el amor, etc., transferidas de las páginas de los libros.
Teatro de iglesia escolar Originario de Kiev, el teatro de iglesia escolar comenzó a aparecer en otras ciudades: Moscú, Smolensk, Yaroslavl, Tobolsk, Polotsk, Tver, Rostov, Chernigov, etc. Al crecer dentro de los muros de una escuela teológica, completó la teatralización de los ritos de la iglesia: liturgia, servicios de Semana Santa, Navidad, Pascua y otros rituales. Surgido en las condiciones de la vida burguesa emergente, el teatro escolar por primera vez en nuestro suelo separó al actor y el escenario del espectador y del auditorio, y por primera vez condujo a una cierta imagen escénica tanto para el dramaturgo como para el dramaturgo. el actor.
Teatro de la corte La formación del teatro de la corte en Rusia está asociada con el nombre del zar Alexei Mikhailovich. La época de su reinado está asociada a la formación de una nueva ideología centrada en ampliar las relaciones diplomáticas con Europa. La orientación hacia el estilo de vida europeo provocó muchos cambios en la vida de la corte rusa. I. Rozanov. Retrato del fundador del primer teatro de la corte Artamon Sergeevich Matveev
Teatro de la corte. El intento de Alexei Mikhailovich de organizar el primer teatro de la corte se remonta a 1660: en la "lista" de pedidos y compras para el zar, Alexei Mikhailovich escribió al comerciante inglés Hebdon con la tarea "Llamar al estado de Moscú desde las tierras alemanas". Maestros para hacer comedia”. Sin embargo, este intento no tuvo éxito; La primera representación del teatro de la corte rusa tuvo lugar recién en mayo de 1672. El zar emitió un decreto en el que el coronel Nikolai von Staden (amigo del boyardo Matveev) recibió instrucciones de encontrar en el extranjero personas que pudieran "representar comedias".
Las representaciones teatrales de la corte se convirtieron en uno de los entretenimientos favoritos en la corte de Moscú. Había 26 actores rusos. Los niños desempeñaban papeles femeninos. El papel de Esther en la actuación de Artajerjes lo desempeñó el hijo de Blumentrost. Tanto los actores extranjeros como los rusos fueron formados en una escuela especial que se inauguró el 21 de septiembre de 1672 en el patio de la casa de Gregorio en el asentamiento alemán. Resultó difícil formar estudiantes rusos y extranjeros, y en la segunda mitad de 1675 comenzaron a funcionar dos escuelas de teatro: en la corte polaca, para extranjeros, en Meshchanskaya Sloboda, para rusos.
Teatro de la Corte La aparición del primer teatro de la corte coincidió con el nacimiento de Pedro I (1672), quien siendo niño vio las últimas representaciones de este teatro. Habiendo ascendido al trono y comenzado la enorme obra de europeizar Rusia, Pedro I no pudo evitar recurrir al teatro como medio para promover sus innovadoras ideas políticas y sociales.
Teatro Petrovsky Teatro Petrovsky Desde finales del siglo XVII. En Europa se pusieron de moda las mascaradas, lo que atrajo al joven Pedro I. En 1698, vestido con el traje de campesino de Frisia, participó en la mascarada vienesa. Peter decidió popularizar sus reformas e innovaciones a través del arte del teatro. Planeaba construir un teatro en Moscú, pero no para unos pocos elegidos, sino abierto a todos. En 1698-1699, trabajó en Moscú una compañía de teatro de marionetas, encabezada por Jan Splavsky, a quien Peter en 1701 ordenó invitar a comediantes del extranjero. En 1702, la compañía de Johann Kunst llegó a Rusia.
El surgimiento de un teatro público (público) Después de que Isabel Petrovna ascendiera al trono en 1741, continuó la introducción del teatro europeo. Compañías extranjeras hicieron giras por la corte: italianas, alemanas y francesas, entre ellas teatro, ópera, ballet y commedia dell'arte. Durante el mismo período, se sentaron las bases del teatro profesional nacional ruso; fue durante el reinado de Isabel cuando el futuro "padre del teatro ruso", Fyodor Volkov, estudió en Moscú, participó en representaciones navideñas y absorbió la experiencia de las giras. Compañías europeas.
Teatros en instituciones educativas A mediados del siglo XVIII. se organizaron teatros en instituciones educativas (1749 - Cuerpo de nobles de San Petersburgo, 1756 - Universidad de Moscú), se organizaron representaciones teatrales rusas en San Petersburgo (organizador I. Lukin), en Moscú (organizadores K. Baykulov, trabajadores de oficina liderados por Khalkov y Glushkov, "maestro de los asuntos de tinta" Ivanov y otros), en Yaroslavl (organizadores N. Serov, F. Volkov). En 1747 tuvo lugar otro acontecimiento importante: se escribió la primera tragedia poética: Khorev, de A. Sumarokova.
Teatro público nacional Todo esto crea las condiciones previas para el surgimiento de un teatro público nacional. Para ello, en 1752 la compañía de Volkov fue llamada de Yaroslavl a San Petersburgo. Se seleccionan actores aficionados talentosos para estudiar en el Gentry Corps: A. Popov, I. Dmitrevsky, F. y G. Volkov, G. Emelyanov, P. Ivanov, etc. Entre ellos se encuentran cuatro mujeres: A. Musina-Pushkina, A. ... Mikhailova, hermanas M. y O. Ananyev.
Teatro Petrovsky Teatro Petrovsky Bajo Pedro I, el comienzo de las representaciones en Siberia lo puso el metropolitano de Tobolsk Filofei Leshchinsky. En una crónica manuscrita de 1727 se dice: “Filofey era un amante de las representaciones teatrales, hacía comedias gloriosas y ricas, cuando debía ser espectador de una comedia para un coleccionista, luego él, el señor, hacía campanas de catedral para el colección de reverencia, y los teatros estaban entre la Catedral y las iglesias de San Sergio y transportaban, hacia donde iba la gente ". La innovación del metropolitano Filoteo fue continuada por sus sucesores, algunos de ellos eran estudiantes de la Academia de Kiev.
El teatro de Anna Ioannovna Anna Ioannovna gastó enormes sumas de dinero en diversas celebraciones, bailes, mascaradas, recepciones para embajadores, fuegos artificiales, iluminaciones y procesiones teatrales. En su corte, revivió la cultura del payaso, continuando las tradiciones de los bufones "sedentarios": tenía gigantes y enanos, bufones y petardos. La celebración teatral más famosa fue la "curiosa" boda del príncipe bufón Golitsyn con el petardo kalmyk Buzheninova en la Casa de Hielo el 6 de febrero de 1740.
Teatro público permanente El primer teatro público permanente ruso se inauguró en 1756 en San Petersburgo, en la Casa Golovkin. A los actores formados en el Gentry Corps se sumaron varios actores de la compañía de Yaroslavl de F. Volkov, incluido el actor cómico Ya. Shumsky. El teatro estaba dirigido por Sumarokov, cuyas tragedias clasicistas formaron la base del repertorio. El primer lugar en la compañía lo ocupó Volkov, quien reemplazó a Sumarokov como director, y ocupó este lugar hasta su muerte en 1763 (este teatro en 1832 recibiría el nombre de Alexandrinsky, en honor a la esposa de Nicolás I).
Creación de un teatro dramático Las primeras representaciones públicas en Moscú se remontan a 1756, cuando los estudiantes del gimnasio de la universidad, bajo la dirección de su director, el poeta M. Kheraskov, formaron una compañía de teatro dentro de los muros de la universidad. A las actuaciones fueron invitados representantes de la más alta sociedad de Moscú. En 1776, sobre la base de la antigua compañía universitaria, se creó un teatro dramático, que recibió el nombre de Petrovsky (también conocido como Teatro Medox). Los teatros Bolshoi (ópera y ballet) y Maly (drama) de Rusia tienen su origen en este teatro.
Historia del Teatro Maly El Teatro Maly es el teatro más antiguo de Rusia. Su compañía fue creada en la Universidad de Moscú en 1756, inmediatamente después del famoso Decreto de la emperatriz Isabel Petrovna, que marcó el nacimiento del teatro profesional en nuestro país: Hemos ordenado la creación de un teatro ruso para la presentación de comedias y tragedias. La casa del comerciante Vargin, donde en 1824 se inauguró el Teatro Maly
Historia del Teatro Maly En 1824, Bove reconstruyó la mansión del comerciante Vargin para el teatro, y la parte dramática de la compañía moscovita del Teatro Imperial recibió su propio edificio en la plaza Petrovskaya (ahora Teatralnaya) y su propio nombre: Maly. Teatro. En 1824, Bove reconstruyó la mansión del comerciante Vargin para el teatro, y la parte dramática de la compañía de Moscú del Teatro Imperial recibió su propio edificio en la plaza Petrovskaya (ahora Teatralnaya) y su propio nombre: Teatro Maly. El edificio del Teatro Maly de Moscú, fotografía de los años 90 del siglo XIX.
Teatro de la era del sentimentalismo El período del clasicismo en Rusia no duró mucho: la formación del sentimentalismo comenzó a mediados de la década de 1760. Aparecieron “comedias llorosas” de V. Lukinsky, M. Verevkin, M. Kheraskov, ópera cómica y drama burgués. El fortalecimiento de las tendencias democráticas en el teatro y el teatro se vio facilitado por el agravamiento de las contradicciones sociales durante el período de la guerra campesina de 1773-1775 y las tradiciones del teatro popular. Así, según los contemporáneos, Shumsky utilizó técnicas de juego cercanas a las de los bufones. Se está desarrollando una comedia satírica - Menor de D. Fonvizin
Teatros de la fortaleza A finales del siglo XVIII. Los teatros de siervos se están generalizando. Aquí se invitó a especialistas del teatro (actores, coreógrafos, compositores) a formarse con actores. Algunos de los teatros de siervos (Sheremetev en Kuskovo y Ostankino, Yusupov en Arkhangelsk) superaron a los teatros estatales en la riqueza de sus producciones. A principios del siglo XIX. Los propietarios de algunos teatros de siervos comienzan a convertirlos en empresas comerciales (Shakhovskoy y otros). Muchos actores rusos famosos procedían de teatros de siervos, que a menudo eran liberados mediante alquiler para actuar en teatros "gratuitos", incl. en el escenario imperial (M. Shchepkin, L. Nikulina-Kositskaya, etc.). Bailarina del teatro de la fortaleza.
El teatro de principios de siglo En general, el proceso de formación del teatro profesional en Rusia en el siglo XVIII. terminó. El siguiente siglo XIX se convirtió en un período de rápido desarrollo en todas las direcciones del teatro ruso. El Teatro Hermitage, construido por orden de Catalina la Grande en
Teatro ruso en el siglo XIX Teatro ruso en el siglo XIX Cuestiones relacionadas con el desarrollo del teatro a principios del siglo XIX. fueron discutidos en reuniones de la Sociedad Libre de Amantes de la Literatura, las Ciencias y las Artes. El seguidor de Radishchev, I. Pnin, en su libro Experiencia sobre la Ilustración en relación con Rusia (1804), argumentó que el teatro debería contribuir al desarrollo de la sociedad. En segundo lugar, a la formación del romanticismo contribuyó la relevancia de las tragedias patrióticas escenificadas durante este período, llenas de alusiones a la situación moderna (Edipo en Atenas y Dmitry Donskoy de V. Ozerov, obras de F. Schiller y W. Shakespeare). Esto significa que se establecieron nuevos principios de actuación, el deseo de individualizar a los personajes escénicos, revelar sus sentimientos y psicología.
El teatro se dividió en dos compañías en el primer cuarto del siglo XIX. Se produjo la primera separación oficial del teatro dramático ruso en una dirección separada (anteriormente, la compañía dramática trabajaba junto con la compañía de ópera y ballet, y los mismos actores a menudo actuaban en representaciones de diferentes géneros). En 1824, el antiguo Teatro Medox se dividió en dos compañías: una compañía de teatro (Teatro Maly) y una compañía de ópera y ballet (Teatro Bolshoi). El Teatro Maly tendrá un edificio independiente. (En San Petersburgo, la compañía de teatro se separó de la compañía musical en 1803, pero antes de trasladarse a un edificio separado del Teatro Alexandrinsky en 1836, todavía trabajaba junto con la compañía de ópera y ballet del Teatro Mariinsky).
Teatro Alexandrinsky Para el Teatro Alexandrinsky, la segunda mitad del siglo XIX. Resultó ser un período más difícil. A pesar de las producciones individuales de obras de Ostrovsky, I. Turgenev, A. Sukhovo-Kobylin, A. Pisemsky, por voluntad de la Dirección de Teatros Imperiales, la base principal del repertorio en ese momento era el vodevil y el drama pseudofolclórico. La compañía incluía muchos artistas talentosos cuyos nombres están inscritos en la historia del teatro ruso: A. Martynov, P. Vasiliev, V. Asenkova, E. Guseva, Yu. Linskaya, V. Samoilov y más tarde, a finales del siglo XIX. siglo. – P. Strepetova, V. Komissarzhevskaya, M. Dalsky, K. Varlamov, M. Savina, V. Strelskaya, V. Dalmatov, V. Davydov, etc. Sin embargo, cada uno de estos brillantes actores apareció como si estuviera solo, actuando las estrellas no formaban un conjunto escénico. En general, el estado del Teatro Alexandrinsky en ese momento no era muy envidiable: los líderes de la compañía cambiaban constantemente, no había una dirección fuerte, el número de estrenos aumentó y el tiempo de ensayo se redujo.
El teatro de ópera y ballet más grande de Rusia, uno de los teatros musicales más antiguos de nuestro país. Tiene su origen en el Teatro Stone (Bolshoi), inaugurado en 1783. Existe en un edificio moderno (reconstruido después del incendio del Teatro Circus) desde 1860, momento en el que recibió un nuevo nombre: Teatro Mariinsky.
El teatro de principios de siglo El período de rápido ascenso y rápido florecimiento del teatro ruso fue el cambio de siglo XIX y XX. Esta vez fue un punto de inflexión para todo el teatro mundial: apareció una nueva profesión teatral: la de director y, en este sentido, se formó una estética fundamentalmente nueva del teatro del director. En Rusia, estas tendencias se han manifestado con especial claridad. Este fue un período de crecimiento sin precedentes en todo el arte ruso, que más tarde se conoció como la Edad de Plata. Y el teatro dramático, junto con la poesía, la pintura, la escenografía y el ballet, apareció en una gran variedad de direcciones estéticas, centrando la atención de la comunidad teatral mundial.
Teatro ruso a principios de los siglos XIX y XX Teatro ruso a principios de los siglos XIX y XX Para considerar Rusia a principios de los siglos XIX y XX. El foco de los logros teatrales mundiales sería suficiente para K. Stanislavsky solo con sus impresionantes ideas innovadoras y el Teatro de Arte de Moscú creado por él junto con V. Nemirovich-Danchenko (1898). A pesar de que el Teatro de Arte de Moscú se inauguró con la obra "El zar Fyodor Ioannovich" de A.K. Tolstoi, el estandarte del nuevo teatro fue la dramaturgia de A. Chéjov, misteriosa, que hasta el día de hoy no se ha revelado completamente. No en vano hay una gaviota en el telón del Teatro de Arte de Moscú, que hace referencia al título de una de las mejores obras de Chéjov y se ha convertido en un símbolo del teatro. Pero uno de los principales servicios de Stanislavsky al teatro mundial es la educación de estudiantes talentosos que han absorbido la experiencia de su sistema teatral y lo han desarrollado en las direcciones más inesperadas y paradójicas (ejemplos sorprendentes son V. Meyerhold, M. Chekhov, E. Vajtangov).
VERA FEDOROVNA KOmissarzhevskaya En San Petersburgo, la “figura clave” de esta época fue V. Komissarzhevskaya. Habiendo hecho su debut en el escenario del Teatro Alexandrinsky en 1896 (antes había actuado en actuaciones amateur de Stanislavsky), la actriz casi de inmediato se ganó el ardiente amor del público. Su propio teatro, que creó en 1904, jugó un papel muy importante en la formación de una brillante galaxia de dirección rusa. En el Teatro Komissarzhevskaya en 1906-1907, por primera vez en el escenario de la capital, Meyerhold estableció los principios del teatro convencional (más tarde continuó sus experimentos en los teatros imperiales, Alexandrinsky y Mariinsky, así como en la Escuela Tenishevsky y en el estudio de teatro en la calle Borodinskaya)
Teatro de Arte de Moscú Teatro de Arte de Moscú En Moscú, el centro de la vida teatral era el Teatro de Arte de Moscú. Allí se reunió una brillante constelación de actores que actuaron en representaciones que atrajeron a un gran número de espectadores: O. Knipper, I. Moskvin, M. Lilina, M. Andreeva, A. Artem, V. Kachalov, M. Chekhov, etc. aquí se formaron tendencias dirección moderna: además de Stanislavsky y Nemirovich-Danchenko, estas fueron las obras de L. Sulerzhitsky, K. Mardzhanov, Vakhtangov; A la producción también acudió el mundialmente famoso G. Craig. El Teatro de Arte de Moscú sentó las bases de la escenografía moderna: en sus representaciones participaron M. Dobuzhinsky, N. Roerich, A. Benois, B. Kustodiev y otros. El Teatro de Arte de Moscú en aquella época determinó toda la vida artística de Moscú, incl. – y el desarrollo de pequeñas formas teatrales; El teatro de cabaret más popular de Moscú, "El Murciélago", está creado sobre la base de las parodias del Teatro de Arte de Moscú.
Teatro ruso después de 1917 El nuevo gobierno comprendió la importancia del arte teatral: el 9 de noviembre de 1917, el Consejo de Comisarios del Pueblo emitió un decreto sobre la transferencia de todos los teatros rusos a la jurisdicción del departamento de artes de la Comisión Estatal de Educación. Y el 26 de agosto de 1919 apareció un decreto sobre la nacionalización de los teatros, por primera vez en la historia de Rusia el teatro se convirtió completamente en un asunto de estado (en la antigua Grecia, tal política estatal se llevó a cabo en el siglo V a. C.) . Los principales teatros reciben títulos académicos: en 1919, el Teatro Maly, en 1920, el Teatro de Arte de Moscú y el Teatro Alexandrinsky (rebautizado como Teatro Dramático Académico Estatal de Petrogrado). Se están abriendo nuevos cines. En Moscú, el tercer estudio del Teatro de Arte de Moscú (1920, más tarde Teatro Vakhtangov); Teatro de la Revolución (1922, más tarde, Teatro Mayakovsky); Teatro MGSPS (1922, hoy – Teatro Mossovet); Teatro para Niños de Moscú (1921, desde 1936 - Teatro Central para Niños). En Petrogrado - Teatro Dramático Bolshoi (1919); GOSET (1919, desde 1920 se traslada a Moscú); Teatro para Jóvenes Espectadores (1922).
Teatro que lleva el nombre de Evgeniy Vakhtangov Historia del Teatro que lleva el nombre de Evgeniy Vakhtangov. Vakhtangov comenzó mucho antes de su nacimiento. A finales de 1913, un grupo de dieciocho o veinte estudiantes muy jóvenes de Moscú organizaron el Estudio de Drama Estudiantil y decidieron estudiar arte teatral según el sistema Stanislavsky.
Teatro en los años 30 El nuevo período del teatro ruso comenzó en 1932 con el decreto del Comité Central del Partido Comunista de los Bolcheviques de toda la Unión "Sobre la reestructuración de las organizaciones literarias y artísticas". El método principal en el arte fue reconocido como el método del realismo socialista. Se acabó la época de la experimentación artística, aunque esto no significa que los años siguientes no trajeron nuevos logros y éxitos en el desarrollo del arte teatral. Simplemente se redujo el "territorio" del arte permitido y se aprobaron representaciones de ciertos movimientos artísticos, por regla general realistas. Y apareció un criterio de evaluación adicional: ideológico y temático. Así, por ejemplo, el logro incondicional del teatro ruso desde mediados de la década de 1930 fueron las representaciones de los llamados. "Leninianos", en el que se llevó al escenario la imagen de V. Lenin (El hombre con una pistola en el Teatro Vakhtangov, en el papel de Lenin - B. Shchukin; Pravda en el Teatro de la Revolución, en el papel de Lenin - Sr. Strauch, etc.). Cualquier representación basada en las obras del "fundador del realismo socialista", M. Gorky, estaba prácticamente condenada al éxito. Esto no significa que todas las actuaciones ideológicamente coherentes fueran malas, sino que los criterios artísticos (y a veces el éxito del público) en la evaluación estatal de las actuaciones dejaron de ser decisivos.
El teatro en la década de 1930 Para muchos trabajadores del teatro ruso, la década de 1930 (y la segunda mitad de la de 1940, cuando la política ideológica continuó) se volvió trágica. Sin embargo, el teatro ruso siguió desarrollándose. Aparecieron nuevos nombres de directores: A. Popov, Y. Zavadsky, R. Simonov, B. Zakhava, A. Dikiy, N. Okhlopkov, L. Vivien, N. Akimov, N. Gerchakov, M. Kedrov, M. Knebel, V Sakhnovsky, B. Sushkevich, I. Bersenev, A. Bryantsev, E. Radlov y otros, nombres relacionados principalmente con Moscú y Leningrado y con las escuelas de dirección de los principales teatros del país. Sin embargo, también se hicieron famosas las obras de muchos directores de otras ciudades de la Unión Soviética: N. Sobolshchikov-Samarin (Gorky), N. Sinelnikov (Kharkov), I. Rostovtsev (Yaroslavl), A. Kanin (Ryazan), V. Bityutsky (Sverdlovsk), N. Pokrovsky (Smolensk, Gorki, Volgogrado), etc.
Teatro durante la Gran Guerra Patria Durante la Gran Guerra Patria, los teatros rusos se centraron principalmente en temas patrióticos. En los escenarios se presentaron obras escritas durante este período (La invasión de L. Leonov, El frente de A. Korneichuk, Un chico de nuestra ciudad y El pueblo ruso de K. Simonov) y obras con temas históricos y patrióticos (Pedro I de A.N. Tolstoi, El mariscal de campo Kutuzov
El teatro durante la Gran Guerra Patria El período 1941-1945 tuvo otra consecuencia para la vida teatral de Rusia y la Unión Soviética: un aumento significativo del nivel artístico de los teatros provinciales. La evacuación de los teatros de Moscú y Leningrado y su trabajo en la periferia dieron nueva vida a los teatros locales, contribuyeron a la integración de las artes escénicas y al intercambio de experiencias creativas.
Teatro ruso en 1950-1980 Teatro ruso en 1950-1980 Muchos actores de Leningrado hicieron una gran contribución a la formación del arte teatral ruso: I. Gorbachev, N. Simonov, Y. Tolubeev, N. Cherkasov, B. Freundlich, O. Lebzak , L. Shtykan, N. Burov y otros (Teatro Pushkin); D. Barkov, L. Dyachkov, G. Zhzhenov, A. Petrenko, A. Ravikovich, A. Freundlich, M. Boyarsky, S. Migitsko, I. Mazurkevich y otros (Teatro Lensovet); V. Yakovlev, R. Gromadsky, E. Ziganshina, V. Tykke y otros (Teatro Lenin Komsomol); T. Abrosimova, N. Boyarsky, I. Krasko, S. Landgraf, Y. Ovsyanko, V. Osobik y otros (Teatro Komissarzhevskaya); E. Junger, S. Filippov, M. Svetin y otros (Teatro de Comedia); L. Makariev, R. Lebedev, L. Sokolova, N. Lavrov, N. Ivanov, A. Khochinsky, A. Shuranova, O. Volkova y otros (Teatro de Jóvenes Espectadores); N. Akimova, N. Lavrov, T. Shestakova, S. Bekhterev, I. Ivanov, V. Osipchuk, P. Semak, I. Sklyar y otros (MDT, también conocido como el Teatro de Europa). Teatro del ejército ruso EL TEATRO DEL EJÉRCITO RUSO es el primer teatro dramático profesional del sistema del Ministerio de Defensa. Hasta 1946 se llamó Teatro del Ejército Rojo, luego pasó a llamarse Teatro del Ejército Soviético (más tarde Teatro Académico Central del Ejército Soviético). Desde 1991 – Teatro Académico Central del Ejército Ruso. EL TEATRO DEL EJÉRCITO RUSO es el primer teatro dramático profesional del sistema del Ministerio de Defensa. Hasta 1946 se llamó Teatro del Ejército Rojo, luego pasó a llamarse Teatro del Ejército Soviético (más tarde Teatro Académico Central del Ejército Soviético). Desde 1991 – Teatro Académico Central del Ejército Ruso.
Teatro del Ejército Ruso En 1930-1931, el Teatro del Ejército Rojo estuvo dirigido por Yu.A. Zavadsky. Aquí realizó una de las actuaciones más notables de Moscú en ese momento, Mstislav el Atrevido I. Prut. Había un estudio en el teatro, sus graduados se unieron a la compañía. En 1935, el teatro estaba dirigido por A.D. Popov, cuyo nombre está asociado con el surgimiento del Teatro del Ejército Rojo. El arquitecto K.S. Alabyan creó un proyecto para un edificio de teatro muy especial: en forma de estrella de cinco puntas, con dos auditorios (Gran Salón para 1800 asientos), con un escenario espacioso, caracterizado por una profundidad sin precedentes hasta entonces, con muchas salas adaptadas. para talleres, servicios de teatros, salas de ensayo. En 1940 el edificio fue construido, hasta entonces el teatro realizaba sus representaciones en el Salón de la Bandera Roja de la Casa del Ejército Rojo y realizaba largas giras.
Teatro ruso del período postsoviético Teatro ruso del período postsoviético El cambio en la formación política a principios de los años 1990 y un largo período de ruina económica cambiaron radicalmente la vida del teatro ruso. El primer período de debilitamiento (y después – y abolición) del control ideológico estuvo acompañado de euforia: ahora se puede montar y mostrar cualquier cosa al público. Una vez abolida la centralización de los teatros, se organizaron en gran número nuevos grupos de teatro-estudio, empresas, etc. Sin embargo, pocos de ellos sobrevivieron en las nuevas condiciones: resultó que, además del dictado ideológico, existe un dictado del espectador: el público sólo verá lo que quiera. Y si en las condiciones de financiación estatal del teatro, llenar el auditorio no es muy importante, entonces, con la autosuficiencia, un lleno total en la sala es la condición más importante para la supervivencia.
El teatro actual El teatro ruso actual, en cuanto al número y variedad de tendencias estéticas, está asociado con la Edad de Plata. Directores de estilos teatrales tradicionales conviven con experimentalistas. Junto con maestros reconocidos, P. Fomenko, V. Fokin, O. Tabakov, R. Viktyuk, M. Levitin, L. Dodin, A. Kalyagin, G. Volchek, K. Ginkas, G. Yanovskaya, G. Trostyanetsky están logrando trabajando, I. Raikhelgauz, K. Raikin, S. Artsibashev, S. Prokhanov, S. Vragova, A. Galibin, V. Pazi, G. Kozlov, así como artistas de vanguardia aún más jóvenes y radicales: B. Yukhananov, A. Praudin, A. Moguchiy, V. Kramer, Klim y otros.
El teatro hoy En el período postsoviético, los contornos de la reforma del teatro han cambiado drásticamente; se han trasladado principalmente al ámbito de la financiación de grupos de teatro, la necesidad de apoyo estatal a la cultura en general y al teatro en particular, etc. La posible reforma está generando una amplia variedad de opiniones y un acalorado debate. Los primeros pasos de esta reforma fueron el decreto del gobierno ruso de 2005 sobre financiación adicional para varios teatros e instituciones teatrales educativas en Moscú y San Petersburgo. Sin embargo, todavía queda un largo camino por recorrer antes del desarrollo sistemático de un plan de reforma del teatro. Aún no está claro qué será.
